Стилизованная живопись: Стили и направления живописи

Содержание

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр. Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Стилизованные картины. Направления в искусстве. Основные направления в искусстве X

Существует просто огромнейшее разнообразие направлений и стилей в изобразительном искусстве. Зачастую они не имеют каких-либо выраженных границ и плавно могут переходить из одного в другой, при этом находясь в непрерывном развитии, противодействии и смешении. Большинство направлений в живописи сосуществуют одновременно именно по этой причине – «чистых стилей» практически не бывает. Представляем вам самые популярные стили живописи на сегодняшний день.

Импрессионизм

Клод Моне “Впечатление. Восходящее солнце”

Получил свое название благодаря картине «Impression, soleil levant» Клода Моне. Импрессионизм – стиль живописи, который, как правило, направлен на работу на открытом воздухе. Живопись в данном направлении призвана передать световое ощущение мастера.

К ключевым характеристикам импрессионизма относятся: тонкие, относительно небольшие, еле видимые мазки; точно переданное изменение освещения; открытая композиция; присутствие какого-либо движения; необычное видение предметов.

Яркие представители импрессионизма: Пьер Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне.

Экспрессионизм

Эдвард Мунк “Крик”

Одно из современных направлений искусства, которое зародилось в Германии примерно в первой половине XX века.

Вначале экспрессионизм охватывал только поэзию и живопись.

Экспрессионисты обычно изображают окружающий мир лишь субъективно, полностью искажая реальность для еще большего эмоционального эффекта. Таким образом, они заставляют своего зрителя задуматься.

Среди его представителей: Амедео Модильяни, Эдвард Мунк, Эрнст Людвиг Кирхнер и т. д.

Кубизм

Пабло Пикассо “Дора Маар”

Кубизм – это авангардное направление искусства, которое зародилось в XX веке благодаря знаменитому Пабло Пикассо. Поэтому именно он и является самым ярким представителем этого стиля. Отметим, что данное направление произвело революцию в скульптуре и живописи Европы, вдохновив также схожие направления в архитектуре, литературе и музыке.

Для произведений искусства в этом стиле характерны перекомбинированные, ломаные предметы в абстрактной форме.

Модернизм

Анри Матисс “Танцовщица в синем платье”

Модернизм демонстрирует совокупность разных тенденций культуры, а также ряд объединенных направлений искусства, которые зародились в XIX и XX вв.

Живописцы называют модернизм «иным искусством», цель которого создать уникальные, ни на что не похожие картины, то есть они показывают особенное видение художника.

Известные представители: Анри Матисс и Пабло Пикассо.

Неоклассицизм


Николя Пуссен “Парнас”

Неоклассицизм являлся главным направлением в Северной Европе примерно XVIII и XIX вв., для которого характерно искусство эпохи Возрождения, античности и даже классицизма.

Благодаря своим глубоким знаниям церковных законов, мастера неоклассицизма старались реконструировать, а также вводить каноны в свои работы.

Яркими представителями являются: Николя Пуссен, Франц Йозеф Гайдн, Рафаэль.

Поп-арт

Энди Уорхол “Доллар”

Романтизм


Франсиско Гойя “Трибунал инквизиции”

Романтизм как направление искусства зародился в XVIII веке в Европе. Истинным источником эстетического познания считались сильные эмоции. Больше всего ценились такие эмоции, как благоговение, страх, ужас и трепет.

Среди его представителей: Франсиско Гойя, Исаак Левитан, Иван Шишкин, Иван Айвазовский, Уильям Тернер.

Реализм


Илья Репин “Мужичок из робких”

Сюрреализм – это обнажение психологической истины с помощью отделения предметов от их обыденного значения с целью создать сильный образ, дабы вызвать сопереживание зрителя.

Известные представители этого стиля: Макс Эрнст, Рене Магритт и Сальвадор Дали.

Символизм


Михаил Врубель “Поверженный демон”

Символизм – это некий протест в пользу духовности, мечтаний и воображения, развившийся в некоторых странах Европы в конце XIX века.

Художники-символисты произвели достаточно сильное влияние на сюрреализм и экспрессионизм в живописи. Эти два направления произошли непосредственно от символизма.

Среди представителей стиля: Михаил Врубель, Гюстав Моро, Хуго Симберг, Виктор Васнецов и т. д.

Живопись – один из видов изобразительного искусства. Живопись подразделяется на следующие виды:

  • монументальную;
  • станковую;
  • театрально-декоративную;
  • декоративную;
  • миниатюрную.

В отличие от других видов, в живописи основное выразительное значение имеет цвет, благодаря которому она выполняет эстетическую, познавательную, идеологическую и документальную роль.

Живопись представляет собой передачу изображения жидкими красками в отличие от графики. В качестве красок выступает масляная краска, темпера, гуашь, эмаль, акварель и т. д.

Стиль живописи – это направление с общими идеями, техникой выполнения, характерными приемами изображения. На формирование стилей оказывали влияние политика и экономика, идеология и религия. Поэтому каждый стиль можно рассматривать как представителя своего времени.

Направления и стили живописи не менее разнообразны, чем средства её изображения. Подчас нет четкого разделения стилей. При смешении нескольких стилей получается новый. Но при всем многообразии существует несколько основных направлений:

Готика

Этот европейский стиль был распространен в 9-14 веках. Библейские сюжеты, отсутствие перспективы, эмоциональность и вычурность являются основными признаками этого стиля. Представители: Джотто, Траини.

Ренессанс

14-16 век знаменует возвращение к античности, воспевание красоты человеческого тела, гуманизм. Основными представителями являются Микеланджело Буонаротти, Леонардо да Винчи.

Маньеризм

Направление в живописи 16 века. Стиль противоположный Ренессансу. Название происходит от слова «манера». Представители этого направления Вазари, Дюве.

Барокко

Помпезный, роскошный стиль живописи 16-18 веков в Европе. Отличает яркость красок, внимание к деталям и украшениям.

Рококо

16 век. Более утонченное, изысканное и интимное продолжение стиля барокко. Представители: Буше, Ватто.

Классицизм

Стиль присущий европейской культуре 17-19 веков. Картина с точки зрения классицизма должна быть построена на строгих канонах. Стиль классицизма является наследником античности и Ренессанса. Основными представителями этого стиля являются Рафаэль, Пуссен.

Ампир

Стиль 19 века. Название стиля происходит от слова «империя». Является продолжением развития классицизма в его величественности, роскоши и изысканности. Главный представитель– Ж. Л. Давид.

Романтизм

Стиль 19 века, которому предшествовал классицизм. Эмоциональность, индивидуальность, выразительность образов. Отличался изображением таких эмоций, как ужас, благоговение. Пропагандирует народные традиции, легенды, национальную историю. Представители: Гойя, Брюллов, Делакруа, Айвазовский.

Примитивизм

Стиль живописи 19 века. Стилизованное упрощенное изображение, приводящее к примитивным формам, напоминающим первобытные рисунки. Ярким представителем является Пиросмани.

Реализм

Стиль 19-20 веков. В основном правдиво отображает объективную реальность, без чрезмерной эмоциональности. Часто изображали людей во время работы. Художники: Репин, Шишкин, Саврасов, Мане.

Абстракционизм

Стиль 19-20 веков. Гармоничное цветовое сочетание геометрических форм, направленное на достижение разнообразных ассоциаций. Представители: Пикассо, Кандинский.

Импрессионизм

Стиль 19-20 веков. Стиль живописи на открытом воздухе, на пленэре. Выполненные в характерной манере переливы света, техника мелкого мазка, переданное мастером движение. Название стилю дала картина Моне «Впечатление». Основными представителями этого стиля являются Ренуар, Моне, Дега.

Экспрессионизм

Стиль 20-го века. Преувеличенное изображение эмоций для большего эффекта на зрителя. Среди представителей этого стиля Модильяни, Мунк.

Кубизм

Авангардный стиль 20-го века. Характеризуется ломаными (кубическими) линиями, определённой комбинацией предметов, одновременно рассматриваемых с нескольких точек зрения. Основателем этого стиля считается Пикассо.

Модернизм

Стиль 19-20 веков. Является антиподом консервативных изображений реализма. Эпатажный, пластичный стиль живописи представляет оригинальные картины, отображающие внутренний мир художника. Представители: Пикассо, Матисс.

Поп-арт

Стиль 20 века. Ироническое изображение банальных, зачастую вульгарных, предметов. Обычно применяется в маркетинге и рекламе. Яркий представитель этого направления – Энди Уорхол.

Символизм

Направление 19 -20 веков. Духовность, мечтания, мифы и легенды. Символы, зачастую двусмысленные, характеризуют этот стиль. Является предшественником экспрессионизма и сюрреализма. Представители: Врубель, Васнецов, Нестеров.

Сюрреализм

Стиль 20 века. Аллюзии, смешение пространств реальности и сна, необычные коллажи. Оказывает впечатление на подсознание. Большой вклад в этот стиль внесли Дали, Магритту.

Андеграунд

Экспериментальное направление в современном искусстве, которое отражает асоциальное поведение с нарушением общепринятых моральных, этических принципов. Представитель стиля — Шемякин.

Что же такое стиль?

Что именно понимается под стилем в искусстве? Это некое идейно-художественное единство, благодаря которому художники отдают предпочтение определённой тематике и особым изобразительным средствам. Они остаются индивидуальны, но, глядя на то или иное полотно, уже можно почти безошибочно определить эпоху и стиль.

Европа обрела очертания в средние века. А живопись развилась из иконописи. На русской почве даже существовал переходный жанр – парсуна. Это уже не икона, но ещё и не портрет. И лишь когда искусство понемногу высвобождается из-под власти церкви, становится более мирским и светским, живопись как вид искусства обретает все права.

Стиль за стилем

Первым общеевропейским стилем в живописи можно считать не романский стиль и готику (там преимущественно архитектура), а барокко.

Это стиль намеков, недомолвок, иносказаний, стиль аллегорий и метафор. Рембрандт и Рубенс – его типичные представители. Рококо – своего рода выродившееся барокко. Стиль не столько в живописи, сколько в прикладном искусстве. Ф. Буше и А. Ватто оставили наиболее яркие образцы живописи рококо. Сама живопись эта утонченная, с налетом эротики, выдержана в пастельных тонах, исполнена мифологических мотивов. Восемнадцатый век становится веком господства классицизма. Это уже героическая живопись, в которой прославляются правители и полководцы. Наблюдается пристрастие художников к мифологическим и историческим сюжетам. Строгие пропорции, единство содержания и формы, деление персонажей на положительных и отрицательных, на главных и второстепенных – вот лишь некоторые черты классицизма. Затем наступает короткий, но яркий век сентиментализма. В сфере его влияния, кроме живописи, оказывается также поэзия. Сентименталисты углубляют содержание искусства, наполняют его психологической напряженностью. Они обращают живопись к нуждам и запросам простых людей. Искусство демократизируется. На полотнах теперь – не боги и герои, а кухарки, прачки, рабочие. За самым неприглядным трудом. На смену сентиментализму приходит романтизм. С его бурными страстями, необычными, внебытовыми персонажами, культом вдохновения. Достаточно сравнить портреты Пушкина кисти Кипренского и Тропинина, чтобы почувствовать между ними принципиальную разницу. У романтика Кипренского – и Пушкин романтик, на фоне лиры. Реалист Тропинин рисует поэта человеком, с небрежно распахнутым воротом рубашки, хоть и с пером в руках.

Реализм – всерьез и надолгоРеалистическое искусство именно с тридцатых годов девятнадцатого века начинает пробивать себе дорогу. И очень скоро оно начинает определять и формировать художественные вкусы значительного числа публики. В основе реализма – стремление к правдивому и всестороннему отображению окружающей действительности, критическое отношение к буржуазным ценностям, мощная социальная направленность. В России реалистическая живопись – это, прежде всего, художники-передвижники. На рубеже веков реализм переживает определённый временный кризис. Но его оказывается достаточно, чтобы появился модернизм. Этим термином принято обозначать пеструю совокупность тех художественных течений и школ, которые стремились стряхнуть с себя оковы традиционного искусства, порвать с реализмом и с его предметной изобразительностью.

Альтернатива или ложный блеск?

Модернизм – это и импрессионизм, и фовизм, и символизм, и футуризм.

Публика все меньше видит на полотнах людей, природу, животных. Вместо этого – искаженные пропорции, неясные тона. Всё окрашено эмоциями и сиюминутными настроениями того или иного автора. Как говорится, дальше – больше. После модернизма – абстракционизм. Это уже цветовые пятна, кривые линии, причудливое сочетание геометрических тел. Кубизм, лучизм, сюрреализм. Спасал только талант. Это о Пикассо или Дали. Бездарностей поглотила Лета. Их удел – забвение в истории. Наконец, постмодернизм, чей век неоправданно долго затянулся. Здесь уже никаких правил и канонов. Никакой исповеди и проповеди. Допустимо все. Полная эклектика, т. е. смешение стилей и разнородных элементов. Ставка на коммерческий успех.

К чему пришли? Развитие стилей живописи, к сожалению, подтверждает догадку испанского философа Х. Ортега-и-Гасета о наступлении века «дегуманизации искусства». Никто не отрицает необходимости самовыражения и никто не ограничивает художника в выборе средств для него. Печально только, что многие склонны считать, как старуха Шапокляк из мультфильма – «хорошими делами прославиться нельзя».

Чем скандальнее – тем громче прогнозируемый успех. И невдомек таким «художникам», что время все равно отсеет весь шлак и шелуху, а истинное искусство – останется. К нему никакая грязь не прильнет.

  • ЛЕКЦИЯ. ОКСАНА РЫМАРЕНКО: «ЛУЧИЗМ среди «измов» абстрактного искусства»

Продолжаем раздел «Рукоделие » и подраздел « » статьёй . Где предлагаем вам определения нескольких известных и неизвестных современных и не очень стилей, а также проиллюстрируем их как можно более понятно.

Стили искусства в картинках нужны, в частности, для того, чтобы вы смогли узнать, в каком стиле вы рисуете (или рукоделите в общем), или какой стиль вам подходит больше всего для рисования.

Начнём мы со стиля, который называется «реализм». Реализм

— это эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Существует множество подстилей реализма — критический реализм, социалистический реализм, гиперреализм, натурализм и множество других. В более широком смысле слова реализм — это способность искусства правдиво, неприкрашенно изображать человека и окружающий его мир в жизнеподобных, узнаваемых образах, при этом не копируя пассивно и бесстрастно натуру, а отбирая в ней главное и стремясь передать в видимых формах сущностные качества предметов и явлений.

Пример: В. Г. Худяков. Контрабандисты (кликните для увеличения):

Теперь перейдём к стилю под названием «импрессионизм». Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — стиль, где художники старались наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Пример: Дж. Уильям Тёрнер (кликните для увеличения):

Далее по списку у нас намного менее известный, чем импрессионизм и реализм, стиль под названием «фовизм». Фовизм (от фр. fauve — дикий) — название образовалось, так как картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.

Следующий стиль — модерн. Модерн — (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, где основой был отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Пример архитектуры в стиле модерн — в статье «Волшебные дома Гауди «. Пример картины в стиле модерн: А. Муха «Закат» (кликните для увеличения):

Затем перейдём далее. Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — выражение эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. В экспрессионизме идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. Подчеркивалась субъективность творческого акта.

Пример: Ван Гог, «Звёздная ночь над Роной»:

Следующее течение, которого мы коснёмся — это кубизм. Кубизм (фр. Cubisme) — направление в изобразительном искусстве, характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Далее стиль под названием «футуризм». Название стиля футуризм произошло от латинского futurum — будущее . Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Свои картины футуристы посвящали поезду, автомобилю, самолётам — словом, внимание было на все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы.

И теперь переходим к стилю под названием «абстракционизм». Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Пример: В. Кандинский:

Далее у нас по списку течение «дадаизм». Дадаизм , или дада — название течения происходит от нескольких источников: на языке негритянского племени Кру оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае дадаизм — это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения.

И теперь мы переходим к супрематизму. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Пример: Казимир Малевич:

Следующее течение, которое мы вкратце рассмотрим — это течение со странным названием «метафизическая живопись». Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) — здесь метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Пример — Джорджо Моранди. Натюрморт с манекеном:

И теперь мы переходим к очень интересному течению по имени «сюрреализм». Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) в основе имеет совмещение сна и реальности. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали.

Пример: Сальвадор Дали:

Далее мы переходим к такому течению, как активная живопись. Активная живопись (живопись по интуиции, ташизм, от французского Tachisme, от Tache — пятно) — течение, которое представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Предпоследний на сегодня стиль — это поп-арт. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) порождает произведения искусства, для которых были использованы элементы „народной культуры“. То есть, Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст (например, изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и так далее).

Пример: Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»:

Соответственно, последнее на сегодня направление — минимализм. Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — это течение, которое включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Таким образом, существует огромное количество стилей искусства — которые преследуют свои собственные цели.

Стиль (направления, течения) в искусстве — исторически сложившаяся общность художественных признаков в одном виде искусства или одновременно в нескольких искусствах, характерная для разных эпох и народов и обусловленная единством идейно-эстетических устремлений творческого меньшинства. В настоящее время традиционно сложился ряд устойчивых обозначений для объективно существующих (и существовавших) направлений в европейском искусстве, основные особенности которых необходимо знать всякому культурному человеку. Рассмотрим в этой связи основную терминологию, придерживаясь при этом хронологического принципа.

Романский стиль (от лат. Romanus — римский) проявился в X-XIII вв. в архитектуре и скульптурном декоре. Сооружения романского стиля наследуют многие признаки римской архитектуры, отличаются простотой и рациональностью. Толщина и прочность стен являлись главным критерием красоты постройки. Основными архитектурными постройками романики являются рыцарский замок и монастырский храм.

Готический стиль (от ит. Gotico — готский, варварский) связан, прежде всего, с религиозной архитектурой, скульптурой и декоративно-прикладным искусством XII-XIV вв. Главное архитектурное сооружение готики — собор. Для готических соборов характерна устремленность ввысь, к Богу, органическая связь архитектуры и скульптуры, стрельчатые арки; окна, украшенные многоцветными витражами, пышный декор.

Барокко (от ит. Barocco — странный, причудливый) стиль в архитектуре, музыке, живописи, литературе, декоративном искусстве конца XVI-середины XVIII вв. Для него характерны эстетическая аффектация, богатство декора, обычно криволинейных форм. В музыке и литературе — манерность, капризность, витиеватость, изобилие украшений. В искусстве барокко, поставленном на службу религии, иезуиты видели мощный инструмент воздействия на эмоциональный мир человека и формирования новых представлений европейцев о богатстве, сложности и изменчивости окружающего мира.

Классицизм (от лат. classicus — правильный, образцовый) стиль и направление в искусстве и литературе XVII начала XIX вв. ознаменовавший возвращение к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Основной эстетический постулат классицизма — верность природе, закономерной разумности мира с объективно присущей ему красотой, находящей выражение в симметрии, пропорции, мере, гармонии, которые и должны воссоздаваться в искусстве в совершенном виде.

Рококо (от фр. rocaille — раковина) стиль, занимающий как бы промежуточное положение между барокко и классицизмом. Получивший распространение преимущественно во Франции во времена Людовика XV, стиль иногда называют его именем — “стиль Людовика XV”. Определяющая черта этого стиля — стремление к изяществу, обилие декора и контраст между внешней строгостью зданий и изысканностью их внутреннего убранства. Наиболее ярко выразился в архитектуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве.

Сентиментализм (от фр. Sentiment- чувство) — художественное течение второй половины XVIII в., сложившееся в результате разочарования в положительной роли «цивилизации», «царства разума», провозглашенных идеологами века Просвещения. Идейно сентиментализм восходит к знаменитому высказыванию Ж.Ж. Руссо «Разум может ошибаться, чувство — никогда!» Сентиментализм не выработал собственной эстетики и представляет собой скорее особое умонастроение, меланхолическую мечтательность, склонность к уединениям, повышенную чувствительность. Его кредо — неприятие какой-либо изощренности и испорченности, т.н. «цивилизованного» общества.

Романтизм — широкое идейное и художественное направление в мировой культуре, охватившее все виды искусства и гуманитарную науку в конце XVIII-начале XX вв. Романтизм был реакцией на результаты Великой французской революции, ознаменовавшей капиталистический «прогресс» и дух всеобщего торгашества.

Кредо романтизма — «нетипичный герой в нетипичных обстоятельствах» Романтики противопоставили утилитаризму и обезличиванию индивида устремленность к безграничной свободе, пафос личной и гражданской независимости.

Реализм (от лат. realis — реальный, действительный) — стиль, сформировавший установку на изображение жизни в формах самой жизни — «типичный герой в типичных обстоятельствах». Как творческий метод реализм наиболее полно проявился в XIX столетии и воплотился, прежде всего, в живописи и литературе.

Натурализм (от лат. Natura- природа) — творческое направление, появившееся в последней трети ХІХ в. под влиянием философии позитивизма О. Конта и Г. Спенсера. Эстетика натурализма, перенося принципы позитивизма в сферу искусства, базировалась на положении о том, что художник должен отражать окружающий мир без всяких прикрас, типизации, условностей и табу, с максимальной объективностью. Представители натурализма претендовали на то, чтобы рассказать о человеке «всю подноготную», проявляя особенное внимание к биологическим сторонам его жизни. Крайним проявлением натурализма, уже выходящим за грань искусства, является разного рода порнопродукция, изображение «грязных» сторон жизни и сцен насилия, получивших в народе меткое обозначение «чернуха».

Модернизм (от фр. Moderne — новый, современный) — представляет собой совокупность эстетических школ и течений конца XIX-ХХ вв. (кубизм, футуризм, экспрессионизм, конструктивизм, фовизм, дадаизм, абстракционизм и др.), противопоставляющих себя искусству прошлого и утверждающих новый подход к изображению социального бытия.

Постмодернизм — (сформировался во второй половине ХХ века). Представляет собой особый тип мировоззрения, ориентированный на формирование такого жизненного пространства, в котором отрицаются всякого рода нормы и традиции и главными ценностями становятся свобода во всем, спонтанность деятельности, игровое начало, культурная ориентация, на «деконструкцию», «децентрализацию», абсолютизацию «новизны» как способа оценки мира (Р. Барт).

Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.

Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.

История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.

Готика

Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.

Ренессанс или Возрождение

Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Маньеризм

Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.

Барокко

Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.

Классицизм

Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.

Романтизм

Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.

Символизм

Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.

Реализм

Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.

Импрессионизм

Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.

Модерн

Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.

Авангардизм

Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.

Примитивизм или наивный стиль

Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.

Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.

Стили и направления в изобразительном искусстве Деление картин на стили и направления. Глава 4

Оп-арт (от англ. ор art, сокращение от optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Оп арт картины

Ориентализм (от лат. oriens — восток) — направление в европейском искусстве, в котором используются тематика, символика и мотивы Востока и Индокитая. Европейский ориентализм XVIII-XIX веков был очень идеологизирован и политизирован. Самый радикальный пример ориентализма — набор негативных стереотипов для оправдания практики господства белого человека. Художники, зачастую не бывавшие на Востоке, изображали картины, нарисованные их воображением. Настоящий ориентализм XIX века рождается чуть позже, в 20-30-х годах. Его создали профессиональные художники-путешественники, их картины носят почти технический характер и практически лишены политики и мифологии.ихся линий.

Ориентализм картины Ориентализм шедевры живописи

Орнаментализм — модернистское направление в искусстве, изображающее предметы действительности как совокупность ритмических узоров, волн, символов, знаков и геометрических фигур. Корни орнаментализма находятся в глубокой древности. В языческие времена орнамент играл не только роль украшений, но и являлся оберегом. Со временем сохранилась лишь декоративная составляющая орнамента, которая постепенно развилась в орнаментализм.

Орнаментализм картины
 

Орфизм (от фр. orphisme, от Orpһée — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Поп-арт (произошло от англ. popular art — популярное, общедоступное искусство или от pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта — сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

Поп арт картины
  Постживописная абстракция (от англ. Post-painterly Abstraction), хроматическая абстракция — направление в живописи, зародившееся в Америке в 1950-е гг. Постживописная абстракция отталкивается от абстрактного экспрессионизма, фовизма и постимпрессионизма. Основные признаки: чёткие края, свободный мазок, гармония простых форм, монументальность, созерцательно-меланхолический склад, аскетичность

Постмодернизм (произошло от фр. postmodernisme — после модернизма) — новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Постмодернизм картины

Прерафаэлитизм (произошло от англ. pre перед и raphaelitism — Рафаэль) — эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Прерафаэлизм картины Прерафаэлитизм шедевры живописи
 

Прецизионизм или пресижинизм (англ. precision — точность, четкость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма.

Проторенессанс (произошло (от греч. protos — первый и фр. Renaissance — Возрождение) — переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Проторенессанс шедевры живописи

Пуантилизм (дивизионизм) (произошло от фр. pointiller — писать точками) — направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 — 1891), Поль Синьяк (1863-1935).

Пуантилизм картины Пуантилизм шедевры живописи Жорж Сёра картины Поль Синьяк картины Эдмон Кросс картины Тео Ван Рейссельберг картины

Реализм (произошло от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Реализм картины Реализм шедевры живописи
  Регионализм (произошло от англ. regional — местный) — течение в американской живописи 1930-х, 1940-х годов. Представители регионализма: соединили в своем творчестве черты, свойственные американскому примитивизму и немецкой новой вещественности; изображали типичные сцены из истории и быта США, характерные американское ландшафты; придавали формам острую экспрессию или холодно-отвлеченную застылость.

Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Рококо картины Рококо шедевры живописи

Романтизм (произошло от фр. romantisme) — идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 — начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка — разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Романтизм картины Романтизм шедевры живописи
Техники изобразительного искусства
Жанры живописи
Жанры в китайском искусстве

Автор: Руслан Озеров, художественная галерея Арт СПб

Рубрика: изобразительное искусство, искусствоведение, живопись, стили и направления в искусстве

Стилизованная картина из старой фотографии

15.06.2020 14:22

Некоторые фотографии «с историей» так и хочется распечатать, чтобы поставить в рамку. Но есть вариант получше! Картина по фото — это возможность подарить снимку новую жизнь. Фотокартина станет гордым украшением дома или креативным подарком близкому человеку. При заказе такого шедевра достаточно скинуть студии фото в хорошем качестве. Изображение обработают в нужном стиле и перенесут на полотно выбранного размера. По желанию готовый холст можно оформить в багет, чтобы получилась настоящая картина.

Варианты оригинальной стилизации фотографий

Если фото действительно удачное и профессиональное, его можно напечатать в исходном виде. Но когда хочется чего-то необычного и оригинального, на помощь приходит компьютерная обработка. Есть много вариантов стилизации, но мы приведем в пример только наиболее популярные и яркие.

Фото в образе

Профессиональная подстановка лиц — это нечто! Дизайнер может превратить банальный портрет в картину, где вы или ваш друг предстанете в новом образе. И не нужно часами позировать художнику в костюме Клеопатры — все намного проще. В основу картины может лечь как студийное фото, так и обычное селфи. Главное, чтобы черты лица были достаточно четкими для гармоничной подстановки. Остальное — задача опытного дизайнера.

Поп-арт портрет

Любители современных и красочных картин могут сделать из фотографии настоящий поп-арт шедевр. Стилю присущи броские и яркие цвета, контраст, четкие линии. Поп-арт по многом напоминает иллюстрации к комиксам. А ведь раньше такие портреты красовались только у голливудских звезд! Появлению стиля pop-art мы во многом обязаны легендарному художнику Энди Уорхолу.

Стилизация под живопись

Немного компьютерной обработки и фотография на холсте превращается в эксклюзивный предмет живописи. Со стороны фотокартину не отличить от творения художника. Стилизация имитирует мазки краски, будто портрет писали настоящей кистью. Для большей реалистичности можно заказать прорисовку маслом, чтобы произведение получилось объемным. Даже с доработкой на такой фотопортрет уйдет меньше времени и денег, чем на картину с нуля.

Флип-флоп

В последнее время флип-флоп пользуется сумасшедшей популярностью! Его дарят на свадьбы, Дни Рождения и даже девичники. Фотокартина в стиле флип-флоп не только красивая, но и интерактивная. На первый взгляд, вы получаете чистый холст, который нужно разрисовать красками из комплекта. Но стоит выполнить пару шагов по инструкции — как перед вами открывается неординарный портрет! Все вышеперечисленное можно заказать на сайте https://kartinapofoto.com.

Какой стиль выбрать?

Портрет из фотографии служит прекрасным украшением интерьера. Картина заполнит надоедливое пространство на стене и поможет расставить нужные акценты. И это не просто шаблонный пейзаж, а нечто эксклюзивное! Тем самым вы сделаете интерьер более индивидуальным и значимым. Главное, чтобы портрет сочетался с обстановкой по стилистике:

  • масляная живопись или портрет в историческом образе — для классического/английского интерьера или современной классики;
  • флип-флоп и поп-арт — для современного дизайна, где не помешают яркие акценты.

Если картина предназначена в подарок, учитывайте возраст и характер человека. Родителям можно подарить красивый семейный портрет маслом, а вот молодой подруге точно понравится поп-арт. Флип-флоп чаще всего дарят на вечеринках и торжествах, чтобы поработать над созданием портрета вместе с друзьями.

подписывайся!

10:02, сегодня

09:23, сегодня

09:11, сегодня

Профи — обучение игре на ксилофоне

07:14, сегодня

Новости СМИ2

https://egeturbo.ru/math_oge

06:56, сегодня

05:00, сегодня

00:01, сегодня

20:00, 20.09.2022

14:39, 20.09.2022

13:28, 20.09.2022

09:38, 20.09.2022

07:22, 20.09.2022

07:14, 20.09.2022

06:52, 20.09.2022

06:35, 20.09.2022

00:01, 20.09.2022

12:07, 19.09.2022

11:32, 19.09.2022

10:36, 19.09.2022

06:43, 19.09.2022

15:35, 17.09.2022

15:18, 17.09.2022

09:43, 17.09.2022

09:18, 17.09.2022

00:01, 17.09.2022

20:00, 16.09.2022

19:00, 16.09.2022

16:11, 16.09.2022

16:01, 16. 09.2022

12:54, 16.09.2022

08:28, 16.09.2022

20:00, 15.09.2022

14:12, 15.09.2022

13:35, 15.09.2022

13:15, 15.09.2022

11:02, 15.09.2022

10:45, 15.09.2022

08:27, 15.09.2022

20:00, 14.09.2022

16:06, 14.09.2022

14:43, 14.09.2022

13:58, 14.09.2022

07:47, 14.09.2022

07:19, 14.09.2022

20:00, 13.09.2022

19:00, 13.09.2022

16:50, 13.09.2022

15:15, 13.09.2022

15:05, 13.09.2022

14:50, 13.09.2022

14:29, 13.09.2022

13:17, 13.09.2022

12:37, 13.09.2022

11:41, 13.09.2022

09:40, 13.09.2022

08:14, 13.09.2022

08:05, 13.09.2022

20:00, 12.09.2022

14:30, 12.09.2022

12:45, 12.09.2022

10:21, 12.09.2022

00:01, 11.09.2022

15:31, 10.09.2022

15:21, 10.09.2022

14:43, 10.09.2022

12:14, 10.09.2022

10:22, 10.09.2022

10:03, 10.09.2022

09:10, 10.09.2022

09:01, 10.09.2022

00:01, 10. 09.2022

19:00, 09.09.2022

15:44, 09.09.2022

15:22, 09.09.2022

11:31, 09.09.2022

10:23, 09.09.2022

10:13, 09.09.2022

09:15, 09.09.2022

20:00, 08.09.2022

15:26, 08.09.2022

15:19, 08.09.2022

14:15, 08.09.2022

14:07, 08.09.2022

12:02, 08.09.2022

11:36, 08.09.2022

10:22, 08.09.2022

08:49, 08.09.2022

07:21, 08.09.2022

07:12, 08.09.2022

16:38, 07.09.2022

16:02, 07.09.2022

15:06, 07.09.2022

11:37, 07.09.2022

08:32, 07.09.2022

07:22, 07.09.2022

00:01, 07.09.2022

20:00, 06.09.2022

16:43, 06.09.2022

11:56, 06.09.2022

11:42, 06.09.2022

07:19, 06.09.2022

05:00, 06.09.2022

19:00, 05.09.2022

16:19, 05.09.2022

16:15, 05.09.2022

12:01, 05.09.2022

10:08, 05.09.2022

09:58, 05.09.2022

08:45, 05.09.2022

00:01, 04.09.2022

20:00, 03.09.2022

19:00, 03.09.2022

10:45, 03. 09.2022

20:00, 02.09.2022

19:00, 02.09.2022

15:52, 02.09.2022

15:40, 02.09.2022

15:19, 02.09.2022

14:12, 02.09.2022

10:10, 02.09.2022

13:02, 13.07.2022

18:17, 12.07.2022

17:41, 24.06.2022

19:26, 23.06.2022

19:49, 18.06.2022

19:02, 17.06.2022

18:18, 15.06.2022

18:26, 10.06.2022

18:35, 09.06.2022

18:46, 08.06.2022

16:49, 07.06.2022

16:02, 03.06.2022

16:56, 31.05.2022

15:44, 24.05.2022

17:45, 20.05.2022

17:47, 19.05.2022

16:53, 18.05.2022

20:16, 09.05.2022

18:37, 28.04.2022

18:05, 27.04.2022

19:17, 26.04.2022

18:44, 25.04.2022

16:09, 22.04.2022

18:40, 21.04.2022

18:37, 20.04.2022

18:01, 14.04.2022

16:38, 12.04.2022

18:26, 11.04.2022

19:26, 05.04.2022

18:26, 28.03.2022

16:12, 25.03.2022

11:34, 20.01.2022

12:37, 20.10.2021

11:15, 29.08.2021

08:45, 26. 07.2021

12:45, 21.07.2021

10:04, 21.07.2021

17:01, 29.06.2021

11:21, 11.06.2021

13:53, 08.06.2021

12:17, 05.06.2021

11:57, 04.06.2021

11:33, 31.05.2021

10:02, 31.05.2021

15:25, 26.05.2021

13:45, 25.05.2021

14:38, 21.05.2021

14:15, 18.05.2021

18:01, 14.05.2021

16:54, 12.05.2021

14:00, 06.05.2021

14:54, 28.04.2021

16:20, 27.04.2021

15:17, 26.04.2021

13:13, 23.04.2021

11:39, 15.04.2021

12:45, 13.04.2021

15:43, 06.04.2021

13:36, 29.03.2021

07:16, 27.03.2021

07:00, 24.03.2021

15:49, 16.03.2021

19:04, 12.03.2021

07:13, 10.03.2021

12:48, 07.03.2021

11:07, 24.02.2021

17:45, 20.02.2021

14:10, 19.02.2021

14:02, 18.02.2021

15:05, 16.10.2020

15:43, 14.07.2020

11:30, 16.06.2020

20:45, 11.12.2019

18:44, 05.02.2019

16:02, 25.01.2019

12:53, 21.01.2019

10:41, 18. 01.2019

16:24, 16.01.2019

10:13, 14.01.2019

08:35, 05.12.2018

17:00, 14.11.2018

12:18, 25.10.2018

12:42, 19.10.2018

18:45, 05.07.2018

12:28, 23.05.2018

11:53, 16.05.2018

определение, техники и жанры изобразительного искусства

Когда мастера старого света писали свои картины, то у них даже мысли не было о том, к какому стилю их произведения отнесут исследователи-искусствоведы. А вот авторы нового времени, особенно творцы, которые работали в конце XIX, начале XX веков, очень переживали из-за классификации своих произведений. Более того, они и сами создавали новые направления. Поэтому ниже рассмотрим основные стили, на которые следует разделить все произведения:

Абстракционизм

Абстракционизм (лат. abstractus — беспредметность) — стиль в искусстве 20 века, в котором вместо изображения реальности используется система чисто формальных элементов, таких как линия, плоскость, цветовое пятно, отвлечённая конфигурация.

Авангардизм

Авангард (фр. avant-garde — передовой отряд), — обобщающее название течений в мировом искусстве, возникших на рубеже XIX и ХХ столетий. Картины, написанные в стиле авангарда, не признавали общественные ценности и отражали радикальные перемены в общепризнанной живописи.

Академизм

Академизм (от французского academisme) — направление и стиль в европейской живописи XVII-XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой древнего античного мира и Возрождения, библейскими сюжетами, мифологическими преданиями.

Барокко

Барокко (от итал. barocco, — вычурный) — условное обобщающее название произведений живописи разных стран эпохи XVII—XVIII веков. Это один из самых многозначных терминов в истории и теории художественной культуры. Художественному стилю барокко свойственны динамика, напряжённость, контрастность форм и красок, аффектация, экспрессивность, обострённая чувственность, стремление к величию создаваемых образов, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию различных родов, видов и жанров искусства в грандиозных монументах, городских и дворцово-парковых ансамблях.

Гиперреализм

Гиперреализм (от лат. realis — вещественный) — это направление и стиль, ассоциировавшйся первоначально с творчеством европейских фото-реалистов 1970-х годов, а затем осмысленное более широко как течения в разных видах современного искусства: живописи, скульптуре и кинематографии конца XX — начала XXI века.

Жанровый

Жанровый стиль (от фр. genre) — художественное изображение сцен повседневной жизни как отображение форм жизни народа и окружающей его действительности. Такое изображение может быть реалистическим, воображаемым или романтизированным его создателем. Примерами жанровой живописи являются изображения рыночных сцен, праздников, интерьеров и уличных сцен.

Импрессионизм

Импрессионизм (от фр. impressionnisme — впечатление) — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, стиль, зародившийся во Франции и затем распространившийся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Основой импрессионистического метода, который можно охарактеризовать как квинтэссенцию живописи, является восприятие и изображение объектов окружающей импрессиониста действительности не автономно, а в отношениях к окружающей пространственной и световоздушной среде: рефлексах, бликах, тепло-холодных отношениях света и тени; если шире, то запечатлеть само пространство и время. В этом заключаются и сильные, и слабые стороны импрессионистического стиля.

Кубизм

Кубизм (от фр. cubisme) — модернистское направление, зародившееся в начале XX столетия во Франции. В основе стиля кубизма лежит стремление разложить изображаемый трёхмерный объект на простые элементы и собрать его на холсте в двухмерном изображении. Таким образом, художнику удаётся изобразить объект одновременно с разных сторон и подчеркнуть свойства, невидимые при классическом изображении объекта с одной стороны.

Минимализм

Минимализм в изобразительном искусстве зародился в Нью-Йорке, когда как новые, так и более старые художники перешли к геометрической абстракции. В живописи таковыми являлись Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Аль-Хельда, Эллсворт Келли, Роберт Райман и многие другие. Для стиля минимал-арта характерны очищенные от всякого символизма и метафоричности геометрические формы, повторяемость, монохромность, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления. Минимализм стремится передать упрощённую суть и форму предметов, отсекая вторичные образы и оболочки. Преобладает символика цвета, пятна и линий.

Модерн

Модерн (от фр. modern — новый) — это художественный стиль в искусстве, который возник на излете XIX века и царил вплоть до начала Первой Мировой войны. Его характерные черты — декоративность, плавность линий и округлость форм, их гибкость и текучесть. Также в модерне вы найдете обилие орнаментов и украшений, внимание к растительным, природным мотивам, а фигуры будут плоскими, как на плакатах и витражах.

Ориентализм

В изобразительном искусстве ориентализм связан с обращением к историческим событиям, литературным сюжетам, жизни и быту народов Ближнего и Среднего Востока, а также с использованием отдельных стилистических приёмов восточного творчества. Библейские сюжеты изображаются в восточных декорациях с достоверной передачей костюмов, пейзажей, этнических типов (гравюры Гюстава Доре, картины Гюстава Моро, В. Д. Поленова и других). Особый интерес вызывали такие явления восточной жизни, как бани и гаремы, где мнимая этнография становилась предлогом для проявления эротики, также рынки, образы бедуинов и янычар, непривычные для европейского глаза мотивы.

Поп-АРТ

Поп-АРТ (от англ. popular art — популярное) — стиль в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически это направление подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Прерафаэлитизм

Прерафаэлитизм (англ. Pre-Raphaelitism) — стиль в английской живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам. Название «прерафаэлиты» (англ. Pre-Raphaelites) должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. Самыми видными членами прерафаэлитского движения были Данте Габриэль Россетти, Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус.

Примитивизм

Примитивизм — стиль, зародившийся в XIX веке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен. По мнению некоторых искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под определение «примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе — стилизованную живопись профессионалов. Наиболее известные представители примитивизма: Анри Руссо, Нико Пиросмани, Екатерина Медведева

Реализм

Стиль реалистической живописи 19 века распространился почти на все жанры: портреты, пейзажи, натюрморты. Любимые тематики реалистов: картины с жанровыми сценами сельской и городской жизни рабочего класса, крестьян, сцены уличной жизни, кафе и ночных клубов. Реалисты стремились передать мгновение жизни в динамике, максимально четко, реалистично и правдоподобно подчеркивая особенности внешности действующих лиц, их переживания и чувства.

Ренессанс

Ренессанс (от фр. Renaissance — возрождаться) — даже не стиль, а одна из величайших культурно-исторических эпох, переломный этап для истории Европы между Средними веками и Новым временем, заложивший основы новой европейской культуры. Иначе его принято называть «Возрождение», отличительной чертой которого выступают светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм и возросший интерес к античности. Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства, и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Романтизм

Романтизм (Romanticism) – это идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века — первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально стиль сложился (1790-е гг.) в философии и поэзии в Германии, а позднее (1820-е гг.) распространился в Англии, Франции и других странах. Он предопределил последнее развитие искусства, даже те его направления, которые выступали против него. Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Романтики отвергали рационализм и практицизм Просвещения как механистичный, безличностный и искусственный. Вместо этого они во главу угла ставили эмоциональность выражения, вдохновение.

Рококо

Стиль Рококо – это изображение галантных сцен из жизни аристократии. Здесь нет места жестоким реалиям, религиозным мотивам со святыми или прославлению силы и героизма. Искусствоведы величают рококо самым легкомысленным и даже вульгарным из всех существовавших когда-либо стилей. Характерным элементом стиля, давшим ему название, является рокайль – морская раковина. Это своеобразная форма завитка, напоминающего морскую раковину. Рококо ввел в моду различные безделушки, которые также украшались узорами и орнаментами, характерными для этого стиля. Тяготение к светлым тонам заметно и в живописи, и в декорировании стен, безделушек, обивке тканей на мебели. «Скальному» стилю присущи пастельные, светлые оттенки, белые, золотистые голубые сиреневые цвета.

Символизм

Символизм (фр. symbolisme — знак, примета) — течение в изобразительном искусстве, возникло в живописи Франции 1870—1880-х годов, но получило наибольшее распространение в период модерна на рубеже XIX—ХХ веков. Обособление символизма в качестве течения и стиля связывают с усилением романтического мировоззрения в кризисные, переломные эпохи развития культуры. Характерные качества символистских произведений искусства — мистика, таинственные мифологические и сакральные темы и сюжеты, намёки, иносказания, неясные, тревожные и смутные настроения, эзотерическая символика. В области формы — напряжённая ритмика, деформация, туманный и сумрачный колорит. Термин «символизм» в искусстве был введён в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в манифесте «Le Symbolisme», опубликованном 18 сентября 1886 года в парижской газете «Фигаро» (Le Figaro).

Соцреализм

Социалистический реализм (Соцреализм) – направление изобразительного искусства, изображающее идеалы, а также подвиги социалистического общества. Стиль художественного соцреализма был широко распространён в СССР и других социалистических странах. Ныне соцреалистические полотна становятся популярны как «художественно-историческая диковинка» у коллекционеров, проживающих в западных странах. Кроме изобразительного искусства, термин «соцреализм» применим также и к советской литературе.

Суперматизм

В 1910-х годах Казимир Малевич основывает супрематизм в живописи – подвид абстракционизма, основанный на манере геометризма и четкости отображения фигур и объектов. Художники передавали реальность при помощи геометрических фигур ярких оттенков. В основе стиля были треугольники, круги, квадраты, прямые линии, которое сочетали в различные комбинации.

Сюрреализм

Отличительной особенностью стиля сюрреализма является использование парадоксальности сочетаний форм и иллюзий. В нем умело совмещается сон и реальность, настоящее и вымышленное. Сюрреалисты вдохновились идеей революции собственного сознания. И искусство выступило, по их мнению, инструментом для этого. Смесь философских учений является характерной особенностью теории сюрреализма.

Фигуративизм

Фигуративизм — это один из стилей фигуративного искусства, где основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных. Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства: широкую цветовую палитру, причудливые и оригинальные формы предметов и их пропорции, сочетание контрастов, роль света и тени, перспективу и объем.

Фовизм

Фовизм (от фр. Fauvisme — дикий) — это направление во французской живописи конца XIX (зачатки) — начала XX века (официальное начало) закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1906 года. Необычные картины оставляли у зрителя ощущение энергии, яркие эмоции любви и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета. К отличительным чертам стиля фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Экспрессионизм

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — стиль и одно из течений авангардного искусства. Экспрессионизм появился в Европе во время модернизма и пришёл на смену импрессионизму. Наибольшее развитие получил в начале XX века. От импрессионизма экспрессионизм отличает яркая выразительность, эксцентричность, преувеличенная эмоциональность. В своих картинах экспрессионисты пытаются выразить не столько внешние качества, сколько внутренние переживания за счёт внешних образов. Экспрессионисты начала XX века особое внимание обращали на такие эмоциональные переживания, как страх, боль, отчаяние, тревога.

Армянская средневековая живопись. Часть I — Армянский музей Москвы и культуры наций

Живопись, Искусство, История, СтатьиРедакцияискусство Армении, древняя Армения, средние века, армянская миниатюра, армянская живопись, халкедониты

Живопись, Искусство, История, СтатьиРедакцияискусство Армении, древняя Армения, средние века, армянская миниатюра, армянская живопись, халкедониты

Что мы знаем о средневековой армянской живописи? Её история насчитывает более 1000 лет. Специалисты в области искусства считают, что монументальная живопись — это та сфера художественного творчества, в которой армянский народ проявил себя с наибольшей полнотой. Об этом свидетельствуют удивительные фрески халкедонитских храмов и миниатюры, созданные в храмах и скрипториях армянских монастырей. Рассказ Армянского музея Москвы о живописи X–XII веков.

Торжественная процессия Трдата III. Фреска базилики Тиграна Оненца в Ани. Источник: mar-amirchanyan.livejournal.com

Большой вклад в изучение армянского искусства внёс Виктор Никитич Лазарев — выдающийся учёный, специалист в области западноевропейского и византийского искусства, доктор искусствознания. Виктор Никитич Лазарев являлся потомком знаменитого княжеского рода Абамелек-Лазаревых и был корнями связан с Арменией.

Виктор Никитич Лазарев указывал в статье «Искусство древней Армении», опубликованной в сборнике 1978 года «Византийское и древнерусское искусство», что искусство фрескописи в Армении было развито на достаточно высоком уровне, но только в халкедонитских памятниках (в основном XIII века). Напомним читателям Армянского музея Москвы, что халкедонитское искусство было создано мастерами средневековых общин армян, придерживавшихся православного вероисповедания, установленного Вселенским IV Собором в Халкидоне 451 года.

Росписи купола и барабана базилики Тиграна Оненца в Ани. Источник: mar-amirchanyan.livejournal.com

Справка

Армяне-халкедониты считали себя наследниками Саака Партева, Месропа Маштоца и Нерсеса Великого. Армянский был их богослужебным языком даже в тех случаях, когда монахи подвизались в греческих монастырях. Так, согласно «Повествованию о делах армянских», в VI веке в монастыре Саввы Освященного армянам разрешалось вести Богослужения на родном языке [кроме чтения Трисвятого. — Прим. ред.].

После победы в Армении антихалкидонитской церковной традиции армяне-халкедониты сохраняют родной язык и используют его в миссионерских целях. Иосиф, член армянской православной общины Константинополя, изучивший в столице Византии родной язык и книжность, в 991 году перевел с греческого «Краткий годичный синаксарь Константинопольской Церкви», который он дополнил данными армянских источников. Труд был отправлен в Армению. Из среды армян-халкедонитов происходит также восходящий к греческому оригиналу и сохранившийся во фрагментах XI века «Месяцеслов». На одном из его листов записана «История Нунэ», входящая в «Историю Армении» Мовсеса Хоренаци, что свидетельствует об участии армян-халкедонитов в изучении и развитии армянской литературы.

Росписи тимпана одного из порталов базилики Тиграна Оненца в Ани. Источник: mar-amirchanyan.livejournal.com

Греческий и грузинский языки входили как составные в культуру армян-халкедонитов через богослужебные книги, светскую литературу, но не вытесняли армянский, о чем неопровержимо свидетельствуют памятные записи рукописей XIII века из Западной Армении. Писцы-халкидониты упоминают князей из рода Гаврас, также православных, умалчивая и о сельджукских владетелях, и о царях Киликийского Армянского царства [в отличие от писцов из расположенных поблизости нехалкидонитских армянских монастырей. — Прим. ред.]. Армяне-халкедониты придерживались византийской эры от сотворения мира, в то время как нехалкидониты использовали армянское летоисчисление.

Из халкедонитских памятников с программой фресковой росписи можно отметить базилику Тиграна Оненца, церковь Спасителя и храм Бахтагеки. По мнению Виктора Никитича Лазарева, архитектура этих церквей тяготеет к грузинской. Исследователь отмечает, что антихалкедонитская Армения отрицательно относилась к религиозным изображениям в храмах. При этом, доктор искусствоведения высказывает предположение, что стенопись находила широкое применение в светских сооружениях, преимущественно во дворцах, к сожалению, практически не сохранившихся до сегодняшнего дня.

Миниатюры

Христос на троне в окружении апостолов. Миниатюра. «Эчмиадзинское Евангелие», 989 год. Источник: pinterest.com

Главный источник для изучения армянской живописи — иллюминированные рукописи. «Больше всего поражает в армянских миниатюрах их яркая красочность и точайшее чувство линии (особенно в киликийских рукописях XIII века). Армянские мастера являются виртуозами орнамента. Чего только не находит внимательный зритель в изящных заставках и великолепных украшениях так называемых „канонов“ лучших армянских рукописей»,— пишет Лазарев.

Темпьетто. «Эчмиадзинское Евангелие». 989 год. Источник: yandex.ru

Действительно, армянские рукописи отличаются богатейшим орнаментом. Диковинные птицы и звери, стилизованные растения и цветы, абстрактные линейные мотивы — всё это органично вплетается в миниатюрах в общую архитектурную форму обрамлений. Многообразие декоративных форм и образов выплёскивается на мииатюры словно бы из рога изобилия. «Только народная фантазия смогла создать столь совершенное по разнообразию и полнокровности искусство. И надо видеть, с каким тонким вкусом подчиняет армянский художник свои заставки общей композиции листа, как ритмично увязывает орнамент с письмом, как искусно подбирает он цвета, объединяя их в полнозвучную колористическую гамму, в которой золото чередуется с яркими красными, голубыми, жёлтыми, синими, зелёными и лиловыми красками», — не устаёт восхищаться Лазарев, сравнивая ослепительное богатство форм армянских рукописей с кельтскими и готическими миниатюрами.

«Евангелие царицы Млке», 862 год. Источник: wikipedia.com

На сегодняшний день лучшие собрания армянских миниатюр находятся в Эчмиадзине, в Ереване, в Иерусалиме и в собраниях мхитаристов в Вене и в Венеции.

Древнейшие из иллюминированных рукописей восходят к IX–Х векам. Так, например, знаменитый памятник «Эчмиадзинское Евангелие» был создан в X веке. Но школа армянской миниатюры куда старше. Об этом свидетельствуют литературные источники. К сожалению, о более старых школах миниатюры — татевской и камсараканской — мы мало знаем. Не сохранилось ни одной работы, лишь упоминания в летописях о том, что они были.

«Обособленное место в ряду ранних армянских рукописей занимает известное „Евангелие царицы Млке“ 851 года из Библиотеки Сан Ладзаро в Венеции. Прелестные нильские пейзажи с экзотическими животными и крохотными фигурками в лодках, украшающие таблицы канонов, навеяны, несомненно, старыми александрийскими образцами, которые легко могли быть занесены в Армению через Сирию. В фигурах сидящих Матфея и Марка (Лука и Иоанн представлены стоящими), равно как и в сцене, изображающей Вознесение Христа, чувствуются византийские отголоски, недостаточно, однако, сильные, чтобы видоизменить местную основу стиля.

Миниатюра из «Евангелия царицы Млке», 862 год. Источник: wikipedia.com

Характерной особенностью армянских рукописей является наличие в них памятных приписок, так называемых ишатакаранов, где помимо точной даты возникновения манускрипта часто указывается место его написания, а также имя писца и художника. Для рукописей X–XI веков типична особая монументальность. Увесистые, большого размера книги с крупным письмом декорированы таблицами канонов и миниатюрами лишь на первых листах, в самом тексте орнаменты либо совсем отсутствуют, либо даются, с конца X века, крайне скупо (несложные украшения заглавных букв, маргинальные знаки).

Хоран «Эчмиадзинского Евангелия». Источник: yandex.ru

Массивный орнамент выполнен в широкой обобщенной манере, в нем нет тонкой каллиграфической отделки, столь характерной для позднейших киликийских рукописей. Таковы каноны, в Армении называемые хоранами, в Евангелии 887 года из Лазаревского института в Москве, ныне хранящемся в Ереване (Матенадаран, 6200), в „Евангелии переводчиков“ 966 года в Уолтерс Apт Гэлери в Балтиморе (537) и в Евангелии 986 года в Ереване (Матенадаран, 7735). В большинстве рукописей евангелисты (либо апостолы) представлены, согласно сирийской традиции, стоящими в ряд, причем иногда их располагают в два регистра: Евангелие X века в Библиотеке Армянского патриархата в Иерусалиме (2555), Евангелие 1018 года в Ереване (Матенадаран, 4804), Евангелие XI века в Галерее Фрир в Вашингтоне (33.5, 47.2–4) и многие другие.

Евангельские сцены даются в старых сирийских редакциях, которые подвергаются настолько сильному упрощению, что нередко образуются примитивнейшие идеограммы — совершенно плоские, подчеркнуто линейные, ярко расцвеченные. Здесь как бы воскресает к новой жизни тот „месопотамский“ стиль, самым ранним и ярким проявлением которого была роспись синагоги в Дура Эуропос. Таковы фрагмент Евангелия X века в Библиотеке мхитаристов в Вене (697) и четыре рукописи из Матенадарана в Ереване: Евангелие 1033 года (283), Евангелие 1038 года (6201), Мелитенское Евангелие 1057 года (3784) и Евангелие XI века без указания точной даты (974)».

В.Н. Лазарев. «Византийское искусство».

Примечание: цифры в скобках — номера рукописей, согласно которым они содержатся в хранилищах.

Сюжет — «Крещение Господне». «Мугнинское Евангелие». Ованес Сандхкавенеци, XI век. Источник: wikipedia.com

К XI веку уже относится ряд манускриптов с вполне сложившимся стилем в восточной традиции. В иконографии миниатюристы следуют сирийским и сасанидским прототипам — богатый, несколько грубоватый орнамент и примитивный художественный язык остаются незатронутыми византийским влиянием. Лазарев с сожалением отмечает, что миниатюр той поры сохранилось крайне мало, так как XII век наименее изученный период в искусстве армянского Средневековья.

Григорий Ерец

Изображение Григора Нарекаци. Автор миниатюры — Григорий Ерец (Мличенци). Конец XII века. Источник: wikipedia.com

Зато в конце этого столетия жил и творил знаменитый киликийский миниатюрист Григорий Ерец (Мличенци), чьи работы с подписями можно увидеть в собрании Эчмиадзина. Исследователи отмечают изящный стиль изображенных художником маленьких хрупких фигурок, отличающихся классическими пропорциями. Его работы резко контрастируют с тяжеловесными формами миниатюр XI–XII столетий. Лазарев отмечает, что Ерец, по всей видимости, получил византийское образование, работая в Ромкле под покровительством церкви [в то время в Ромкле находился престол католикоса. — Прим. ред.].

XIII столетие рассматривается специалистами искусствознания как блестящая эпоха расцвета живописи миниатюр. Об этом будет следующий рассказ Армянского музея Москвы.

Источники:

  1. В.Н. Лазарев. «Искусство древней Армении» ǁ Сборник «Византийское и древнерусское искусство». — Москва : Издательство «Наука», 1978.

  2. В.Н. Лазарев. «Византийское искусство». — Москва : Издательство «Искусство», 1986.

  3. «Армяне-халкедониты» — статья на pravenc.ru.

При оформлении обложки использована фотография фрески «Торжественная процессия Трдата III» из базилики Тиграна Оненца в Ани. Источник: mar-amirchanyan.livejournal.com

Редакция

Армянская средневековая живопись. Часть I

Стилизованное искусство – Галерея Principle

Техника вторника: Стилизованное искусство

Опубликовано Автор: Principle Gallery

Что это?

С возвращением во вторник техники! Выставка GC Myers «Правда и вера» откроется всего через несколько дней, и это идеальное время, чтобы взглянуть на стилизацию! Стилизация — это техника, которая существует очень и очень давно. В 1979, Большой советский словарь дал прекрасное определение стилизации, пояснив ее как «декоративное обобщение фигур и предметов с помощью различных условных приемов, включая упрощение линии, формы, пространственно-цветовых отношений». Если посмотреть на это с другой точки зрения, стилизация — это преднамеренный шаг в сторону от мимесиса, который определяется как близкое подражание реальности (в искусстве это очень часто называют «реализмом», хотя этот конкретный термин эволюционировал). скорее нюансы). Вместо того, чтобы пытаться изобразить предмет так, чтобы он был близок к реальности, художник может использовать стилизацию для создания изображений, которые, хотя и содержат узнаваемые предметы и формы, делают это таким образом, чтобы сделать акцент на цвете, линиях и часто эмоциональные качества произведения.

Примеры из истории искусства:

Стилизация – это то, что можно увидеть еще в древних наскальных рисунках, когда узнаваемые предметы визуально изображались в упрощенной форме. Частично это, без сомнения, было связано с тем фактом, что человечество открывало для себя изобразительное искусство и со временем испытывало кривую обучения, когда дело доходило до более точной имитации реальности в рисовании, живописи и скульптуре. Со временем целью многих художников стало увеличение мимесиса, и стилизация начала постепенно уступать место большему реализму в искусстве. Мы можем видеть с высоты Ренессанса через 19века, когда художники с большим удовольствием создавали реалистичные изображения и исследовали очень точное представление архитектуры, анатомии человека, естественной растительной жизни и т. д. Поскольку импрессионизм порвал с академической традицией в 19 веке и снова сосредоточил внимание на экспериментах с цветами. и свет, и отступил от строгого мимесиса, это стимулировало новый интерес к преднамеренной стилизации и использованию изображения узнаваемых предметов в качестве платформы, на которой можно также упиваться цветом, линией и формами. Из-за своей доступности (не обязательно идти в художественную школу или годами тренироваться, чтобы создавать стилизованное искусство) и прославления линий и цвета, стилизация часто встречается в уличном искусстве и искусстве в стиле граффити, как в случае с граффити. художник конца 20 века Кит Харинг.

(слева направо) образец древней перуанской керамики; Анри Матисс, «Chat aux Poissons Rouges»; Пабло Пикассо, «Кувшин и ваза с фруктами»; Густав Климт, «Древо жизни III»; Кит Харинг, «Статуя Свободы»

Примеры в галерее Principle:

Хотя в галерее Principle представлено почти исключительно репрезентативное искусство, оно, безусловно, варьируется в зависимости от спектра мимесиса. Некоторые художники здесь более стилизованы, чем другие, но, возможно, самым прекрасным примером стилизации и ее концентрации на линии, форме и цвете здесь, в галерее, является работа Дж. К. Майерса. Работа GC выходит за рамки представления пейзажей и добавляет эмоциональности предмету и формам, поскольку они изображают воображаемые перспективы и используют символизм для создания чувств и сообщений в произведениях искусства. Если вы следите за блогом художника, конец в redtreetimes.com , вы часто можете получить подробное представление непосредственно от художника об эмоциях и символизме, которые пронизывают любую его работу, но замечательная вещь в его работах заключается в том, что они также могут общаться сами по себе. Чувства замешательства, триумфа, покоя, разочарования, радости, меланхолии и радости — все это дает о себе знать зрителю исключительно через игру линий, цветов и форм в этих пейзажах. В то время как эти работы происходят из глубоко личного места в душе художника, одна из волшебных вещей в этом искусстве заключается в том, что оно также оставляет так много места для взаимодействия и интерпретации со стороны зрителя, независимо от каких-либо словесных объяснений со стороны художника.

Мы очень рады открыть выставку под названием «Правда и вера» в эту пятницу, 2 июня, на которой будут представлены 55 невероятных новых картин Дж. С. Майерса. Вот краткий обзор некоторых красавиц из этого шоу, и если вы хотите увидеть их всех, зайдите на наш веб-сайт , отправьте нам электронное письмо по адресу [email protected] com или, что еще лучше, присоединяйтесь к нам. чтобы поприветствовать художника и отпраздновать выставку в эту пятницу вечером с 18:30 до 21:00 в галерее Principle!

«Правда и вера» «Гонка света» «С санкции Луны» «В поисках истины» «Так хорошо помнят»
от Pamela Sommer

Нравится:

Нравится Загрузка…

Опубликовано в Изобразительное искусство

Введите свой адрес электронной почты, чтобы подписаться на этот блог и получать уведомления о новых сообщениях по электронной почте.

Адрес электронной почты:

Присоединяйтесь к 2302 другим подписчикам

208 Кинг Стрит
Александрия, Вирджиния 22314

703-739-9326

[email protected]
Понедельник 12-5 900:55 вторник, среда и четверг, 10:00
пятница и суббота 10-8
Воскресенье 11-6

Поиск

Ручная роспись Стилизованная среда — очки опыта

Джейкоб Клауссен нарисовал красивую ручную сцену для испытания короля Артура и рассказывает нам о том, как он достиг такого стиля. Узнайте, как он спланировал проект, создал ресурсы и построил эту среду

Введение

Меня зовут Джейкоб Клауссен, и я работаю 3D-художником в Ubisoft в Стокгольме. Я начал свою карьеру в инди-студии, созданной мной и несколькими друзьями, когда мы выпустили игру Blast Out. После того, как я стал инди, я хотел увидеть другую сторону и то, как работают крупные компании, и учиться на этом, поэтому я присоединился к Starbreeze Studios и работал над The ​​Walking Dead от Overkill в качестве художника по окружению. С выпуском игры я хотел попробовать другую студию, и я присоединился к недавно открывшейся студии Ubisoft Stockholm в качестве 3D-художника.

Во время учебы в Университете Шевде я не совсем знал, какой путь выбрать в 3D, но я поступил в школу с целью работать с анимационными фильмами в будущем, я поступил в университет, специализирующийся на играх, и через некоторое время я понял, что я хотел сделать 3d арт для игр. На выходных я играл в игру The Last of Us, и тогда мне также стало ясно, что я хочу заняться искусством окружения, и я полностью сосредоточился на этом. Затем два года назад я начал новую смену, где хочу сосредоточиться на 2D-искусстве и посмотреть, к чему это меня приведет. Моя первая цель — помочь проиллюстрировать детскую книгу, которую пишет моя подруга Сара Форсберг.

Король Артур, Artstation Challenge

Вне человека

Книжный магазин аббатства

Вызов короля Артура и разработка концепции

Итак, я хотел запечатлеть прекрасную концепцию Эмили В.Ф., а затем воплотить ее в том виде, в каком я ее видел. С самого начала я знал, что хочу придать произведению сильное стилизованное ощущение, чтобы попробовать то, чего я давно не делал. Так что после того, как я нашел ссылки на стили, в которых я хотел использовать произведение, было очень легко сохранить единый стиль. Мне очень понравился силуэт Эмили и композиции, поэтому я хотел оставить его таким же для основного снимка, поэтому я начал с блокаута поверх него. Это заставило меня сохранить причудливый силуэт, но, возможно, немного усилить цвет. Я сосредоточился на том, чтобы довести основное изображение до приемлемого качества, чтобы после этого я мог сосредоточиться на работе с комнатой вокруг него и придать ему свои собственные идеи.

Пещера Мерлина. Концепт-арт

Король Артур, Artstation Challenge

Король Артур, Artstation Challenge

Когда вы получаете концепцию, важно попытаться придать ей свои собственные идеи, это хорошая тренировка, когда в реальной рабочей ситуации может случиться так, что вы просто получите несколько вызовов с изображением Google или будете полностью предоставлены сами себе. Постарайтесь увидеть в этом что-то веселое и полезное. Кроме того, если вы знаете автора концепта, всегда интересно поддерживать контакт и обсуждать, где можно взять 3D-версию, научиться находить золотую середину с другими создателями очень полезно, когда вы позже придете в индустрию.

Планирование и подготовка

Для меня обычно сцена — это время, когда я могу освоить новые навыки или вернуться к старым навыкам и освежить память. Я хотел действительно попробовать стилизованный после того, как не использовал его пару лет. Кроме того, в этом проекте я больше всего сосредоточился на тайм-менеджменте, который я всегда стараюсь улучшать как дома, так и на работе. Возможность ежедневно планировать на работе — это хорошо, когда у вас есть время добавлять или улучшать вещи, не пропуская сроки. Это действительно покажет, знаете ли вы, как структурировать свой рабочий процесс, и это всегда приветствуется лидами и продюсерами.

Прогресс

Первое, что я делаю, когда начинаю сцену с концепцией в качестве основы, — делаю поверх нее блок-версию со всеми активами в Maya. Это заставило меня получить глубину, композицию и количество реквизита, которые будут в сцене. Это дает вам простой способ структурировать ваши UV-развертки и создавать активы при планировании. Я также сделал несколько быстрых запеканий в рендерере Maya Arnold, это было очень хорошо, чтобы получить четкое представление о формах ассетов и комнаты. После этого я переношу все в Unreal Engine 4 и вырезаю, чтобы все помещалось в сцену как прокси-модель с материалами и текстурами. Это позволяет мне быстрее обновлять fbx и материалы сцены во время работы над ними.

Активы

Активы

После этого я добавляю базовый пасс освещения и пытаюсь увидеть, вызывает ли сцена то же чувство, что и концепция или идея, которые у вас есть о ней. После этого только приступайте к созданию ассетов и всегда обращайте внимание на общую картину, а не смотрите, как текстурирование происходит только в Marmoset или Painter. Посмотрите, как это всегда выглядит в двигателе, в котором вы работаете. 

Ранняя обработка растительности также может сэкономить массу времени, поэтому всегда полезно стараться делать это с умом и делать быструю версию. Я всегда делаю раскрашенную версию в Photoshop и быстро наношу на нее крону дерева. Затем, на более позднем этапе, я сделаю хайполи со всеми красивыми текстурами, чтобы еще больше повысить четкость купола. Том Дирберг — отличный художник, на которого можно смотреть, когда он делает это, у него есть множество исследовательских сцен, использующих этот метод.

Текстурный лист с геометрическим контуром

Активы были смоделированы в Maya, а затем добавлены детали в Zbrush, что дало запеченным картам хорошую основу для последующего рисования готовой текстуры в Photoshop.

Создание стилизованной среды

Мне повезло, что я научился этому стилю, когда вместе с друзьями работал в инди-компании. Мы создали игру под названием Blast Out, тип игры MOBA, в которой должно было быть много контента. Таким образом, для небольшой студии, где работают только два 3D-художника, нужен продуманный рабочий процесс.

Некоторые реквизиты были для меня новее других. Например, деревья в этом стиле были новым опытом, и я пытался найти хороший быстрый способ создать деревья, зная, что в сцене их много. Начав с главного дерева, я получил хороший рабочий процесс для применения к другим деревьям, а затем мне не понадобилась такая же деталь, поскольку она находилась не в центре сцены.

Разрушение дерева

Ключевым моментом является использование Zbrush в качестве основы для получения максимальной информации от запекания. Это то, что они делали в Blizzard в течение некоторого времени, то, что вы в основном делаете, это создаете детализированную хайполи с достаточной четкостью поверхности, которая будет отображаться на ваших запеченных картах. Затем вы используете эти запеченные карты в качестве масок в Photoshop, чтобы получить действительно прочную основу для вашего лоуполи.

Процесс текстурирования

Попытка добавить ресурсы, о которых у вас нет никаких понятий, я думаю, это хорошая вещь, чтобы научиться выбирать просто случайный элемент из изображения Google, например, грибы или несколько свечей, и подталкивать его к стилю, в котором вы работаете. на. Не забывайте всегда иметь справочную доску как для реальной жизни, так и для стилей, к которым вы стремитесь. Когда вы начинаете, очень хорошо подражать тому, как другие работали. Просто помните, что спрашивать, почему и учиться на этом, является важным фактором, почему этот стиль в этой игре работает и как я могу применить его к своим вещам. Поработав некоторое время, вы обретете собственный голос.

Хорошее правило для вариаций реквизита — не переусердствовать с их количеством, хорошее правило — не более трех, когда дело доходит до формы. Тогда, если вы хотите, вы можете иметь разные цветовые вариации. Это может показаться мало для деревьев, но помните, что когда вы соединяете их с разными формами, вы создаете новые формы, поэтому две свечи рядом друг с другом и бутылка будут восприниматься как новый силуэт и придадут сцене некоторый интерес.

Изменение актива

Композиция и цвета

В этой части я пытался играть с цветом и использовать его больше как инструмент, оглядываясь назад, я чувствую, что мог бы еще больше продвинуться, но это было только начало, и я думаю, что это то, что может быть супервеселым. Написав это, я вижу, что почерпнул новые вещи, которые не были полностью реализованы в этом произведении, но я хочу дать более общий взгляд на то, какими могут быть композиция и цвет.

Король Артур, Artstation Challenge

Композиция — это, по сути, инструмент, дающий зрителю путь к объекту вашего изображения, и его построение можно использовать по-разному. Обычно мы слышим о правиле третей и спирали Фибоначчи в качестве инструментов для этого, но есть много других способов сделать это. Для направления глаз вы можете использовать различные траектории, например, S-образную форму, диагонали, группировку, расходящиеся линии и так далее. Чем больше инструментов у вас есть, тем больше вы можете играть и комбинировать их, чтобы добиться еще большего ощущения «вау-эффекта» в ваших изображениях.

Обычно все начинается с создания фокуса, того, что зритель должен увидеть или на что обратить внимание. Вам не обязательно иметь только один, и иногда вы хотите, чтобы зритель дольше оставался на изображении. Чтобы создать точку фокусировки, которую вы обычно играете с контрастом, сделайте так, чтобы она выделялась на фоне того, что рядом с ней. Этого можно добиться разными способами, например, иметь различную форму, значение, выравнивание, молнию и так далее. Изучите, как это делают другие, и вы увидите, что есть много способов создать фокус.

3D-игр не существует так долго, поэтому я думаю, что при изучении этого предмета мы должны обратить внимание на среды, которые существуют дольше и усовершенствовали этот метод. Кинематографисты в кино обладают чрезвычайно глубоким пониманием этого навыка, и я думаю, что обучение у них может сделать вашу среду еще более заметной. У нас также есть художники, которые существуют гораздо дольше и создали длинный список инструментов для использования. В будущем 3D-игры будут развиваться еще больше, потому что у этой среды есть камера, с которой обычно работает зритель, что еще больше усложняет эту работу.

Уже имея сильную композицию из замечательной концепции Эмили В.Ф. Я хотел расширить свое понимание цвета и того, что я могу с ним сделать. Таким образом, цвет стал моей главной особенностью композиции и игрой с теплыми и холодными цветами, я добавил немного контраста в эти формы теплых и холодных цветов с их аналогами, чтобы иметь некоторый баланс в изображении и дать глазу возможность замечать, когда он размышляет над изображением.

Чтобы сбалансировать цвета, вы можете использовать различные цветовые комбинации, и наиболее распространенной из них являются дополнительные цвета, если вы посмотрите на цветовой круг, используйте цвет на другой стороне от того, что вы выбрали. Так, например, синий и оранжевый хорошо сочетаются друг с другом, но будьте осторожны, некоторые образы играют больше, чем другие. Чтобы добавить дополнительный слой сверху, мы можем посмотреть, какие чувства может вызвать цвет, и позволить им задать настроение изображения. Цвета имеют как положительную, так и отрицательную связь, изучите их и примените в своей композиции, чтобы ваше изображение действительно рассказывало более глубокую историю. Но помните, что это может сильно зависеть от того, в какой культуре вы живете, потому что цвета вызывают разные значения в зависимости от того, в какой части мира вы находитесь.

Теория цвета

Обычно для придания глубины изображению используются передний, средний и задний планы. Чтобы дать зрителю ощущение атмосферы, может быть полезно иметь разные тона, где передний план темнее, а фон становится светлее. Это дает вашему 2D-изображению ощущение 3D в пространстве.

Передний план/Средний план/Фон

Руководство зрителя

Постарайтесь провести зрителя через изображение и путь, который вы задаете истории, это может быть с помощью символики или просто декораций таким образом, чтобы рассказать о том, что произошло или должно произойти, спросите себя, что происходит в комнате. Может быть, поместите себя в него и пройдите через него, разыграйте сцену и то, что может произойти. Это придает сцене больше жизни и больше интереса для зрителя, а также может придать изображению «пересматриваемость». Ваш зритель находит что-то новое каждый раз, когда возвращается к вашему изображению.

Я обычно читаю множество книг художников в других областях, и я думаю, что если вы хотите по-настоящему развить свое чувство композиции, вот список книг, которые действительно хорошо читать для начала. Прочитав их, вы можете начать заниматься живописью, кино или фотографией. Я все еще делаю первые шаги в этой области и с нетерпением жду следующих лет, когда смогу продвинуться в этом намного дальше.

Мои книжные советы для начала.

Освещение и текстурирование
Я считаю молнию одним из ключевых моментов, скрепляющих сцену, и обычно это то, что выделяет сцену среди других. Я использую запеченную молнию, но с плагином для графического процессора, чтобы ускорить этот процесс. Я по-прежнему предпочитаю использовать вместо реального времени из-за ограничений, но хотел бы поэкспериментировать с реальным временем в будущем и посмотреть, где я могу использовать свою молнию.

Мировые настройки

В этой сцене я хотел создать волшебное красочное ощущение и попытался использовать цвета, которые дополняют цвета сцены, поэтому смесь синего и сиреневого цветов дополняет более теплые цвета сцены в красном и коричневом. Затем нужно было просто поэкспериментировать с режиссурой и использовать освещение как сюжетный элемент.

Советы и подсказки для стилизованных предметов

Когда я работаю над стилизацией, я обычно сначала сосредотачиваюсь на силуэте и пытаюсь придать ему больший характер, чем он был бы в реальной жизни. Тогда проще добавить второстепенные детали и информацию на поверхность, где обычно лучше уменьшить масштаб по сравнению с реальным аналогом. Старайтесь не шуметь.

Придавая активу дополнительный силуэт, используйте белый фон и сделайте объект черным, таким образом вы сможете увидеть, хорошо ли он читается. В Maya есть отличный инструмент под названием Lattice tool, с помощью которого вы можете создать рамку вокруг вашего объекта и изменить пропорции. Я стараюсь сначала моделировать объект в более естественном силуэте, а затем сгибать его и придавать ему больше характера.

Решетка в Maya

Я также думаю, что важно анализировать другие части, посмотрите, как они получают реквизит, чтобы хорошо читать. Попробуйте найти версии реквизита только с базовым цветом и посмотрите, насколько сильно это влияет на реквизит. Sketchfab — отличное место, где можно перевернуть объекты и увидеть различные карты текстур. Иногда удивительно, как мало полигонов и текстурных карт использует актив, но при этом так хорошо читается.

Основные навыки, которыми нужно обладать

В настоящее время все навыки, необходимые для создания действительно хороших произведений искусства, доступны в Интернете, и вы можете сказать, что студенты гораздо лучше понимают это.

Планирование и структура папок Я думаю, это то, что художники обычно начинают по-настоящему использовать после пары проектов и не в состоянии найти, куда они помещают эту текстуру. Если вы структурируете свое время для произведения, это также снимет массу стресса. Если вы будете более расслабленно относиться к решению проблем, это даст вам лучшие результаты, поэтому старайтесь работать с умом.

Планирование

При хорошем планировании вы можете дать себе свободное время и отдых, которые мы обычно пропускаем во время проекта, поэтому я стараюсь, чтобы вы всегда планировали еженедельную социальную деятельность и деятельность «не за компьютером» во время моих проектов.

Еще один навык, который, я думаю, вам нужно уметь использовать, это поиск обратной связи и знание того, что с ней делать. Люди могут приходить с идеями и предложениями, которые, возможно, в каком-то смысле правильны, но не для того произведения, которое вы делаете. Таким образом, умение давать себе обратную связь и понимать обратную связь значительно облегчит фильтрацию. Постарайтесь максимально проанализировать собственное произведение, сыграть арт-директора и быть честным.

Вызовы

Для меня это, вероятно, было в то время, когда мы в Швеции обычно ездим в отпуск, поэтому найти время было непросто. Но я вполне доволен тем, что запланировал заранее, где я планировал иметь немного свободного времени. Имея больше времени, я бы с удовольствием поработал над презентацией, и вместо этого я собираюсь использовать ее в своем следующем проекте.

Я также многому научился, следя за другими художниками, создающими больше стилизованных творений, поэтому я буду использовать то, что я узнал из их постов, в будущих проектах. Это главная причина, по которой я принимаю участие в этих испытаниях: вы оба учитесь, снимая сцену со строгим дедлайном, но вы также видите, как другие артисты решают проблемы, с которыми вы сталкиваетесь.

Спасибо за возможность взять это интервью. Если есть вопросы о чем-либо, не стесняйтесь всегда пишите мне в DM или отправьте мне письмо.

Онлайн-курс «Стилизованная акриловая живопись: изучение цвета и формы» (Ханна Уэбб)


Активируйте курс с кодом подарка


  • 100% положительных отзывов (15)
  • 1132 студента
  • 15 уроков (1ч 0м)
  • 22 дополнительных ресурса (9 файлов)
  • Онлайн и в своем собственном темпе
  • Доступно в приложении
  • Аудио: английский
  • английский, испанский, португальский, немецкий, французский, итальянский, польский, нидерландский
  • Уровень: Начинающий
  • Неограниченный доступ навсегда

Для художницы, работающей акрилом Ханны Уэбб, искусство — это создание чего-то нового посредством интерпретации и обмена своим личным стилем с миром. Она специализируется на , используя акриловую краску для создания ярких иллюстраций с блочными мазками и контрастными цветами. Ее работы выставляются в галереях США и по всему миру. Она также продает свои работы коллекционерам и работает по заказам для брендов и компаний.

В этом онлайн-курсе Ханна учит вас, как переосмыслить то, как вы видите цвет, форму и детали . Узнайте, как создавать яркие стилизованные акриловые иллюстрации в собственном художественном стиле.

Чему вы научитесь на этом онлайн-курсе?

Содержание курса
  • У1

    У1. Введение

  • У2

    У2. Подготовка

  • У3

    У3. Планирование произведения

  • У4

    У4. Покраска изделия

  • У5

    У5. Документирование, лакировка и совместное использование части

  • ФП

    ФП Финальный проект

Подробнее

Начните курс со знакомства с художником-акрилистом Ханной Уэбб. Узнайте, как она превратила свое художественное хобби в полноценную карьеру, а также о том, что вдохновляет ее работы.

Ознакомьтесь с инструментами и материалами, необходимыми для курса. Тогда учись как загрунтовать деревянные панели для создания гладкой поверхности под покраску. Откройте для себя методов смешивания краски для получения ярких и непрозрачных пигментов с гладкой текстурой.

Найдите референсное фото для своей картины. Затем посмотрите на композицию, используя советы Ханны по созданию области фокуса, оставлению пустого пространства и т. д. Сделайте набросок окончательного макета на доске перед покраской и определитесь с цветовой палитрой вашего изделия.

Пора начинать рисовать! Начните с самых больших областей цвета, прежде чем совершенствовать свои формы и разрабатывать каждую из них по отдельности. Затем перейдите к маленьким фигурам, фокусным точкам и бликам.

См. , как профессионально фотографировать свою работу и использовать лак для защиты от повреждений. В завершение курса Ханна дает совет, как делиться своими иллюстрациями в социальных сетях.

Что представляет собой проект этого курса?

Создайте яркую картину акриловыми красками на основе эталонной фотографии, исследуя цвет и форму, чтобы выразить свой стиль.

Проекты курсантов

  • Автор: ld_fiji

  • Автор: macuaremaitaale

  • Автор: Youngca33

  • +14

Для кого этот онлайн-курс?

Этот курс предназначен для всех, кто хочет научиться уверенно рисовать акриловыми красками.

Требования и материалы

Предыдущий опыт рисования рекомендуется, но знание работы с акрилом не обязательно.

Вам понадобятся краски, деревянная панель, кисти и несколько других материалов, указанных учителем в курсе.


Отзывы


Ханна Уэбб (или Обанот, как ее называют в сети) — художник-акрилист из Огайо, в настоящее время проживающая в Лос-Анджелесе. Она пошла в художественную школу и, вдохновленная желанием узнать больше, переехала в Калифорнию. Там она начала рисовать маслом, а затем перешла на акрил, научилась смешивать цвета и исследовать формы. С тех пор она разработала свой фирменный стиль, который характеризуется блочными мазками, четкими метками и ярким цветом.

Ханна считает, что цель художника — заявить о себе миру, и она выставляет свои работы как в США, так и за рубежом. Она также продает свои картины коллекционерам и работает над заказами для брендов и компаний, включая крупномасштабные публичные фрески.


Содержание


Чего ожидать от курса Domestika

  • Учитесь в своем собственном темпе

    Наслаждайтесь обучением дома без установленного расписания и с помощью простого в использовании метода. Вы сами задаете темп.

  • Учитесь у лучших профессионалов

    Изучите ценные методы и техники, объясненные ведущими экспертами в области творчества.

  • Познакомьтесь с опытными учителями

    Каждый эксперт учит тому, что у него получается лучше всего, с четкими инструкциями, искренней страстью и профессиональным пониманием на каждом уроке.

  • Сертификаты

    Плюс

    Если вы являетесь участником Plus или PRO, получите специальный сертификат, подписанный вашим учителем для каждого курса. Поделитесь им в своем портфолио, социальных сетях или где угодно.

  • Получите места в первом ряду

    Видео высочайшего качества, чтобы вы не упустили ни одной детали. С неограниченным доступом вы можете смотреть их столько раз, сколько вам нужно, чтобы усовершенствовать свою технику.

  • Делитесь знаниями и идеями

    Задавайте вопросы, запрашивайте отзывы или предлагайте решения. Поделитесь своим опытом обучения с другими учащимися в сообществе, которые так же увлечены творчеством, как и вы.

  • Присоединяйтесь к глобальному творческому сообществу

    Сообщество является домом для миллионов людей со всего мира, которые любопытны и увлечены исследованием и выражением своего творчества.

  • Смотрите профессионально подготовленные курсы

    Domestika курирует свой список учителей и самостоятельно разрабатывает каждый курс, чтобы обеспечить высококачественное онлайн-обучение.


Часто задаваемые вопросы

Что такое онлайн-курсы «Доместики»?

Курсы «Доместика» — это онлайн-курсы, которые предоставляют вам инструменты и навыки, необходимые для выполнения конкретного проекта. На каждом этапе проекта видеоуроки сочетаются с дополнительными учебными материалами, поэтому вы можете учиться на практике. Курсы Domestika также позволяют вам делиться своими проектами с учителем и другими учениками, создавая динамичное сообщество курса.

Когда курсы начинаются и когда заканчиваются?

Все курсы на 100% онлайн, поэтому после их публикации курсы начинаются и заканчиваются в любое время. Вы задаете темп урока. Вы можете вернуться, чтобы просмотреть то, что вас больше всего интересует, и пропустить то, что вы уже знаете, задать вопросы, ответить на вопросы, поделиться своими проектами и т. д.

Что входит в курсы «Доместики»?

Курсы разделены на разные блоки. Каждое из них содержит уроки, информационный текст, задания и практические упражнения, которые помогут вам шаг за шагом выполнять проект, а также дополнительные дополнительные ресурсы и файлы для загрузки. У вас также будет доступ к эксклюзивному форуму, где вы сможете взаимодействовать с учителем и другими учениками, а также делиться своей работой и проектом курса, создавая вокруг курса сообщество.

Вам дали курс?

Вы можете активировать полученный курс, зайдя на страницу активации и введя свой подарочный код.

Когда я получу сертификат о прохождении курса? Plus

Если вы являетесь участником Plus или PRO, после прохождения курса вы сразу же получите персональный сертификат. Вы можете увидеть все свои сертификаты в разделе «Сертификаты» вашего профиля. Вы можете загрузить свои сертификаты в формате PDF и поделиться ссылкой в ​​Интернете. Узнать больше о сертификатах

Консультации по производству стилизованных 3D-произведений

3D-художник Матс Мирвольд немного рассказал о том, как он создает и рисует свои потрясающие стилизованные проекты.

Введение

Меня зовут Матс Мирвольд. Мне 26 лет, в настоящее время я работаю внештатным 3D-художником, создающим стилизованные ассеты для игр, нарисованных вручную. Я родился
и вырос в маленьком городке в Норвегия. Я всегда был очарован искусством и занимался искусством с тех пор, как научился держать карандаш.

В свои «молодые» дни я был очень увлечен творчеством, я создавал все и вся, что рано привело меня к моей карьере художника, в 18 лет я уже работал над различными норвежскими фильмами. как норвежский оперный театр, создающий физические эффекты и реквизит. Создавать физические эффекты было весело, но найти работу было трудно, Норвегия никогда не
был лучшим местом для карьеры в искусстве. В то время цифровое искусство стало гораздо более популярным и доступным, чем когда-либо прежде, поэтому я решил перенести свой традиционный рисунок и творчество в цифровой мир. Моим первым планшетом был планшет за 40 долларов, я потратил недели на свой первый цифровой рисунок, который я отправил на конкурс цифрового искусства для крупной игровой компании, где я занял 1-е место и получил Ipad, который я продал и купил новый и лучше планшет Wacom, откуда мяч только продолжал катиться, но через год я понял, что просто рисовать мне недостаточно, я хотел, чтобы мое искусство было живым, я хотел иметь возможность создавать что-то, с чем я мог бы взаимодействовать.

Я всегда был большим поклонником игр, поэтому я подумал, что, если бы я мог объединить все, чем я увлечен, в одну вещь: анимацию, дизайн, реквизит, игры, рисование и трехмерное взаимодействие? Поэтому я начал свое образование в школе технологий и цифровых медиа Noroff, где я узнал все о 3D, школа была отличным местом для начала
, так как я был новичком в 3D. Но через некоторое время мне стало скучно, так как я знал, чем хочу заниматься, а именно создавать раскрашенные вручную 3D-активы, которые в школе
не преподавал и не знал об этом.

Итак, я основал свою собственную компанию, в которой я работал над различными большими и маленькими игровыми проектами, а также над другими 3D-проектами в течение последних двух лет.

Готовое к игре производство ассетов 

Стиль ассетов может сильно различаться в зависимости от художественного направления проекта. Художнику-фрилансеру важно быть гибким и освоить множество стилей.

1

из

2

Когда дело доходит до моего собственного стиля, я черпаю вдохновение из крупных MMO и RTS-игр, которые имеют очень стилизованный вид, нарисованный от руки. Когда я подхожу к своему личному реквизиту, я всегда пытаюсь преувеличить реальность, например, сделать блики больше, ярче, сделать маленькие царапины больше, сделать цвета более яркими. Это прекрасный баланс между реальностью и стилизацией, я всегда стараюсь сохранять серьезность, но при этом сохранять веселое и игривое ощущение.

1

из

2

Чтобы иметь возможность создавать такие объекты, все, что вам нужно, это 3D-программа, такая как 3D Studio Max, Maya, Blender. поли модели, картина может быть выполнена в любой программе для цифрового рисования или даже с помощью отсканированной масляной живописи, на самом деле нет предела возможностям.

Когда видишь нарисованные от руки текстуры, первое, о чем думаешь, что это за волшебство? что за этим секрет? Я сам был там, пытаясь сделать хай-поли-лоу-поли, экспериментируя с шейдерами и т. д. Но это действительно просто, это просто ручная роспись, нет простого способа добиться такого эффекта, если вы не знаете, как рисовать. Все мои реквизиты создаются одинаково, начиная с простых форм, вырезая, выдавливая полигоны и сваривая до тех пор, пока я не получу формы, которые хочу, в процессе нет хайполи или запекания, модель создается как низкополигональная, УФ сопоставляется, а текстура рисуется, например, в Photoshop или 3D-Coat. Могут быть случаи, когда я создаю высокополигональные скульптуры в качестве руководства, если я делаю что-то с большим количеством круглых и органических форм.

Это действительно зависит от игры, для которой вы создаете ассеты, но есть хорошее правило: всегда оптимизируйте размеры сетки и текстуры, насколько это возможно, но при этом сохраняйте максимально возможное качество. Мы всегда хотим, чтобы наши игры работали. гладко и выглядеть как можно лучше, чтобы создать наилучшее впечатление от игроков, которое мы можем.

Рисование

Когда я начинаю процесс текстурирования, я всегда начинаю с серого меша и блока плоских цветов, которые я хочу использовать, за этим шагом следует рисование теней и окклюзии, после этого я устанавливаю свой свет источник. Я постепенно начинаю наращивать контраст материалов и всегда держу в голове, откуда исходит мой свет. Весь процесс похож на процесс компьютерного рендеринга, единственная разница в том, что вы, как художник, являетесь движком рендеринга, а текстуры, нарисованные вручную, следуют за те же правила, что и в любой цифровой живописи, поскольку в основном это просто рисование на 3D-модели.

Я всегда подхожу к рисованию текстур так, как это сделал бы традиционный художник маслом. Это действительно увлекательный процесс добавления цвета, закрашивания и в основном лепки с использованием цветов и оттенков, которые у вас есть. Некоторые простые правила, которые я обычно использую, — это рисовать свет сверху вниз. В большинстве игр камера игрока обычно располагается над персонажем, а игрок смотрит вниз, поэтому мы хотим, чтобы большая часть деталей и внимания были на нем. В верхней части наших 3D-моделей, сохранение света под одним углом также отлично подходит для создания согласованности, поскольку мы используем только диффузную карту, текстура не будет реагировать на свет, как если бы мы использовали шейдер и карты. Еще одно правило, которое я использую, когда дело доходит до цвета, заключается в том, чтобы тени были холодными, а блики – теплыми, или наоборот.

Фотошоп — это просто личное предпочтение, так как я делаю свои концепт-арты и наброски в программе. Я пробовал Substance Painter, и это отличный инструмент, но лично я использую 3D-Coat, так как он работает так же, как Photoshop, и весь процесс обмена между программами намного эффективнее. Я склонен импортировать свои модели в 3D-coat и использовать его для грубой обработки
. рисование текстуры, намного проще рисовать в 3D-пространстве, когда вы устанавливаете свет и тени, но когда я нахожусь на заключительном этапе уточнения текстуры, я склонен переключаться между фотошопом и 3D-покрытием, просто чтобы получить результат, который я хочу.

Рекомендации для начинающих

Научитесь рисовать! Это так просто, я вижу много людей, которые только начинают с неправильного пути, пытаясь, например, нарисовать стилизованное дерево, не понимая, как работает цвет или значение. Стилизованное искусство направлено на то, чтобы продвигать реализм и преувеличивать его, чтобы он выглядел более круто, чем он выглядел бы в реальной жизни. Google и Youtube — ваши лучшие друзья, когда дело доходит до обучения
в наши дни нет абсолютно никаких ограничений в том, какую информацию вы можете найти, которая поможет вам стать великим художником.

Но начните с простого, с затенения сферы, например, если вы понимаете, как закрасить сферу, вы сможете закрасить все, возможно, не после первых 10 созданных вами сфер, а, может быть, после 10000. сфер. Когда дело доходит до покраски, так много нужно обдумать, и мы можем найти это действительно пугающим, когда начинаем, у нас есть все эти ожидания для вас, и мы хотим достичь тех же результатов, что и профессионалы отрасли, которые создали такие текстуры для много лет работаем по 10 часов в день, но мы все были там, и я могу сказать вам, что вы никогда не будете довольны, потому что как художники мы всегда стремимся сделать лучше, чем в прошлый раз.

На то, чтобы стать великим художником, уходит вся жизнь, и вы всегда будете становиться лучше каждый раз, когда рисуете что-то, позволяйте себе терпеть неудачи и делать ошибки и учиться на них, это не гонка, чтобы стать лучшим художником, это о вас станьте лучшим художником, которым вы можете быть, люди всегда будут лучше вас, и это то, что важно понять на раннем этапе, иначе вы закончите в
плохое место.

Не бойтесь критики! Искусство — очень личная вещь, некоторые люди могут ненавидеть его, некоторые могут любить, кто-то хочет изменить его к лучшему или к худшему. Самый здоровый способ не впадать в уныние — развить сильное чувство самокритики и быть достаточно непредубежденным, чтобы сказать себе: «Ладно, это, возможно, было не лучшим решением, и я действительно отстой в этом, может быть, в этом что-то есть». Я мог бы сделать, чтобы улучшить его?».

Сосредоточьтесь на том, чем вы увлечены и одержимы. Если рисование персонажей вызывает у вас возбуждение по утрам и у вас чешутся пальцы начать что-то делать, то делайте персонажей и только персонажей! Вы собираетесь потратить тысячи часов, чтобы стать хорошим художником по персонажам, мы всего лишь люди, и мы можем освоить только одну вещь, это как профессиональный футболист, я не думаю, что он проводит 33% своего времени, играя в бейсбол, 33 % на игре в гольф и 34% на футболе. Нет, он проводит 100% своего времени, играя в футбол, и именно поэтому он так хорош в этом. Все дело в часах работы. Вы встретите много препятствий на своем пути, единственное, что будет вас удерживать, — это ваша страсть.

Матс Мирвольд, 3D-художник

Интервью провел Кирилл Токарев

Учебное пособие: Рисование стилизованных текстур — блог сообщества Sketchfab

Узнайте, как создавать стилизованные, нарисованные вручную текстуры для ваших 3D-моделей в Photoshop с помощью этого руководства сообщества Sketchfab. участница Эмили Стабелл. Она опубликовала этот урок в своем собственном блоге и разрешила нам переиздать его. Спасибо Эмили! 🙂

Об этом уроке

Этот урок проведет вас через мой процесс создания стилизованных и живописных текстур с помощью Photoshop. Кроме того, мы кратко рассмотрим, как создать мультяшную отделку в Maya, используя быстрые и простые методы для быстрых результатов. Я объясню свой рабочий процесс и важность простоты при текстурировании, а также поделюсь своими ресурсами, чтобы вы могли сами поэкспериментировать с методами.

Блокирование в Maya

Поскольку рисовать без модели для рисования довольно сложно, первым шагом будет блокирование модели с помощью Maya. Некоторые люди могут предпочесть ZBrush, который, безусловно, более эффективен для сложных органических форм, но для чего-то столь же простого я лично предпочитаю использовать Maya, потому что это упрощает мой рабочий процесс. Эта конкретная модель была создана как часть более крупной иллюстрации, поэтому она была смоделирована перед плоскостью изображения, чтобы максимально походить на концепт. На самом раннем этапе я проверяю свой силуэт, нажимая опцию просмотра «использовать плоское освещение». Как только я буду доволен своей моделью, я обработаю ее UV в Maya и разверну с помощью инструментов «Unfold 3D» и «Smooth UV».

Настройка рабочего процесса

Когда я доволен своим UV, я делаю снимок UV, импортирую его в Photoshop и начинаю настраивать рабочий процесс. Я создаю маску для всех UV-оболочек и группирую их в соответствующие подгруппы, в данном случае: птица, крыло, бедра и ноги. Этот подход позволит вам создавать обтравочные маски для каждой группы, поэтому вам не придется беспокоиться о «раскрашивании линий». Еще одна важная вещь, которую следует отметить, это всегда делать ваши маски на пару пикселей шире, чем фактическая оболочка UV, иначе вы можете столкнуться с проблемами, когда Maya отображает черные края вокруг изображений.

Блокировка цвета, растушевка и детализация

Вот когда начинается самое интересное — рисование! Я начинаю с применения плоского базового цвета ко всему с помощью инструмента Paint Bucket Tool. Затем я быстро нарисовал грубые градиенты и цветовую вибрацию, используя кисть «Awesome Paint 1» (она действительно потрясающая). На этом этапе вам вообще не стоит беспокоиться о точности, поскольку речь идет просто о применении приятных градиентов и смелых цветов. Когда у вас получится что-то прилично выглядящее, пришло время переключиться на инструмент «Палец», используя кисть «Палец-блендер». Эта кисть оптимизирована для этого инструмента, поэтому у вас не будет никаких задержек, с которыми вы обычно сталкиваетесь при использовании пятен. Кроме того, он оставит немного текстуры, создавая приятный живописный эффект. С этого момента это процесс между рисованием и смазыванием, пока вы не будете удовлетворены. Обратите внимание, что вы хотите, чтобы все слои, на которых вы рисуете, были «обрезаны» по маске в нижней части вашей группы. Это сделает вашу структуру простой и удобной для навигации.

Для этих ассетов я решил рисовать со всеми светом и тенью. Причина в том, что это избавило меня от беспокойства по поводу настройки освещения, расширенных настроек рендеринга и карт смещения/нормалей. Когда вы рисуете информацию об освещении, вам придется беспокоиться только о силуэте вашей модели, так как все остальное можно «обмануть» в текстурах. Кроме того, это создает приятный вид ручной работы, который я нахожу довольно очаровательным. Все детали и весь свет были нарисованы одним и тем же методом, переходя между «Awesome Paint 1» и «Smudge Blender».

Добавление штриховки

Когда вы довольны общей текстурой, пришло время добавить вишенку на торт: линейку. Это сделает взгляд популярным и оживит. Чтобы создать линейный рисунок, я использую кисть «Чернила», которая имеет приятное текстурное ощущение и динамичный штрих. С помощью него невозможно провести прямую линию, а это именно то, что нам нужно. Я рисую только внутренние линии, так как мы применим контур в качестве нашего последнего шага. Для этого проекта у меня была концепция, которой я следовал, поэтому мне было легко разместить линейный рисунок. Однако, если вы работаете над проектом, я бы посоветовал вам размещать линии там, где есть явное изменение цвета, где есть отбрасываемая тень или где есть резкий разрыв модели; в общем, все хорошо видимые края — хорошее место для начала.

Время для контуров

Добавление окончательного контура — это простой шаг. Просто перейдите в «Рендеринг» в раскрывающемся меню, выберите свою модель и перейдите в Toon > Assign Outline > Add New Toon Outline

В редакторе атрибутов вы найдете несколько полезных ползунков для настройки внешнего вида. Первое, что я делаю, это меняю линии профиля с Paint Effects на Offset Mesh, так как это позволит вам сгладить контур. Теперь вы можете зайти в свой Outliner и выбрать группу ProfileMeshes и либо разделить ее, либо просто нажать 3 для плавного предварительного просмотра. Теперь вы хотите настроить ширину линии в общих атрибутах Toon. Здесь вам придется поиграть, чтобы получить нужную толщину.

Далее вам нужно решить, нужны ли вам линии сгиба и пересечения, которые также можно найти в общих атрибутах Toon. Я предпочитаю держаться подальше от линий сгиба, так как они часто создают уродливые артефакты; Линии пересечения иногда полезны, но это очень зависит от случая. Последнее, что нужно сделать, это выбрать цвет контура. Вы делаете это, развернув меню «Линии профиля» под меню «Общие атрибуты мультяшек» и установив цвет своего профиля. Если вы выбрали «Линии пересечения» или «Линии сгиба», их цвет также можно изменить в соответствующих меню.

Окончательный результат

http://sketchfab. com/models/3510ab52337941f3a737fb6cf64786f2
 

Вот и все! Надеюсь, теперь у вас должна остаться классно выглядящая 3D-модель с красивыми мультяшными текстурами. Если вам интересно попробовать кисти, упомянутые в этом уроке, вы можете скачать мой набор кистей, нажав ЗДЕСЬ.

Это руководство воспроизведено с разрешения. Найдите оригинал на http://emiliestabell.com/portfolio/painting-stylized-textures/. © 2015 Эмили Стабелл.

Как рисовать кожу (Основные советы по стилизации и реализму) «Учебники/Советы №3» от shilo

шило

Привет! Это урок о том, как рисовать много разных типов кожи, хотя это не будет пошаговым описанием, а скорее базовыми советами, чтобы вы могли рисовать хорошо выглядящий реализм, стилизованный рисунок, текстурированную кожу. или гладкая кожа. В этом учебнике:

Реализм:
1) текстурированная кожа
2) гладкая кожа

Стилизованный:
1) светлая кожа до средних тонов
2) фантазийные цвета для кожи (с синим)

И для обеих этих категорий я поделюсь:
1) значение кистей и как ими управлять
2) другие полезные инструменты
3) как правильно пользоваться аэрографом
4) как плавно копировать и вставлять

Отказ от ответственности:
вы можете заметить две разные подписи для частей, но я обещаю, что это все мои работы! У меня просто другое имя пользователя и подпись в Интернете для моих реалистичных картин (большинство из которых являются фотоэтюдами или картинами, основанными на фотографиях, большую часть которых я изменил) и стилизованных иллюстраций.

Начнем с 1) Реализма и а) текстурированной кожи.

Это относится не к естественной текстуре кожи, а к тому, что вы можете рисовать кожу без необходимости смешивать ее и делать ее полностью гладкой.

Здесь важным аспектом является выбор кисти с хорошей непрозрачностью, или вы можете найти понравившуюся кисть и уменьшить или повысить непрозрачность по своему усмотрению. Пока есть основные формы лица и тела, не так важно все смешать. Непрозрачность создаст иллюзию для глаз, так что в целом она по-прежнему выглядит как кожа, хотя я не делал никакого смешивания для этого рисунка.

Что касается типа кисти, если вы хотите получить текстурированный вид, возможно, лучше поискать кисть, которая не имеет смешанных краев, а имеет жесткие края, но я рисовал всеми типами кистей, и все может быть б/у, правда.

Хорошее понимание структуры лица играет важную роль в этом типе рисования, тем более, что вы упрощаете структуры.

Обратите также внимание на переход от лица к шее. Области, которые менее важны, могут быть более расплывчатыми и грубыми, а области, которые являются фокусом, могут иметь более определенные цвета. Хотя это грубо, вполне возможно добавить достаточно деталей, чтобы кожа выглядела очень гладкой (подумайте о пуантилизм).

Далее имеем 1) Реализм и б) гладкую кожу.

В этом случае гораздо важнее тип используемой кисти. Хотя вполне возможно использовать любую кисть и получить хороший конечный результат, мне было намного проще найти кисть, которую я предпочитаю. Я знаю, что многие художники отмахнутся от вопросов типа «какой кистью вы пользуетесь» и скажут, что хорошие художники не зависят от своих инструментов или что хорошие инструменты не делают художника, но это определенно может помочь.

Тип кисти, который вам следует искать, имеет несколько качеств:
1) хорошая непрозрачность; не слишком непрозрачный, поскольку вы хотите, чтобы кожа сливалась, и не слишком прозрачный, иначе вы будете напрягаться, чтобы нанести цвет на холст, или чрезмерно компенсировать, используя очень сильное давление пера.
2) хорошая способность к растушевке без чрезмерного смазывания; если вы кистью просто размазываете цвет, а не создаете его, вам может быть трудно заставить цвета оставаться там, где вы хотите, и контролировать их, что в конечном итоге приведет к грязной картине.

Вы также можете смешивать разные кисти! Я объясню их использование на следующем шаге, так как это относится к технике.

Для губ, как вы можете видеть здесь, принято немного смешивать обведенную часть губы с кожей, где вы можете переключать кисти. Основной концепцией здесь является смешивание мягких и жестких краев на вашей картине.

Хотя я обычно предостерегаю от использования аэрографа экономно или осторожно столько раз, неправильное использование аэрографа может привести к тому, что рисунок будет выглядеть перемешанным (частая ошибка при разработке контроля), вы можете использовать его здесь или в других местах небольшими шагами, чтобы смешать твердый край губы. Вы также можете использовать любой другой инструмент для смешивания, но аэрограф — это самый простой или легкодоступный инструмент.

Еще одна важная вещь, о которой следует помнить при рисовании кожи, — это подумать о том, какие края должны быть мягкими, а какие — жесткими.

На изображении выше вы можете видеть, как были сохранены резкие края света. Когда вы смешиваете светлые и темные области, старайтесь не использовать слишком много промежуточных тонов между ними. С хорошей непрозрачной кистью, которая имеет хорошее смешивание, вы можете легко использовать даже один мазок и позволить ему естественно смешаться. Использование слишком большого количества полутонов может привести к грязному рисунку или растянуть область и сделать ее немного неуправляемой. Вы часто хотите контролировать цвет и свет, которые рисуете.

Вещи, которые можно оставить мягкими, — это естественные изменения оттенка и насыщенности кожи (неравномерная пигментация кожи), тени от удаленных источников света и т. д. картина должна иметь четкие края, а мягкие — это значение или важность области на вашей картине. Общие области с более высокой важностью должны быть чище, в то время как менее важные области могут быть мягче. Однако это не обязательный шаг, в зависимости от того, какой эффект вы хотите получить. Для чистых аниме-иллюстраций может быть не идеально оставлять размытые части картины, так что это действительно зависит от стиля и намерения.

Как же тогда использовать аэрограф? Стоит ли избегать этого?

Определенно нет! Аэрограф может быть очень замечательным инструментом для чего угодно — я даже знаю художников, которые используют аэрограф для линейного рисования!

Вот кусок, который я почти полностью нарисовал с помощью аэрографа. К сожалению, его пришлось обрезать в целях защиты авторских прав, но вы определенно можете видеть, что можно использовать аэрограф для создания очень красивой текстуры кожи.

Так что же важно при рисовании аэрографом? —> контроль размера!

Чем больше размер вашей кисти, тем больше расплывается цвет, а чем меньше, тем больше плотность. Когда ваша кисть слишком велика, цвет случайно попадет в области, для которых он не предназначен, и хотя поначалу это может быть незаметно, чем больше вы работаете над произведением, тем более очевидным это становится. Итак, здесь вы можете оставить более общие участки кожи мягкими, а затем уменьшить размер кисти, чтобы получить больше контроля над областями, которые вы рисуете.

Еще одна вещь, которую вы можете сделать, чтобы контролировать область, которую вы рисуете, — это использовать инструмент лассо, чтобы предотвратить попадание цвета в нежелательные области, но позже может потребоваться растушевка жесткого края.

И последний совет для реалистичной живописи — используйте мягкий ластик вместо жесткого! Жесткий ластик создаст очень резкие края, которые нужно смешать с остальной частью рисунка, но мягкий ластик может создать очень естественные края.

Даже мягкий ластик очень маленького размера будет создавать края, отличные от жестких ластиков, поэтому вы все равно можете использовать мягкий ластик для подробных или мелких деталей, которые необходимо стереть.

Это начало советов по стилизованному искусству!
Поскольку он здесь (мой oc выше <3), я дам общий совет, упомянутый в предыдущем разделе, который, несомненно, пригодится и здесь.

В этой работе я использовал несколько кистей. Всегда важно думать о своих жестких краях по сравнению с другими. мягкие края, и особенно на его прессе и (аудитории) правом бицепсе, вы можете увидеть разницу между твердым и мягким.

Этого можно добиться с помощью кисти для рисования, но я заметил одну вещь: кисти для рисования имеют тенденцию смешивать цвета, и если вы не хотите, чтобы ваши цвета смешивались, а хотите только смягчить область, аэрограф может быть хорошим средством. выбор. Аэрограф не смешивает и не размазывает цвета, а только накладывает их сверху, поэтому он может смягчить края, ничего не размазывая.

Чтобы придать коже трехмерный вид, важно также учитывать трехмерную структуру. Вместо того, чтобы давать тень только областям, не обращенным к свету, или областям, где свет блокируется другим объектом, вы можете создать большую иллюзию глубины, закруглив противоположную сторону объекта.

Здесь вы можете видеть, что верхняя часть обращена к свету, но вы все равно должны немного заштриховать ее, чтобы она казалась круглой.

А что насчет кожи среднего тона? Или более темная кожа?

Хотя у меня не так много опыта работы с очень-очень темной кожей, всегда нужно рисовать персонажей с более темной кожей или персонажей, которые вышли из дома и загорели, верно?

Разница между светлой и темной кожей невелика, но есть некоторые моменты, на которые стоит обратить внимание.

При рисовании светлой кожи вы можете взять палитру цветов и посмотреть на «насыщенность» (насколько близко или далеко от «черно-белого» или насколько близко или далеко от отсутствия цвета) цвета . Вы обнаружите, что со светлой кожей цвет легко сделать перенасыщенным, поэтому его часто рисуют очень ненасыщенными цветами. На самом деле, опытные художники могут использовать окружающие цвета, чтобы очень ненасыщенные цвета выглядели очень живыми!

Для более темной кожи рекомендуется немного больше насыщать цвет, чем для светлой кожи. Отсутствие насыщенности более очевидно на более темной коже, и если вы используете ту же насыщенность, что и для более светлой кожи, это может привести к тому, что ваш персонаж будет выглядеть серым и мертвым. Однако, если вы рисуете зомби или нежить, вы также можете сделать это намеренно!

Более темная кожа, как и более светлая, также имеет разные оттенки. В зависимости от персонажа вы можете сделать его оттенок более желтым или красным, что является основным оттенком, используемым при рисовании человеческой кожи. Изменение оттенка — это всего лишь изменение «оттенка» кожи: по сути, скольжение по цветовому кругу.

А персонажи с нереальным цветом кожи?

Затенение и основные принципы также остаются прежними, но снова следует обратить внимание на насыщенность. Даже при рисовании более темной кожи насыщенность (в зависимости от общего освещения произведения, хотя здесь мы можем сказать, что имеем в виду более нейтральное освещение, когда на цвет кожи не слишком влияет цветной свет) обычно остается более высокой. ненасыщенная сторона.

Это означает, что при выборе других цветов для кожи, таких как синий, вы можете рассмотреть возможность сохранения цвета относительно ненасыщенным для более естественного тона кожи. Слишком насыщенные цвета могут выглядеть кричащими или раздражающими.

Однако это не «нет»! Вы определенно можете использовать более насыщенные цвета, но они придадут коже другую текстуру и внешний вид. Поскольку персонаж, которого я нарисовал выше, был на 99% гуманоидом, просто с другим цветом кожи, я сохранил основные принципы человеческой кожи, но у других пришельцев и видов могут быть другие текстуры кожи, которые хорошо смотрятся с более насыщенными цветами.

Последний совет для любого художественного стиля!

При вырезании и вставке мы часто замечаем, что очень очевидно, где изображение было перемещено, и жесткий край, а также пустое пространство за перемещенной областью. Я затемнил область над бровью персонажа, чтобы мы могли видеть этот эффект более четко.

Для начала, вместо вырезания и вставки, давайте скопируем и вставим. Таким образом, мы сможем избежать белого зазора, а также сможем позже проверить, нравится ли нам выравнивание, поскольку у нас будут разные слои.

Затем с помощью мягкого ластика сотрите жесткие края. Это придаст кромке гораздо более естественный вид, и дальше рисовать будет намного легче.

Это совет, который я узнал от замечательного онлайн-художника Coax Illust на Youtube (콕스튜디오). У них есть еще много видео и отличных советов по рисованию! Пожалуйста, проверьте их.

Наконец, последний инструмент, о котором я хочу упомянуть!

Инструмент «Пластика»!

Хотя его нет в составе Clip Studio, вы определенно можете найти его бесплатно в Assets. Инструмент «Пластика» очень полезен для корректировки областей, когда вы не хотите вырезать область и вставлять ее, или когда вам нужно небольшое изменение.