 |
Барокко (от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность. Барокко картины Барокко шедевры живописи |
 |
Бидермейер (от нем. biedermeier — простодушный, обывательский) — направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер. Бидермейер шедевры живописи Фердинанд Вальдмюллер картины Карл Шпицвег картины |
| Веризм (от итал. il verismo, от слова vero — истинный, правдивый) — реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являются Дж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка, Дж. Аббати и др. | |
 |
Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528). |
| Вортицизм (от ит. vortizto — вихрь) — направление английского авангарда, основанное Уиндемом Льюисом в 1914 году. Это название обязано своим происхождением замечанию итальянского футуриста Умберто Боччони о том, что любое творчество рождается из вихря чувств. Подобно футуризму, вортицизм — резкий, угловатый и очень динамичный стиль, распространившийся как в живописи, так и в скульптуре, — стремился передать процесс движения. Хотя вортицизм не дожил даже до окончания Первой мировой войны, он сыграл важную роль как этап в процессе формирования абстрактного искусства в Англии. | |
 |
Геометрический абстракционизм — вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов. Геометрический абстракционизм картины |
 |
Гиперреализм, фотореализм, суперреализм — стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность. Гиперреализм картины |
| Гиперманьеризм (другое название — анахронизм) — направление постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого | |
 |
Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику. Готика картины |
| Дадаизм (произошло от фр. dadaisme, dada — деревянная лошадка; в переносном смысле — бессвязный детский лепет) — модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968), Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963). | |
 |
Дивизионизм (от франц. division — разделение), пуантилизм — направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра, Поль Синьяк, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Рейссельберг, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков. Дивизионизм шедевры живописи Жорж Сёра картины Поль Синьяк картины Эдмон Кросс картины Тео Ван Рейссельберг картины |
 |
Живопись жёстких контуров (от англ. hard edge) — направление абстрактной живописи 2-й половины XX века, в которой пятна цвета разделены жесткими границами. Этот стиль связан с геометрической абстракцией, постживописной абстракцией и живописью цветового поля. Живопись жёстких контуров картины |
|
Живопись цветового поля (от англ. color field) — направление абстрактной живописи 2-й половины XX века, возникшее в Нью-Йорке. Живопись цветового поля характеризуется прежде всего крупными полями плоского, монолитного цвета, размазанного или наложенного пятнами по холсту, создавая площади непрерывной поверхности и плоский план картины. Живопись цветового поля картины |
|
 |
Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Дега, Моне, Писсарро. Импрессионизм картины Импрессионизм шедевры живописи Камиль Писсарро картины Эдгар Дега картины Клод Моне картины Ренуар картины |
| Информализм, информель |
|
| Искусство действия, абстракция жестов (от англ. action painting) — направление в американской живописи середины ХХ века, в котором краска спонтанно наносится на холст. Искусство действия аналогично абстрактному экспрессионизму. |
Модернизм в изобразительном искусстве — Википедия
Модернизм в изобразительном искусстве — совокупность художественных течений, характеризующихся нарушением классических изобразительных форм, установлением нового и утверждением радикальных художественных принципов. Модернизм — художественное направление середины XX века, рамки которого иногда расширяют с 60-х годов XIX века по 70-е годы XX столетия. Модернизм затрагивает изобразительный стиль и содержание искусства. Модернизм определяют как своеобразную философию и новую форму художественного мышления. Наиболее заметными течениями в рамках классического модернизма принято считать фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм. Также к модернистским течениям относят более ранние импрессионизм и постимпрессионизм и более поздние — оп-арт, кинетическое искусство. Классический модернизм, как правило, использовал абстрактную форму, поэтому абстрактную живопись часто считают одним из наиболее характерных примеров модернизма. В то же время, модернизм не ограничен абстрактными принципами и многие его канонические примеры были созданы в рамках фигуративной живописи.
Условной датой начала модернизма называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда вошли работы художников, не принятых к участию в официальном Парижском салоне. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание произведений, основанных на внутренней свободе, особом видении мира и формирующих новый изобразительный язык, где важной составляющей становится вызов устоявшимся художественным канонам.
XIX век[править | править код]
В настоящий момент не существует единого мнения, какой именно момент следует считать отправной точкой современного искусства. Также как не существует четких стилистических и хронологических границ модернизма. Несмотря на то, что принципы современной скульптуры и архитектуры складываются в конце XIX века, начало современной живописи можно отнести к более раннему времени[1].
Одной из условных дат возникновения современного искусства, иногда называют 1863 год[1], когда Эдуард Мане выставил в Салоне отверженных в Париже свою картину Завтрак на траве (Le déjeuner sur l’herbe). В некоторых случаях датой начала нового искусства определяют 1855, когда Гюстав Курбе представил картину Мастерская художника» или 1784, когда Жак-Луи Давид завершил работу над Клятвой Горациев[1]. По словам историка-искусствоведа Х. Г. Арнасона: «Каждая из этих дат имеет значение для развития современного искусства, но ни одна категорически не обозначает нового начала… Постепенная метаморфоза произошла в течение ста лет»[1].
Также широко распространено мнение, что основные идеи и принципы современного искусства складываются еще в XVII веке[2], на заре искусства Нового времени. Концепции, которые в конечном итоге привели к формированию современного искусства, можно проследить и в рамках Эпохи Просвещения, и в XVII веке[3]. Например, критик и теоретик современного искусства Клемент Гринберг считал Иммануила Канта «первым настоящим Модернистом». В то же время, Гринберг обращал внимание на разницу художественных программ модернизма и искусства XVIII века: «Эпоху Просвещения критиковали со стороны … Модернизм критикуется изнутри»[4].
Важным рубежом в формировании современного искусства можно считать Французскую революцию 1789 года. Она обозначила новые принципы, привела к формированию новых институций, представила новые социальные и политические реалии. Искусствовед Эрнст Гомбрих называл новое искусство «самосознанием, которое заставило людей выбирать стиль своего здания, также как человек выбирает узор своих обоев»[5].
Идеи, связанные с принципами современного искусства, складывались в рамках романтизма, реализма и импрессионизма[1]. Стилистические и смысловые формы классического модернизма формировались под влиянием постимпрессионизма и символизма, которые можно считать непосредственными предшественниками и частью традиции современного искусства.
Начало XX-го века[править | править код]
Среди арт-движений, которые получили активное развитие в первом десятилетии XX-го века, были фовизм, кубизм, экспрессионизм и футуризм.
В период между 1910 и окончанием Первой мировой войны и после расцвета кубизма в Париже возникло несколько движений. Джорджо де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где он присоединился к своему брату Андреа (поэт и художник, известный как Альберто Савинио). Через своего брата он познакомился с Пьером Лапрадом, членом жюри Осеннего салона, где он выставлял ряд своих картин: «Загадка Оракула», «Загадка полудня» и «Автопортрет». В 1913 году он выставил свои работы в Салоне Независимых и Осеннем салоне, и его работы заметили Пабло Пикассо, Гийом Аполлинер и другие видные художники. Его неотразимые и загадочные картины считаются важным фундаментом для формирования сюрреализма. «Песня любви» (1914) — одно из самых известных произведений де Кирико и является ранним примером сюрреалистического стиля, хотя она была написана за десять лет до того, как движение было «основано» Андре Бретоном в 1924 году.
Первая мировая война положила конец этому этапу, но указала на начало ряда антихудожественных движений, таких как дадаизм, в том числе работы Марселя Дюшана и сюрреализм. Художественные арт-группы, такие как Де Стейл и Баухаус, выработали новые идеи о взаимосвязи искусства, архитектуры, дизайна и художественного образования.
Современное искусство в США начало активно развиваться после Арсенальной выставки в 1913 году и с помощью европейских художников, которые переехали в США во время Первой мировой войны.
Послевоенные годы[править | править код]
Однако только после Второй мировой войны США стали новым центром художественных арт-движений. В 1950-х и 1960-х годах возникли абстрактный экспрессионизм, живопись цветового поля, концептуальное искусство группы искусство и язык, поп-арт, оптическое искусство, живопись жестких контуров, минимализм, лирическая абстракция, флуксус, хеппенинг, видео-арт, постминимализм, фотореализм и другие арт-движения. В конце 1960-х и 1970-х гг. искусство кантри, перформанс, концептуальное искусство и другие новые виды искусства привлекли внимание кураторов и критиков за счет более традиционных средств массовой информации. Широко стали распространяться большие инсталляции и перформанс.
К концу 1970-х годов, когда культурные критики заговорили о «закате живописи» (название провокационного эссе, написанного в 1981 году Дугласом Кримпом), новое медиаискусство само по себе стало категорией с растущим числом художников, экспериментирующих с технологиями, такими как видеоарт. Живопись приобрела новое значение в 1980-х и 1990-х годах, о чем свидетельствует рост неоэкспрессионизма и возрождение фигуративной живописи.
К концу 20-го века ряд художников и архитекторов начали сомневаться в идее «модерна» и перешли к созданию типично постмодернистских работ.
XIX век[править | править код]
- Романтизм — Франсиско Гойя, Уильям Тёрнер, Эжен Делакруа, Каспар Давид Фридрих, Филипп Отто Рунге
- Реализм — Гюстав Курбе, Камиль Коро, Жан Франсуа Милле́, Роза Бонёр
- Маккьяйоли — Джованни Фаттори, Сильвестро Лега, Телемако Синьорини
- Импрессионизм — Фредерик Базиль, Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро
- Постимпрессионизм — Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар, Тулуз-Лотрек
- Символизм — Гюстав Моро, Одилон Редон, Пюви де Шаванн, Эжен Каррьер, Обри Бердслей, Джордж Фредерик Уоттс, Яцек Мальчевский
- Наби (группа) — Морис Дени, Пьер Боннар, Поль Рансон, Аристид Майоль, Феликс Валлотон
- Модерн, ар-нуво — Поль Гоген, Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаиль Врубель, Леон Бакст , Эдвард Мунк
- Пуантилизм — Жорж Сёра, Поль Синьяк, Анри Кросс, Люсьен Писсарро
- Дивизионизм — Гаэтано Превиати, Джузеппе Пеллицца да Вольпедо, Джованни Сегантини
Начало XX века[править | править код]
- Абстракционизм — Франсис Пикабия, Василий Кандинский, Франтишек Купка, Робер Делоне, Леопольд Сюрваж, Пит Мондриан
- Фовизм — Андре Дерен, Анри Матисс, Морис де Вламинк, Жорж Брак, Кис ван Донген
- Экспрессионизм и связанные с ним группы (Мост, Синий всадник) — Эрнст Людвиг Кирхнер, Василий Кандинский, Франц Марк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Эмиль Нольде, Аксель Тёрнеман, Карл Шмидт-Роттлуфф, Макс Пехштайн
- Футуризм — Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра, Джино Северини, Наталия Гончарова, Михаил Ларионов
- Кубизм — Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жан Метцингер, Альберт Глейзес, Фернан Леже, Роберт Делоне, Анри Ле Фоконье, Марсель Дюшан, Жак Вийон, Фрэнсис Пикабиа, Хуан Грис
- Скульптура — Константин Бранкузи, Йожеф Чаки, Александр Архипенко, Раймонд Дюшан-Вийон, Жак Липшиц, Осип Цадкин, Анри Лоренс, Эли Надельман, Хаим Гросс, Хана Орлофф, Яков Эпштейн, Гюстав Миклош
- Орфизм — Робер Делоне, Соня Делоне, Франтишек Купка
- Фотография — Пикториализм, Группа F/64, Новое ви́дение (New Vision)
- Супрематизм — Казимир Малевич, Александр Родченко, Эль Лисицкий
- Синхромизм — Стэнтон Макдональд-Райт, Морган Рассел
- Школа мусорных вёдер — Эдвард Хоппер, Джон Слоан, Джордж Лакс, Роберт Генри, Эверетт Шинн, Уильям Галкенс
Между Первой и Второй мировыми войнами[править | править код]
- Дадаизм — Жан Арп, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Фрэнсис Пикабиа, Курт Швиттерс
- Вортицизм — Уиндем Льюис
- Метафизическая живопись — Джорджо де Кирико, Карло Карра, Джорджо Моранди
- Де Стейл — Тео ван Дусбург, Пит Мондриан
- Экспрессионизм — Эгон Шиле, Амедео Модильяни, Хаим Саутин
- Новая вещественность — Макс Бекман, Отто Дикс, Георг Гросс, Кристиан Шад
- Фигуративизм — Анри Матисс, Пьер Боннард
- Американский модернизм — Стюарт Дэвис, Марсден Хартли, Джорджия О’Кифф
- Конструктивизм — Наум Габо, Густав Клутзис, Эль Лисицкий, Казимир Малевич, Вадим Меллер, Александр Родченко, Владимир Татлин
- Сюрреализм — Марк Шагал, Рене Магритт, Жан Арп, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико, Андре Массона, Жоан Миро
- Баухауз — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Альберс, Ласло Мохой-Надь, Лионель Файнингер, Йоханнес Иттен, Оскар Шлеммер, Герхард Маркс, Юст Шмидт, Гунта Штольц
- Скульптура — Александр Колдер, Альберто Джакометти, Гастон Лашез, Генри Мур, Пабло Пикассо, Хулио Гонсалес
- Шотландские Колористы — Фрэнсис Каделл, Сэмюэл Пепло, Джордж Хантер, Джон Дункан Фергюссон
- Супрематизм — Казимир Малевич, Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко
- Прецизионизм — Чарльз Шилер, Чарльз Демут
После Второй мировой войны[править | править код]
- Фигуративизм — Бернар Бюффе, Жан Карзу, Морис Буатель, Даниэль Дю Жанере, Клод-Макс Лочу
- Скульптура — Генри Мур, Дэвид Смит, Тони Смит, Александр Колдер, Исаму Ногучи, Альберто Джакометти, сэр Энтони Каро, Жан Дюбюффе, Исаак Виткин, Рене Иче, Марино Марини, Луиза Невельсон, Альберт Врана
- Абстрактный экспрессионизм — Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Ханс Хофманн, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, Ли Краснер, Джоан Митчелл
- Американские абстрактные художники — Илья Болотовский, Ибрам Лассау, Эд Рейнхардт, Джозеф Альберс, Бургойн Диллер
- Ар брют — Фердинан Шеваль, Фридрих Шрёдер-Зонненштерн, Адольф Вёльфли, Алоиза (Алоиза Корбаз), Огюстен Лесаж, Луи Сутер, Генри Дарджер, Мадж Гилл
- Арте повера — Яннис Коунеллис, Лучиано Фабро, Марио Мерц, Пьеро Мандзони, Алигьеро Боэтти, Микеланджело Пистолетто, Джулио Паолини, Джованни Ансельмо, Джузеппе Пеноне, Пино Паскали
- Живопись цветового поля — Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Адольф Готлиб, Сэм Фрэнсис, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Джулс Олицки, Элен Франкенталер
- Ташизм — Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Ханс Хартунг, Людвиг Мерварт
- КОБРА — Пьер Алешинский, Карел Аппел, Асгер Йорн
- Де-коллаж — Вольф Востелл, Миммо Ротелла
- Неодадаизм (Нео-дада) — Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Джон Чемберлен, Джозеф Бойс, Ли Бонтекоу, Эдуард Кинхольц
- Фигуративный экспрессионизм — Ларри Риверс, Грейс Хартиган, Элейн де Кунинг, Роберт Де Ниро-старший, Лестер Джонсон, Джордж МакНил, Эрл М. Пилгрим, Ян Мюллер, Роберт Бошамп, Боб Томпсон
- Флуксус — Йозеф Бойс, Нам Джун Пайк, Джордж Мациюнас, Терри Райли, Джон Кейдж, Карлхайнц Штокхаузен, Йонас Мекас, Ла Монте Янг, Йоко Оно
- Хеппенинг — Аллан Капроу, Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Нам Джун Пайк, Шарлотта Мурман, Роберт Уитмен, Йоко Оно
- Доу эль Сет — движение основаное в Барселоне поэтом / художником Джоан Броссой — Антони Тапиес
- Grupo El Paso — основанная в Мадриде художниками Антонио Саура, Пабло Серрано
- Геометрическая абстракция — Василий Кандинский, Казимир Малевич, Надир Афонсу, Манлио Ро, Марио Радиче, Мино Ардженто
- Живопись жёстких контуров — Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд, Джон Маклафлин, Фрэнк Стелла, Эл Хелд, Рональд Дэвис
- Кинетическое искусство — Александр Колдер, Джордж Рики, Наум Габо, Виктор Вазарель
- Ленд-арт — Христо, Ричард Лонг, Роберт Смитсон, Майкл Хайзер
- Автоматисты — Клод Говрё, Жан-Поль Риопелль, Пьер Говро, Фернан Ледук, Жан-Поль Муссо, Марсель Феррон
- Минимализм — Сол Левитт, Дональд Джадд, Дэн Флавин, Ричард Серра, Агнес Мартин
- Постминимализм — Ева Гессе, Брюс Науман, Линда Бенглис
- Лирическая абстракция — Ронни Ландфилд, Сэм Гиллиам, Ларри Зокс, Дэн Кристенсен, Натвар Бхавсар, Ларри Пунс
- Неофигуративизм — Фернандо Ботеро, Антонио Берни
- Неоэкспрессионизм — Георг Базелитц, Ансельм Кифер, Йорг Иммендорфф, Жан-Мишель Баския
- Трансавангард — Франческо Клементе, Миммо Паладино, Сандро Чиа, Энцо Кучи
- Свободная фигуративность — Эрве Ди Роза, Франсуа Буаронд, Роберт Комбас
- Новый реализм — Ив Клейн, Пьер Рестани, Арман
- Оптическое искусство — Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Джеффри Стил
- Фотореализм — Одри Флэк, Чак Клоуз, Дуэйн Хэнсон, Ричард Эстес, Малкольм Морли
- Поп-арт — Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Эд Руша, Дэвид Хокни
- Послевоенный европейский фигуративизм — Лукиан Фрейд, Фрэнсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Герхард Рихтер
- Новая европейская живопись — Люк Туйманс, Марлен Дюма, Нео Раух, Браха Эттингер, Микаэль Борреманс, Крис Офили
- Живопись фигурного холста — Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Рон Дэвис, Роберт Мангольд.
- Советское изобразительное искусство — Александр Дейнека, Александр Герасимов, Илья Кабаков, Комар и Меламид, Александр Жданов, Леонид Соков
- Спациализм — Лучо Фонтана
- Дюссельдорфская школа фотографии — Андреас Гурски, Кандида Хефер, Томас Штрут, Йорг Сассе, Аксель Хютте, Эльгер Эссер.
- Видео-арт — Нам Джун Пайк, Вольф Востелл, Джозеф Бойс, Билл Виола
- Виженари арт — Эрнст Фукс, Поль Лаффоли, Майкл Боуэн
Крупнейшие выставки и музеи изобразительного искусства[править | править код]
Живопись действия — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Живопись действия: художник за работойЖивопись действия (англ. Action Painting) — направление (стиль) абстрактного экспрессионизма. Суть живописи действия заключается в том, что её главной целью является сам акт творения, а не полученный результат. В технике вместо традиционных способов нанесения (например, посредством кисти) краска наливается, разбрызгивается и так далее, что позволяет раскрыть подсознание художника.
Стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм» взаимозаменяемо)[1][2]. Также стиль часто сравнивается с французским тахизмом[2]. Тесно связанной с этим направлением является Нью-Йоркская школа американского абстрактного экспрессионизма (1940—1950-е годы)[3].
Термин впервые употребил американский критик Гарольд Розенберг в 1952 году[4] в эссе The American Action Painters[5], что обозначило серьезный сдвиг в эстетической перспективе художников и критиков нью-йоркской школы. По словам Розенберга, полотно стало «ареной действия»[6]. Отличительной особенностью живописи действия было то, что действия и средства для создания картины получили более важное значение, чем конечный результат[3]. Хотя Розенберг использовал термин «живопись действия» только в 1952 году, теорию действия он развивал с 1930-х[7]. В то время как абстрактные экспрессионисты, такие как Джексон Поллок, Франц Клайн и Виллем де Кунинг, давно и без смущения рассматривали картину как на арену, на которой нужно совершить акт творения, более ранние критики, симпатизирующие их делу, такие как Клемент Гринберг сосредоточились на «объектности» этих работ. Клемент Гринберг также имел влияние в критике живописи действия, уделяя пристальное внимание творческой борьбой, свидетельством которой, как он утверждал, является поверхность картины[3]. Для Гринберга именно материальность сгустков краски и масла на поверхности картин являлись ключом к их пониманию[8].
Критика Розенберга сместила акцент с объекта на саму борьбу, а законченная картина была лишь физическим проявлением, своего рода остатком действительного произведения искусства, которое заключалось в акте или процессе создания картины. Новые исследования также выводят на первый план художника-сюрреалиста Вольфганга Паалена, который первым употребил термин «действие» в этом смысле и создал теорию субъективной борьбы с употреблением этого термина. В своей теории Паален говорил о зависимом от зрителя пространства возможностей, в котором художник «действует» как в экстатическом ритуале. Он рассуждал об идеях квантовой механики, а также использовал своеобразные интерпретации тотемического видения и пространственной структуры аборигенно-индийской живописи Британской Колумбии. Его масштабное эссе Totem Art (1943) оказало значительное влияние на таких художников, как Марта Грэм, Барнетт Ньюман, Исаму Ногути, Джексон Поллок и Марк Ротко. Паален описывает высокохудожественное видение тотемического искусства как часть ритуального «действия», имеющего психические связи с генетической памятью и поклонением предкам по материнской линии[9].
В 1950—1960-е годы переопределение Розенбергом искусства как акта, а не объекта, как процесса, а не продукта, получило одобрение и положило начало ряду основных художественных направлений, от хеппенинга и флуксуса до концептуального искусства, перфоманса, инсталляции и ленд-арта.
Новый стиль начал развиваться после Второй мировой войны. Экономика и культура в Европе были разрушены, чем воспользовалось американское правительство, чтобы утвердить своё доминирующее положение[10]. Как результат послевоенного эстетического возрождения экспрессионизма в США, и в частности, в Нью-Йорке, возникла живопись действия. Она появилась в мире, где процветали идеи квантовой механики и психоанализа, менялось восприятие людьми материального и психологического миров, а цивилизация стремилась понять мир через повышение самосознания.
Американские представители живописи действия часто размышляли о природе искусства, и причинах его существования, пытаясь понять ценность нового искусства[10]. На предыдущем этапе искусство Кандинского и Мондриана освободило живопись от изображения предметов и вместо этого пыталось раскрывать образы через эстетику, эмоции и чувства внутри зрителя. Живопись действия сделала еще один шаг вперед, используя идеи Юнга и Фрейда о подсознании качестве его основы основ. Многие из художников интересовались исследованиями архетипических образов Карла Юнга и использовали собственные внутренние видения для создания картин[10]. Наряду с Юнгом, на начальном этапе влияние на живопись действия оказали Зигмунд Фрейд и сюрреализм[6]. Созданные картины не предназначались для отображения предметов или конкретных эмоций. Вместо этого они позволяли зрителю прикоснуться к вещам, скрытых глубоко в подсознании, вызывая первобытные ощущения и раскрывая коллективное чувство архетипического визуального языка. Это достигалось тем, что художник рисовал «неосознанно», самопроизвольно, создавая мощную арену голых эмоций и действий, владевших им в данный момент. Живопись действия находилась под явным влиянием сюрреалистического акцента на автоматизме, который также использовал методы психоанализа и требовал более прямого доступа к подсознанию. Важными представителями этой концепции художественного творчества были художники Хуан Миро и Андре Массон. Однако живопись действия заставила сюрреализм сделать ещё один шаг вперед.
- ↑ Art History Definition: Action Painting, ThoughtCo. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ 1 2 Boddy-Evans. Art Glossary: Action Painting (неопр.). About.com. Дата обращения 20 августа 2006.
- ↑ 1 2 3 Action Painting Technique: Definition, Characteristics (неопр.). www.visual-arts-cork.com. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Rosenberg. The American Action Painters (неопр.). poetrymagazines.org.uk. Дата обращения 20 августа 2006. Архивировано 10 апреля 2016 года.
- ↑ Stokstad, Marilyn, 2008, Art History, 3:d edition, London, Pearson Education, p. 1133.
- ↑ 1 2 Action Painting | Artsy (англ.). www.artsy.net. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Robert; Slifkin. The Tragic Image: Action Painting Refigured (неопр.) // Oxford Art Journal. — 2011. — June (т. 34). — С. 227—246.
- ↑ Clement Greenberg, «Post Painterly Abstraction»
- ↑ Andreas Neufert, Auf Liebe und Tod, Das Leben des Surrealisten Wolfgang Paalen, Berlin (Parthas) 2015, S. 494ff.
- ↑ 1 2 3 Jason Edwards; Kaufman. What the Mind’s Eye Sees: Action painters were postwar exemplars of American individualism (англ.) // American Scholar : journal. — Vol. 77. — P. 113—117.
- ↑ Frank Avray Wilson biography (англ.). Whitford Fine Art. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Why Haven’t You Heard of Norman Bluhm?- artnet News (англ.), artnet News (8 июня 2016). Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Exhibit-E. James Brooks (1906-1992) — Artists — Michael Rosenfeld Art (англ.). www.michaelrosenfeldart.com. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Nicolas Carone | Loretta Howard Gallery (англ.) (недоступная ссылка). lorettahoward.com. Дата обращения 4 мая 2018. Архивировано 4 мая 2018 года.
- ↑ Elaine de Kooning, Portraiture, and the Politics of Sexuality (англ.), Genders 1998-2013 (1 September 2003). Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ exhibit-E.com. Biography — The Artist — Willem de Kooning Foundation (англ.) (неопр.) ?. www.dekooning.org. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Tennessee. Biography — Perle Fine — Abstract Expressionist Art — PerleFine.Com (неопр.). www.perlefine.com. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ The Late Abstract Expressionism in the Works of Sam Francis — IdeelArt (англ.), IdeelArt. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Action Art (англ.) (неопр.) ?. www.artmovements.co.uk. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ ArtAsiaPacific: Ismail Gulgee19262007 (англ.). artasiapacific.com. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ 1 2 3 4 5 6 New York School Action Painting 1950s (англ.), Post War American Expressionsim (22 февраля 2012). Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Grace Hartigan: New York School painter who later rejected Abstract (англ.), The Independent (8 декабря 2008). Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Franz Kline Biography, Art, and Analysis of Works (англ.), The Art Story. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Lee Krasner and Her Impressive Oeuvre — IdeelArt (англ.), IdeelArt. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Georges Mathieu Biography – Georges Mathieu on artnet (неопр.). www.artnet.com. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Milton Resnick: A Question of Seeing (неопр.). The Brooklyn Rail. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Joe (Joseph) Stefanelli American Abstract Expressionist — Artlyst (англ.), Artlyst. Дата обращения 4 мая 2018.
- ↑ Jack Tworkov Biography – Jack Tworkov on artnet (неопр.). www.artnet.com. Дата обращения 4 мая 2018.
Жанры живописи. Стили живописи. Примеры :: SYL.ru
Изобразительное искусство, в частности рисование, сопровождает духовную жизнь человека с доисторического времени. Главные жанры живописи родились вместе с потребностью людей выразить свои чувства, порождаемые окружающим миром, и поделиться ними друг с другом.
Суть живописного искусства
Древнейшие наскальные изображения, по утверждению ученых, были сделаны около 40 тысяч лет назад. Художественные галереи доисторического времени — это пещеры со стенами, расписанными с помощью естественных красителей – глины, древесного угля, мела и т. д. Такие «музеи» найдены в Европе, Азии, Америке, Австралии.
Рисунки древних художников обладают всеми признаками настоящих произведений изобразительного искусства. В них чувствуется острый взгляд наблюдателя, твердая рука рисовальщика, выразительность цветовых сочетаний. Жанры живописи, созданной немыслимое число лет назад, будут актуальны в течение всей человеческой истории, они значимы и теперь: изображения человека и животных, сцены мира и войны…
Суть изобразительного искусства также неизменна долгие века: создание визуальных образов, отражающих впечатление человека-творца от предметного мира и явлений духовного порядка, художественная летопись исторических событий разного масштаба, игра фантазии и воображения, основанная на труде и таланте. Художниками для решения таких задач за долгое время выработаны различные стили и жанры живописи. Количество их велико, а признаки определяются творчеством конкретных мастеров.
Монументальная и станковая живопись
Сила художественного воздействия живописного произведения зависит от факторов, очень часто не находящих четкого определения. Размер картины – один из самых условных критериев при оценке масштаба произведения изобразительного искусства. Акварель размером с открытку может рассказать о мире больше, чем многометровые панно с тысячами персонажей.
Деление живописи на монументальную и станковую не говорит о величии решаемых художником творческих задач, оно больше определяет способ экспозиции. Фрески на стенах дворцов и соборов, росписи огромных залов занимают важное место в творчестве титанов Возрождения — потолок Сикстинской капеллы, расписанный Микеланджело, монументален во всех смыслах. Но кто скажет, что портрет флорентийки по имени Мона Лиза, написанный на тополиной доске размером 70 х 53 см, менее значим для мирового искусства?
Картины, созданные на отдельных полотнах, листах, досках, обладающие «мобильностью», принято называть произведениями станковой живописи. Монументальная живопись всегда связана с архитектурой, с дизайном интерьеров, поэтому, чтобы вживую посмотреть фреску Леонардо «Тайная вечеря» на стене трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, придется ехать в Милан.
Основные жанры живописи
Каждая новая историческая эпоха рождает типические видимые образы, появляются мастера с уникальным способом их отображения, поэтому количество «измов» в истории искусств огромно.
Чуть меньшим числом определяются жанры живописи – разделение произведений изобразительного творчества в зависимости от темы, заинтересовавшей художника-живописца. Пейзаж, натюрморт, портрет, сюжетная или фигуративная живопись, абстракция – это важнейшие жанровые направления изобразительного искусства.
Жизнь жанров
Всё находится в четкой связи с периодом истории, и жанры тоже — они рождаются, смешиваются, изменяются или исчезают. К примеру, только специалисты знают такие жанры живописи 18 века, как ведута, россика или более ранний ванитас. На деле же это просто разновидности пейзажа, портрета и натюрморта.
Ведута (итал. veduta – «вид») – родившийся в Венеции вид городского пейзажа с подробной деталировкой; ярчайший мастер-ведутист – Каналетто (1697-1768). Россикой называют портреты, созданные приехавшими в Петербург западноевропейскими живописцами.
Ванитас – аллегорический натюрморт (франц. nature morte – «мертвая природа»), в центре которого обязательно присутствует изображение человеческого черепа. Такое название произошло от латинского слова vanitas, означающего тщеславие, суету.
Часто тематика живописных произведений носит обособленный национальный характер. Например, хуа-няо («изображения цветов и птиц») и его стилистические направления: мо-чжу («бамбук, нарисованный тушью») и мо-мэй («цветущая слива, нарисованная тушью») — все это жанры китайской живописи, имеющие мировое значение. Их лучшие образцы могут восхитить любого зрителя виртуозной точностью рисунка и особой духовностью, но родиться они могли только в атмосфере древней культуры Поднебесной.
Пейзаж
В переводе с французского pays – это страна, местность. Отсюда происходит название одного из самых популярных живописных жанров – пейзажа. Хотя первые попытки передать окружающую природу находят среди образцов наскальной росписи, а мастера Японии и Китая достигли немыслимых высот в изображении неба, воды, растений задолго до нашей эры, классический пейзаж можно считать относительно молодым жанром.
Это связано с технологическими тонкостями. Возможность выходить с этюдником и красками в тюбиках на пленэр – писать натуру при естественном свете – оказала влияние на все жанры живописи. С примерами невиданного расцвета пейзажа можно столкнуться при изучении творчества импрессионистов. Именно картина восхода солнца на реке близ Гавра, написанная Клодом Моне (1840-1926), — «Impression» («Впечатление») — дала название течению в живописи, в корне изменившему взгляд на цели и средства искусства.
Но и более поздняя история хранит имена великих пейзажистов. Если на иконах и картинах Средневековья природа – это схематичный и плоский фон для главного изображения, то начиная с раннего Возрождения пейзаж – активное средство разговора со зрителем. Джорджоне («Гроза»), Тициан («Бегство в Египет»), Эль Греко («Вид Толедо») — в картинах этих мастеров виды природы становятся главным содержанием полотна, а в пейзажах Питера Брейгеля — старшего (1525-1569) осмысление места человека в окружающем мире достигает космического масштаба.
В русской живописи шедевры мастеров пейзажа общеизвестны. «Утро в сосновом лесу» И. И. Шишкина, «Над вечным покоем» И. И. Левитана, «Лунная ночь на Днепре» А. И. Куинджи, «Грачи прилетели» А. К. Саврасова и многие другие картины – не просто красивые виды или различные погодные состояния. Подобно музыке, они могут вызывать у зрителя новые мысли, сильные эмоции и чувства, приводить к высоким обобщениям и истинам.
Разновидности пейзажа: городской, маринистика
Городской пейзаж (ведута, позднее — индустриальный) — это жанры живописи с примерами активных приверженцев и среди художников, и среди любителей этого направления в искусстве. Как можно не восторгаться «Видом города Делфта» Яна Вермеера (1632-1675)?!
Водная стихия всегда завораживала человека, тем более художника. Марины, то есть разновидности картин, где главной темой является море, стали обособляться от обычных пейзажей с начала XVII века в Голландии. Сначала это были просто «портреты кораблей», но затем море само стало главным объектом, увлекавшим и реалистов, и романтиков. Оно стало дополнять другие жанры живописи. С примерами использования морской темы можно встретиться, разглядывая религиозные и мифологические полотна Рембрандта, голландских баталистов, Делакруа и импрессионистов. Великим мастером-маринистом был англичанин Уильям Тёрнер (1775-1851).
Никогда не изменял морской теме И. К. Айвазовский (1817-1900), ставший величайшим художником-поэтом моря. «Девятый вал», «Черное море» и еще более 6 тысяч полотен до сих пор являются непревзойденными образцами марин.
Портрет
Изображение внешнего облика конкретного, существовавшего или существующего человека, а через внешность — выражение его внутреннего содержания – именно так можно определить суть одного из важнейших живописных жанров. Эта суть оставалась, хотя менялась мода, появлялись новые стили живописи и уходили в прошлое устаревшие, ибо главным оставалась индивидуальность, уникальность личности. При этом портретный жанр не имеет железных рамок, может быть элементом сюжетных и фигуративных картин и имеет много жанровых подвидов.
Портрет великого человека – исторический жанр в живописи. «Как это?», — спросит читатель. Герой, имеющий внешнее и внутреннее сходство с конкретной личностью, наделяется окружением, соответствующим «высокому» жанру. Другими подвидами портретного направления называют костюмированный (мифологический, аллегорический), типический, семейный, групповой портрет.
Один из величайших шедевров, за три с половиной века не раскрывший до конца своих загадок, – «Ночной дозор» Рембрандта. Эта картина – групповой портрет отряда военной милиции, где каждый персонаж имеет конкретное имя и характер. Они вступают во взаимодействие, рождающее историю, которая будоражит любого, кто начнет всматриваться в лица людей XVII века.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1608-1669) известен и как автор многочисленных автопортретов, по которым можно проследить судьбу художника, полную трагических ударов и кратких счастливых периодов. Во многих из них можно усмотреть бытовой жанр в живописи, если придавать значение нарочито простому окружению и одежде. Но гений мастера наполняет автопортреты космическим по объему содержанием. Эта жанровая разновидность полна примерами величайших взлетов мастерства и таланта, ведь кто лучше автора знает портретируемого в этом случае?
Натюрморт
Еще один из самых востребованных жанров – выражение индивидуального и общественного понимания мира через изображение его предметного наполнения. Для настоящего художника до мелочей важен выбор компонентов натюрморта – отсюда начинается увлекательный рассказ, дополняемый чисто художественными средствами: композицией, рисунком, цветом и т. д. Стилевое своеобразие выражается в жанре натюрморта особенно явно: здесь предполагается тщательно продуманная работа над неподвижной натурой с выбранным освещением и т. д.
Начинавший свою историю как составная часть религиозных и жанровых композиций, натюрморт быстро стал самоценным жанром. Нидерландский натюрморт (steel-life — «тихая жизнь») – особая страница истории искусства. Роскошные композиции из цветов и снеди или аскетические аллегории интеллектуального характера, «обманки»… Да, у голландского натюрморта XVII века есть устоявшиеся подвиды.
Шедевры этого жанра можно обнаружить в творчестве художников всех значимых стилей и направлений. Среди них — академические декоративные полотна И. Ф. Хруцкого (1810-1885), глубокие и многозначные постановки Сезанна (1839-1906) и импрессионистов, «Подсолнухи» Ван Гога и изобильная «Московская снедь» И. И. Машкова (1881-1944) из «Бубнового валета», фигуративные поиски кубистов и банки консервированного супа Энди Уорхола.
Высокий и низкий роды живописи
В период классицизма деление на высокий и низкий жанр в живописи было закреплено французской Академией изящных искусств. В иерархии, которой постепенно стали придерживаться все ведущие художественные академии, главным объявлялся исторический жанр – Grand genre. К нему относились не только изображения битв и других событий прошлого, но и картины на аллегорические и литературные сюжеты, а также мифологический жанр живописи. Именно такие темы считались достойными для настоящих мастеров изобразительного искусства.
К petit genre – «низкому жанру» – относились (по нисходящей): портрет, бытовой жанр в живописи, пейзаж, марины, изображения животных (анималистика) и натюрморт.
Старые и новые жанры
Полотна на историческую тему, в основном с изображением военных баталий, многофигурные композиции на религиозные и мифологические сюжеты были итогом обучения во многих художественных академиях вплоть до конца XIX века. Такие картины, как «Последний день Помпеи» К. П. Брюллова (1799-1852), были событием мирового масштаба, они поражали размахом замысла и мастерством воплощения.
Против академического деления на жанры выступали те, кто открыл новые горизонты, – импрессионисты. Именно они создали полотна, на которых сюжеты из обычной жизни, сцены труда и досуга людей простых горожан и крестьян приобретали значение объекта высокого искусства.
Позднее появились мастера, которым для выражения своих идей не требовались сюжеты или даже предметы реального мира, и картины художников-абстракционистов, не содержащие материальных объектов или даже ссылок на них, можно отнести к отдельному жанровому виду.
Стилевое и жанровое многообразие
Настоящий художник всегда ищет свою манеру, своё лицо, свою палитру. Часто, чтобы определить стили живописи, искусствоведам приходится изобретать новые термины. Но корректное применение этих понятий и правильная жанровая классификация не могут перевесить новизны и оригинальности художественного дарования, значения уникального вклада каждого художника в мировую культуру, в развитие осмысления мира с помощью зрительных образов.
Реализм (живопись) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
У этого термина существуют и другие значения, см. Реализм.
Реали́зм — эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво. Его границы изменчивы и неопределённы; стилистически он многогранен и многовариантен.
Различные грани реализма в живописи представляют собой барочный иллюзионизм Караваджо, Вермеера и Веласкеса, импрессионизм Мане и Дега, нюненские работы Ван Гога, прецизионизм Эдварда Хоппера.
Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлёри в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму.
Рождение реализма в живописи чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе (1819—1877), открывшего в 1855 году в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы (Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон). В 1870-е годы реализм разделился на два основных направления — натурализм и импрессионизм.
Реалистическая живопись получила большое распространение и за пределами Франции. В разных странах она была известна под разными названиями:
- Энциклопедический словарь юного художника / Сост. Н. И. Платонова, В. Д. Синюков. — М.: Педагогика, 1983. — С. 150, 288—289. — 416 с. — 500 000 экз.
- Яворская Н. В. Романтизм и реализм во Франции в XIX веке. — М.: ИЗОГИЗ, Полиграфтехникум, 1938. — 208 с., 1 вкл. л. ил.: ил.
Символизм в живописи: черты художники картины
Символизм – движение в искусстве конца 19 – начала 20 столетия. В живописи это движение называют постимпрессионистским. На всей территории Европы в период между 1886 и 1900 годами символизм доминировал практически во всех областях искусства. Для России начала 20 столетия наибольшим влиянием пользовалось творчество Врубеля.
История
Изначально сформировался в прозе, поэзии, философии и театре, затем распространился на музыку и изобразительное искусство. Стиль имеет прочные связи с романтизмом. Символизм в живописи был в значительной степени реакцией против натурализма и реализма, тесно связан с мифологической тематикой в живописи всех жанров.
Символисты искали глубинный смысл в фантазии, мечтах, сознании, эмоциях, там, где реалисты и натуралисты стремились воспроизвести действительность в ее объективности, их идеи были сосредоточены на передаче идеального образа.
Представители
Известные художники-символисты 19 – 20 столетия:
- Густав Моро (1826 — 1898)
- Арнольд Беклин (1827 -1901)
- Ходлер (1853 — 1918)
- Макс Клингер (1857 — 1920)
- Поль Гоген (1848 — 1903)
- Энсор (1860 — 1949)
- Эдвард Мунк (1863 — 1944)
- Одилон Редон (1840 — 1916).
Картины находятся в известных галереях мира. Для России наиболее знаковым является творчество Врубеля.
Развитие стиля не было долговечным, но имело сильное влияние на немецкое искусство 19 столетия и развитие творчества в России. Символизм сыграл свою роль в творчестве Джорджо де Кирико, Хуана Миро, Пауля Клее, Фриды Кало и Марка Шагала.
В течение 1990-х годов, ряд китайских художников использовали символистские мотивы для выражения политических и социальных неопределенностей, существовавших стране, особенно, после разгона демонстраций на площади Тяньаньмэнь.
Основные идеи
Статья под названием «Le Symbolisme», которая появилась во французской газете «Le Figaro» 18 сентября 1886 года, была написана французским поэтом Жаном Мореасом. По его словам, символика была против «простого смысла и прозаичного описания».
Цель символизма состояла в том, чтобы «облечь идеал в ощутимой форме». Проще говоря, символисты считали, что искусство должно выражать абсолютные истины, используя метафорические образы и аллегории, содержащие символическое значение.
Художники-символисты 19 – 20 столетий были вдохновлены литературой и поэзией, историей, легендами, мифами, библейскими историями. Создавая картины, символисты наделяли предметы, изображенные на полотне, мифологическим, мистическим, эзотерическим смыслом. Черты мировоззрения авторов передают картины – наиболее популярными тематиками были чувства и эмоции, религия, оккультизм, любовь, смерть, болезнь и грех.
Символизм во многом был реакцией против урбанизации и материализма викторианской эпохи. Он отверг узкие изобразительные пределы натурализма. Это философский, а не живописный стиль. Картины живописцев – Врубеля, Дельвиля, Рериха и других – передают глубокую истину на противовес реалистам, которые отображали лишь внешнюю оболочку.
Символизм является интеллектуальной формой экспрессионизма. Именно содержание, а не цвет и форма делают работы художников этого направления уникальными и узнаваемыми. Стремление передать не буквальный образ, а крик души, переживания, настроение, впечатления было главным смыслом символизма в творчестве Врубеля, Редона, Моро, Дельвиля.
Характерные черты
Выделяются характерные черты стиля: новаторство, стремление к экспериментам, таинственность, неоднозначность, недосказанность.
Франция
Региональные особенности развития символизма:
Французская школа символизма отличается тягой к синтетизму и декадансу. Представители направления: Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Поль Гоген, Эмиль Бернар, Эдгар Максенс. Известные картины: «Осень», «Сон» (Пюви де Шаванн), «Саломея», «Фаэтон» (Г. Моро), «Циклоп» (О. Редон), «Снежная королева» (Э. Максенс).
Бельгия
Бельгийский символизм развивался по линии декаданса. Картины Ксавье Меллери, Джеймса Энсора, Жана Дельвиля в стиле символизм отличаются особым восприятием и передачей образов.
Британия
В Британии ощущалось влияние прерафаэлитов, их средневековый стиль и возврат к идеалам Возрождения дал толчок истории местного символизма. Художники: Уильям Холман Хант (1827 — 1910), Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882), Джон Эверетт Милле (1829 – 1896), Эдвард Берн-Джонс (1833 — 1898).
Развитие стиля в России
Символизм в России отставал от своего движения в Западной Европе. Период представлен творчеством Врубеля, Нестерова, Сомова, Рериха, Гущина. В развитии русской живописи этот период связан с представителями Серебряного периода в начале 20 столетия, совпавшего с появлением модерна в культуре.
Культурное становление русской философии и поэзии этого периода происходило в сложный период развития государственности. Представители Серебряного века переключились с политических и социальных проблем на мистические, философские. Это ярко проявилось в работах Врубеля. Русский символизм наиболее выразительно представлен поэтами Серебряного века. Название зародилось позже, чем получили популярность работы поэтов и художников – в эмиграции, по аналогии с Золотым веком русской поэзии 19 столетия.
Сущность российской версии символизма – богоискательство, эмоциональность, декадентство. Окончание Серебряного века связано со становлением советской власти.
Одним из наиболее ярких представителей этого периода в русской живописи является Михаил Врубель. Живописец работал в разных жанрах искусства – графика, театр, живопись, скульптура. Влияние Врубеля на живопись Серебряного периода исключительно. Одной из главных работ Врубеля, репрезентативных для характеристики периода, можно назвать полотно «Демон сидящий».
Картины представителей периода были представлена на двух тематических выставках – «Алая роза» и «Голубая роза». Первая прошла в Саратове в 1904 году. Организаторами были представители одноименного объединения, созданного в конце 19 века. В 1907 году ядро Алой розы сформировало новое объединение – «Голубая роза».
Работы символистов России Серебряного периода характеризуются атмосферностью. Художники стремились передать суть, а не правильную, натуральную форму.
Значение в живописи
Направление стало основой для нового, авангардного искусства, которое только начинало оформляться в конце 19 – в начале 20 веков. Представители Серебряного века в России, в частности, творчество Врубеля, прерафаэлиты Великобритании, символисты других стран, находясь под влиянием культуры декаданса и романтизма, создали условия для развития авангардного искусства.
Символизм 20 столетия – это философия живописи, отрицающая натуральность и природную передачу формы и цвета. Символизм Серебряного века помог сформироваться актуальным на то время идеям – многоплановость развития творческой мысли, обострение внимания к проблемам религии и духовности, неомифологизация искусства, синтетичность творчества, превращение живописи в способ нового познания глубинной сути явлений, переживаний, объектов.
| |||||||
