Модная живопись: 22 современных шедевра маслом – 10 современных художников, известных всему миру

22 современных шедевра маслом

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Европейские художники начали использовать масляную краску в XV веке, и с тех самых пор именно с ее помощью создавались самые знаменитые картины всех времен. Но и в наши высокотехнологичные дни масло по-прежнему сохраняет очарование и загадку, а художники продолжают изобретать новые техники, разрывая шаблоны в клочья и раздвигая границы современнного искусства.

AdMe.ru выбрал работы, которые восхитили нас и заставили вспомнить о том, что прекрасное может рождаться в любую эпоху.

22 современных шедевра маслом

22 современных шедевра маслом

Обладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копанья (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.

22 современных шедевра маслом

22 современных шедевра маслом

Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.

22 современных шедевра маслом

22 современных шедевра маслом

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья.

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Wojciech_Babski_06 Wojciech_Babski_09 Wojciech_Babski_10 Wojciech_Babski_12 Wojciech_Babski_07

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Warren_Chang_12 Warren_Chang_19
Warren_Chang_14 Warren_Chang_11 Warren_Chang_01 Warren_Chang_04

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Aurelio_ Bruni_02 Aurelio_ Bruni_14 Aurelio_ Bruni_01 Aurelio_ Bruni_08 Aurelio_ Bruni_09

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alekasander_Balos_08 Alekasander_Balos_02 Alekasander_Balos_07 Alekasander_Balos_10 Alekasander_Balos_16

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Alyssa_Monks_02 Alyssa_Monks_09 Alyssa_Monks_03 Alyssa_Monks_05 Alyssa_Monks_15

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Antonio_Finelli_16 Antonio_Finelli_05 Antonio_Finelli_08 Antonio_Finelli_04 Antonio_Finelli_11

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Flaminia_Carloni_07 Flaminia_Carloni_09 Flaminia_Carloni_12 Flaminia_Carloni_18 Flaminia_Carloni_02

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  Denis_Chernov_10 Denis_Chernov_12 Denis_Chernov_16 Denis_Chernov_01 Denis_Chernov_03

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Iruvan_Karunakaran_01 Iruvan_Karunakaran_06 Iruvan_Karunakaran_03 Iruvan_Karunakaran_05 Iruvan_Karunakaran_08

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

9 современных художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

 

Felipe Pantone


  Сайт  |  Instagram

 

 

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется – Dynamic Phenomena.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center (Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.

 

 

 

Vhils


  Сайт   |  Instagram

 

 

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.

 

 

 

JonOne


  Сайт  |  Instagram

 

 

Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску. Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж. 

В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку. Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках. 

Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.

 

 

 

Scott Campbell


  Сайт

 

 

Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям. Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер. 

Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали. 

Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней. 

 

 

Ryan McGinness


  Сайт  |  Instagram

 

 

Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса. Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.

Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта. Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин. Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.

 

 

Shepard Fairey


  Сайт  |  Instagram

 

 

Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.

Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.

В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду. Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам. 

Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе. 

Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey. 

 

 

Os Gemeos


  Сайт  |  Instagram  |  Facebook

 

 

Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира. 
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать. Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.

Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные. Наслаждайся.

 

 

 

Futura


  Instagram

 

 

Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.

Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий). Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего. 

Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.

 

 

Kaws
 

 Instagram

 

 

Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).

Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте. В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии  MTV Video Music Awards.

 

 

 

Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?

 

 

Фото: официальные страницы художников

ООО «Дигеста Диджитал»
УНП ‎192317837

Лучшая Международная Галерея Современных Художников!!!

2000 г. / 53x61 см

18 000 Руб

2019 г. / 50x50 см

41 000 Руб

2019 г. / 100x70 см

86 000 Руб

2019 г. / 70x60 см

33 500 Руб

2019 г. / 60x90 см

41 000 Руб

2019 г. / 50x60 см

36 000 Руб

2019 г. / 60x120 см

65 000 Руб

2020 г. / 75x50 см

300 Руб

2019 г. / 30x40 см

23 500 Руб

2019 г. / 30x40 см

26 000 Руб

2019 г. / 30x40 см

23 500 Руб

2019 г. / 30x40 см

23 500 Руб

2019 г. / 60x90 см

46 500 Руб

2019 г. / 60x90 см

43 500 Руб

2019 г. / 60x90 см

41 000 Руб

2019 г. / 60x90 см

53 500 Руб

2020 г. / 60x50 см

Договорная

2019 г. / 50x50 см

15 000 Руб

2020 г. / 40x50 см

25 000 Руб

2020 г. / 50x40 см

10 000 Руб

2020 г. / 50x40 см

10 000 Руб

2020 г. / 29x19 см

Договорная

2020 г. / 26x19 см

Договорная

2017 г. / 50x40 см

7 000 Руб

2020 г. / 55x45 см

3 700 Руб

2019 г. / 55x60 см

3 800 Руб

2019 г. / 40x75 см

5 900 Руб

2019 г. / 70x60 см

7 800 Руб

2019 г. / 60x45 см

3 800 Руб

2019 г. / 45x35 см

2 800 Руб

2019 г. / 48x34 см

2 200 Руб

2019 г. / 60x40 см

2 900 Руб

2019 г. / 30x40 см

Договорная

2019 г. / 25x30 см

Договорная

2019 г. / 35x45 см

Договорная

2019 г. / 24x30 см

Договорная

2019 г. / 40x30 см

Договорная

2019 г. / 30x40 см

Договорная

2019 г. / 25x35 см

Договорная

2019 г. / 24x30 см

Договорная

2020 г. / 70x80 см

345 000 Руб

2019 г. / 50x50 см

Договорная

2019 г. / 70x80 см

345 000 Руб

2019 г. / 60x30 см

Договорная

2019 г. / 70x80 см

345 000 Руб

2019 г. / 30x30 см

Договорная

2019 г. / 50x70 см

Договорная

2020 г. / 30x40 см

1 300 Руб

2020 г. / 30x40 см

1 300 Руб

2018 г. / 70x50 см

Договорная

2020 г. / 70x105 см

2 500 Евро

2017 г. / 40x40 см

Договорная

2017 г. / 30x25 см

Договорная

2020 г. / 70x45 см

17 000 Руб

2019 г. / 100x100 см

58 500 Руб

 

 
! Галерея современных художников !

Галерея современных художников представляет лучших художников
Галерея современных художников бесплатно размещает в интернете работы художников
Галерея современных художников привлекает к работе в своей "творческой мастерской Новый Стиль" лучших художников
Галерея современных художников бесплатно размещает в интернете работы художников
Галерея современных художников представляет лучших художников

! Галерея современных художников !
"творческая мастерская Новый Стиль"

Галерея современных художников «Новый стиль» представляет лучшую живопись , лучшие картины , лучшие скульптуры , лучшие работы декоративно-прикладного искусства современных художников.
Современные художники это мастера и профессионалы высокого класса!
Современная жизнь, в которой живут современные художники это современное развитие современные открытия современные таланты!
Современные художники - художники имеющие первоклассное профессиональное художественное образование!
Современные художники имеют отличные знания по истории искусства и профессиональному мастерству!
Современные художники прекрасно владеют всеми секретами классического искусства и создают свои новые секреты художественного творчества и мастерства.
Галерея современных художников дает возможность современным художникам бесплатно размещать и выставлять свои работы в глобальной мировой сети интернета.
Галерея современных художников предоставляет уникальные возможности для ознакомления с работами современных художников любителям изобразительного искусства и живописи.
Галерея современных художников дает возможность узнать о новых работах современных художников, узнать подробности жизни и творчества современных художников, найти новые удивительные произведения современных художников.
Галерея современных художников дает возможность коллекционерам, любителям живописи и скульптуры - найти и пробрести для себя уникальные работы современных художников.
Галерея современных художников это удивительный мир новых творческих идей современных художников!

RU - Галерея современных художников «Новый стиль»
EN - Best gallery of contemporary artists (modern artists )!
FR - Meilleur galerie d'artistes contemporains (artistes modernes )!

 


Талантливые художники создающие необычайные картины

Мир полон творческих людей и с каждым днём появляются сотни новых картин, пишутся новые песни. Конечно, в мире искусства, не обходится без оплошностей, но есть такие шедевры настоящих мастеров, которые просто захватывают дух! Их работы мы вам сегодня и покажем.

 

Дополненная карандашом реальность

 

Фотохудожник Бен Хейн (Ben Heine) продолжил работу над своим проектом, который представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии. Сначала он делает от руки набросок карандашом на бумаге. Затем фотографирует рисунок на фоне реального объекта и дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство! 

 

Иллюстрации Алисы Макаровой

 

 

Алиса Макарова — талантливая художница из Санкт-Петербурга. В век, когда большинство изображений создается при помощи компьютера, интерес нашей соотечественницы к традиционным формам живописи вызывает уважение. Один из последних ее проектов — триптих «Vulpes Vulpes», на котором можно увидеть очаровательных огненно-рыжих лисиц. Красота, да и только!

 

Изящная гравировка

 

 

Художники по дереву Поль Роден и Валерия Лу объявили о создании новой гравюры под названием «Моль». Кропотливая работа и изящное мастерство авторов не оставляют равнодушными даже самых упертых скептиков. Гравюра будет представлена на предстоящей выставке в Бруклине 7 ноября.

 

Рисунки шариковой ручкой

 

Наверное, каждый хоть раз на лекциях вместо того, чтобы записывать слова преподавателя, рисовал в тетрадке различные фигурки. Была ли художница Сара Эстеж (Sarah Esteje) в числе таких студентов неизвестно. Но то, что ее рисунки шариковой ручкой впечатляют — неоспоримый факт! Сара просто доказала, что совсем не нужно иметь каких-то особенных материалов для того, чтобы создать что-то действительно интересное.

 

Сюрреалистические миры Артема Чебохи

 

 

Российский художник Артем Чебоха создает невероятные миры, где существует лишь море, небо и бесконечная гармония. Для своих новых работ художник выбрал очень поэтичные образы — странник, путешествующий по неизведанным местам и киты, кружащие в облаках-волнах, — полет фантазии у этого мастера просто безграничный.

 

Точечные портреты

 

 

Кто-то задумывается над техникой мазка, кто-то над контрастом света и тени, ну а художник Пабло Руис Хурадо (Pablo Jurado Ruiz) рисует точками! Художник развил идеи жанра пуантилизма, присущий еще авторам эпохи неоимпрессионизма, и создал свой собственный стиль, где детали решают абсолютно все. Тысячи касаний к бумаге в результате создают реалистичные портреты, которые так и хочется разглядывать.

 

Картины из дискет

 

 

В эпоху, когда многие вещи и технологии устаревают со скоростью проходящего мимо экспресса, довольно часто приходится избавляться от ненужного хлама. Однако, как оказалось, не все так печально, и из старых предметов можно сделать очень даже современное произведение искусства. Английский художник Ник Гентри (Nick Gentry) собрал у друзей квадратные дискеты, взял баночку краски, да и нарисовал на них потрясающие портреты. Получилось очень красиво!

 

На грани реализма и сюрреализма

 

 

Берлинский художник Хардинг Мейер (Harding Meyer) очень любит рисовать портреты, но дабы не стать очередным гиперреалистом, он решил поэкспериментировать и создал серию портретов на грани реальности и сюрреализма. Эти работы позволяют взглянуть на человеческое лицо как на нечто большее, чем просто «сухой портрет», выделяя его основу — образ. В результате таких поисков работы Хардинга заметила Галерея современного искусства в Мюнхене, которая будет выставлять работы художника уже 7 ноября.

 

Картины пальцем на Ipad

 

 

Многие современные художники экспериментируют с материалами для создания картин, однако японец Сейкоу Ямаока (Seikou Yamaoka) переплюнул их всех, взяв в качестве полотна свой Ipad. Он просто установил приложение ArtStudio и принялся не просто рисовать, а воспроизводить самые известные шедевры искусства. Причем делает он это не какими-то специальными кистями, а пальцем, что вызывает восхищение даже у людей, далеких от мира искусства.

 

«Деревянная» живопись

 

 

Используя все, от чернил до чая, художница по дереву Мэнди Цзун (Mandy Tsung) создала по-настоящему завораживающие картины, наполненные страстью и энергией. В качестве основной тематики она выбрала загадочный образ женщины и ее положение в современном мире.

 

Гиперреалист

 

Каждый раз, когда вы находите работы художников-гиперреалистов, то невольно задаете себе вопрос: «Зачем они всем этим занимаются?» У каждого из них свой ответ на это и порою довольно противоречивая философия. Но художник Дино Томик говорит прямо: «Я просто очень люблю свою семью». День и ночь он рисовал и пытался не упустить ни одной детали из портрета своих родных. На один такой рисунок у него уходило как минимум 70 часов работы. Говорить о том, что родители были в восторге, значит ничего не сказать.

 

Портреты из солдатиков

 

18 октября в лондонской галерее Opera Gallery стартовала выставка работ Джо Блэка (Joe Black) под названием «Ways of Seeing». Для создания своих картин художник использовал не только краски, но и самые необычные материалы — болты, нагрудные значки и многое другое. Однако основным материалом послужили....игрушечные солдатики! Самыми интересными экспонатами экспозиции можно назвать портреты Барака Обамы, Маргарет Тэтчер и Мао Цзэдуна.

 

Чувственные портреты маслом

 

Корейская художница Ли Рим (Lee Rim) еще пару дней назад была не так известна, однако ее новые картины «Девушки в краске» вызвали широкий отклик и резонанс в мире искусства. Ли говорит: «Главной темой моей работы являются человеческие эмоции и психологическое состояние. Даже при том, что мы живем в различных средах, в определенный момент времени мы чувствуем то же самое, когда мы смотрим на объект.» Возможно именно поэтому, смотря на ее работы, хочется понять эту девушку и проникнуться ее мыслями.

7 современных художников, воспевающих женскую красоту

Во все времена художников восхищали, вдохновляли и вели к творческим подвигам прекрасные женщины. Именно благодаря им великие мастера каждой эпохи создавали свои шедевры. И сегодня по-прежнему одной из главных тем в живописи остается женская красота и чувственность.

 

Сонные нимфы Сергея Маршенникова

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 1

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 2

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 3

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника Наталья.

Лирическое настроение Висенте Ромеро

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 4

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 5

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 6

Висенте Ромеро Редондо (Vicente Romero Redondo) родился в Мадриде в 1956 году. С самого детства мечтал заниматься живописью. В какой-то момент посвятил свою деятельность скульптуре, но однажды осознал, что сможет самовыразиться только в живописи. В своих романтических портретах Висенте Ромеро удается идеально сочетать реализм и свободное использование цвета.

Страстные силуэты Андре Кона

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 7

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 8

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 9

Страсть, романтика, танец, тайна, загадка, всплеск чувств, роскошные женщины - все это Андре Кон (Andre Kohn). Он родился в Волгограде в 1972 году. В 1984 году он со своей семьей переехал в Москву, в дальнейшем поступил в Московский университет и в 1992-м эмигрировал в США. Его работы быстро стали заметны, многие картины находятся в частных, корпоративных и музейных коллекциях по всему миру.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 10

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 11

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 12

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс.

Мечты о море Михаила и Инессы Гармаш

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 13

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 14

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 15

Довольно редко встречаются среди художников семейные пары. Однако Михаил и Инесса Гармаш - тот случай, когда семейный союз превратился в продуктивный творческий тандем. На картинах художники часто изображают свою дочь. Пара работает не только с холстом, создавая также работы и в технике витража и мозаики.

Южный полдень Пино Даени

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 16

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 17

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 18

Пино Даени (Pino Daeni) родился 8 ноября 1939 года в Италии, Бари. Пино учился в Художественном институте города Бари, а в 1960 году поступил в миланскую Академию Брера. Он оттачивал свое мастерство, рисуя обнаженные модели и бесчисленные этюды с человеческими фигурами. Большое влияние на формирование его художественного стиля оказали прерафаэлиты. Работы Пино - это гимн чистой женственности, чувственной, нежной и бесконечно прекрасной.

Аргентинские страсти и задумчивость Фабиана Переза

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 19 2

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 19 1

hudozhniki vospevayuschie zhenskuyu krasotu 19 3

Фабиана Переза (Fabian Perez) вдохновляет всякое проявление красоты. Он признаёт, что основное влияние на его творчество оказал отец, у которого было несколько ночных клубов. Атмосфера чувственности и романтизма, которая некогда впечатлила Фабиана, неизменно овеивает его женские портреты и клубные сцены по сей день.

Актуальные тенденции живописи современности и модные художники

Из всех видов искусства живопись с полным на то основанием можно назвать самым активно развивающимся направлением. Авторское полотно на стене может не только сделать интерьер оригинальным, но и стать центральной точкой, притягивая внимание окружающих и создавая уникальную атмосферу. Если учесть, что современные люди много внимания уделяют вопросам создания неповторимого интерьера, то становится объяснимым высокий спрос на картины, наблюдающийся в настоящий момент.

Среди множества течений современной живописи наиболее активно развивающимися являются:

  • концептуальное искусство и минимализм;
  • импрессионизм, романтизм и классическое направление.

Своим полетом фантазии современные живописцы в буквальном смысле слова поражают, в чем можно убедиться, посетив выставки. Чтобы убедиться в популярности полотен, которые создают современные художники, достаточно прочесть отзывы о картинах. Среди актуальных тенденций: картины маслом, роспись стен, фотореалистичные работы. Свои полотна представляют молодые художники, лишь недавно заявившие о себе, и прославленные живописцы, стоимость работ которых исчисляется не одним десятком-сотней тысяч долларов.

Интерес ценителей художественного искусства и покупателей притягивают произведения, выполненные в направлениях:

  • фотореализм;
  • минимализм;
  • поп-живопись.

Актуальные тенденции

Искусство настенной живописи в настоящее время можно назвать одним из самых востребованных. Искусная роспись потолков и стен – отличный способ благоустроить практически любое помещение: жилое, развлекательное. Художник может нанести рисунок на любую поверхность в разной плоскости. Настенная живопись дает возможность устранить любые дефекты помещений, визуально увеличить пространство, изменить уровень освещенности. В зависимости от пожеланий заказчика на стене могут быть изображены портреты, натюрморты, абстракция, фэнтези, пейзажи и пр.

Интерес у ценителей искусства вызывает живопись с использованием необычных «красок»: кофе, молоко, ягодные соки и … пиво. Кайл Байс, художник из Чикаго, стал создателем нового направления, назвав его пивной живописью. Картины пивом пользуются огромной популярностью, его работы покупают знаменитости и богатейшие люди планеты.

Модные художники

Среди художников, чьи работы пользуются у ценителей живописи неизменным интересом, одним из самых востребованных является Такаси Мураками, ставший легендой современного искусства. Особенность его работ в гармоничном сочетании традиционной японской живописи и актуальных направлений современности. В 2008 году Такаси Мураками вошел в список 100 наиболее влиятельных людей планеты.

Также интерес вызывают откровенные, подчас жестокие и шокирующие работы фламандского художника Яна Фабера. Он использует нетрадиционные материалы (синие чернила ручки БИК, кровь, лапки и панцири жучков). Картины художника соединяют человеческий мир и мир животных, никого не оставляя равнодушным.