Дизайн как искусство [ARCHiPEOPLE]

Искусство и дизайн — два неразрывно связанных понятия. Роль дизайна часто недооценивают, считая единственной его задачей излишнее украшательство, а некоторые не признают дизайнеров творцами, называя их «всего лишь декораторами». Однако это мнение ошибочно. Дизайн – одна из высших форм человеческого творчества, потому что он служит настоящим нуждам настоящих людей. Дизайн всегда функционален, причем функцией может быть даже эмоция, которую он вызывает. Есть некоторые объекты, которым необязательно быть функциональными или экономичными, но идея, заложенная в них, настолько современная и новаторская, так хорошо предугадывает тенденции будущего,  что заставляет людей пользоваться ими, а также думать, познавать и творить.

С середины ХХ века архитекторы и дизайнеры всего мира стали уделять большое внимание промышленному дизайну. Имена некоторых из них благодаря этому навеки вписаны в историю искусства. Эти люди не только внесли свой вклад в развитие современного промышленного дизайна, но и подарили миру предметы, которые мы до сих пор используем в повседневной жизни.

Представляем вам шестерых творцов, заставивших нас серьезно относиться к дизайну.  

26.02.2016, 16:52 | Автор: Contract Interiors

---

---

Акилле Кастильони

www.ilfattoquotidiano.it

Акилле Кастильони – итальянский дизайнер родом из Милана (1918 – 2002). В 1944 году он вместе с двумя братьями основал в Милане собственное конструкторское бюро. За свою долгую карьеру он создал более 150 объектов, включая лампы, стулья, книжные стеллажи, фотоаппараты, телефоны, пылесосы, сиденья для автомобилей и другие. Предметы, созданные им, прочно вошли в повседневную жизнь, и каждый из нас сталкивался с его творениями, к сожалению, не зная имени творца. В работах Кастильони удивительно удачно соединились функциональность и оригинальный дизайн. Одним из любимых занятий Акилле было давать привычным предметам новую жизнь, не меняя кардинально их внешний вид. Яркий тому пример — столик Cumano (1977).

Дизайнер усовершенствовал классический кофейный столик, сделав его складным, а также добавил небольшое отверстие в столешнице для удобства переноски или для того, чтобы можно было повесить его на стену.

www.ilfattoquotidiano.it

Билл Стампф и Дон Чадвик

www.hermanmiller.co.uk

Билл Стампф (1936 – 2006) и Дон Чадвик (род. в 1936) – легендарные промышленные дизайнеры, которые сотрудничали с компанией Herman Miller c 1970 года и вывели её на принципиально новый уровень развития. Стампф был настоящим ценителем красивых и функциональных вещей, а Чадвик с самого детства увлекался дизайном мебели. Работая в творческом союзе, они создали рабочее кресло Aeron, совершившее настоящий переворот в эргономике. Стампф позже признавался, что хотел сделать самое эргономичное кресло, какое только можно себе представить. Независимые друг от друга спинка и сидение, полностью регулируемые подлокотники, широкая верхняя часть спинки, служащая хорошей опорой для плеч, и гибкая мембрана вместо привычной мягкой обивки сделали кресло Aeron сверхпопулярным в 1990-е годы.

Оно и по сей день считается классикой офисной мебели, в связи с чем даже заслужило место в постоянной экспозиции Нью-Йоркского Музея современного искусства.

www.hermanmiller.co.uk

Альберто Ливоре

www.lievorealtherrmolina.com

Альберто Ливоре родился в 1948 году в Буэнос-Айресе. После окончания архитектурного университета он переехал в Барселону, где в 1994 году основал дизайн-студию Lievore Altherr Molina вместе с промышленным дизайнером Мануэлем Молина и художницей и модельером Жаннет Альтер.

Студия специализируется на создании инновационной мебели и предметов интерьера. В поисках лучших материалов в Lievore Altherr Molina занимаются собственными разработками. Так, в 1994 году Ливоре представил миру изобретенный им материал, который получил название мадерон. Представляющий собой смесь скорлупы миндаля, а также натуральных и синтетических смол, мадерон обладает свойствами, позволяющими создавать мебель любой формы. Из него сделан запоминающийся своей простой формой стул Rothko, ставшей важным образцом испанского дизайна.

www.lievorealtherrmolina.com

Рон Арад

www.haaretz.com

Рон Арад, родившийся в 1951 году в Израиле, не уступает в гениальности уже названным дизайнерам. Отличительная черта его творчества – нестандартное использование материалов. Арад придаёт пластичность холодному листовому металлу, а мебель превращает в настоящее произведение искусства. Арада часто называют даже не дизайнером, а изобретателем, он постоянно находится в поиске необычных материалов и замысловатых форм. Апофеозом можно читать модульный диван из пены замысловатой формы Misfits, не поддающийся рациональному описанию. Сегодня Рон работает с цифровыми технологиями и трехмерными изображения, эксперименты с которыми он начал проводить одним из первых среди дизайнеров.

 

www. haaretz.com

Росс Лавгроув

www.surfacemag.com

Росс Лавгроув родился в 1958 году в Кардиффе (Великобритания). Свою первую работу в области промышленного дизайна он создал в 17 лет. Главной чертой работ Лавгроува является применение особых форм, будто бы созданных самой природой: линии плавные, свободно перетекающие в друг друга, нет и намека на вмешательство человека. Любовь Росса к природным формам породила целое направление в промышленном дизайне — биоформизм. Выбор этого направления был не случаен. Росс Лавгроув — активный защитник природы, который с юных лет интересовался экологией и защитой окружающей среды. Сегодня дизайнер активно работает с современными материалами, такими как углеродное волокно и полимеры. Мастер и сегодня создает новые коллекции, которые вновь и вновь покоряют мир.

www.surfacemag.com

---

Официальный сайт Contract Interiors.

---

Еще по теме:

Промодизайнеры

Legrand устраивает революцию!

Студия fineobjects представляет!

Оставить комментарий

Искусство в интерьере: 7 самых разных примеров

Как оформить

Мы узнали у дизайнеров и хозяев квартир, как они выбирали арт-объекты и вписывали их в пространство.

AD Russia

23 сентября 2020 г.

Смысловая нагрузка

Автор проекта: Ирина Крашенинникова

Диптих Ильи Гапонова из серии “Фиатирский престол”, который мы видим в этой комнате, был куплен дизайнером и заказчиками на ярмарке Cosmoscow специально для проекта. “Подбор искусства — сложный и интересный процесс. Картины должны не только подходить по масштабу и колориту, но и отражать мировоззрение владельцев. Это не просто декор на стенах, они наполняют пространство дополнительным смыслом, заряжают его эмоционально, заставляют зрителя думать. Обе картины написаны на деревянных панелях, как иконы. Языком гротеска художник рассказывает о ложных ценностях современного мира”, — говорит дизайнер. Искусство подбирали в уже полностью готовый интерьер. “Для гостиной нужна была крупная и насыщенная по колориту работа, чтобы уравновесить активную сине-зеленую кухню у противоположной стены”, — объясняет Ирина.

Фото: Александр Володин.

Арт-объекты на заказ

Проект бюро Fifth Avenue

У Миланы Королевой и ее мужа Михаила не было собственной коллекции искусства, но они очень хотели ее собрать и наполнить свой дом артефактами, которые имеют художественную ценность. Помогала им в этом команда бюро Fifth Avenue. Многие произведения для этого интерьера были созданы на заказ, например, пятиметровое бронзовое полотно художника Пьера Бонфия (на фото справа). Вообще у парадного холла с лестницей было два прообраза: фойе парижского Монетного двора с черно-белым полом, красной ковровой дорожкой и бронзовыми декоративными элементами и композиция в бутике Liaigre в Париже с шелковым ковром винного оттенка и бронзовой работой этого же художника. А вот арт-инсталляцию Глеба Скубачевского с фотографии вверху команда Fifth Avenue увидела в инстаграме Askeri Gallery и взяла на примерку. Анемон так идеально вписался, что остался на стене гостиной, причем в той же раме.

Фото: Сергей Красюк.

Фото: Сергей Красюк.

Квартира для искусства

Автор проекта: хозяин квартиры

Хозяин этой московской квартиры — швейцарец, который специально искал пространство, куда впишутся масштабные арт-объекты из его коллекции. Например, триптих художницы Марлис Пекарек, который мы видим над диваном. В этом интерьере все подчинено искусству: уголок столовой, где висят натюрморт Эммы Беннетт и абстрактная работа немца Филипа Зайбеля, выкрашен в “венецианский красный”, который встречается в музеях. А тон стен в гостиной перекликается с розоватым оттенком вощеной бумаги, на которой написаны образы Мадонны. В кабинете мы видим работу Хуанга Ханканга. Хозяин продумал не только развеску, но и освещение: здесь можно выключить все лампы и оставить только подсветку картин.

Фото: Сергей Ананьев.

Фото: Сергей Ананьев.

Музейная обстановка

Автор проекта: Марина Бусел

В этой квартире собраны работы художников и дизайнеров разных поколений и жанров. Они покупались под проект или были из личной коллекции хозяина. Марина описывает его так: “Предприниматель, философ, деятель искусства, меценат и музыкант. Актуальное искусство мы дополнили актуальным дизайном — оно вдохновляет на поиск уникальных предметов интерьера, формирует особое измерение пространства”. Объекты выбирали исходя из заложенной в них философии, ощущений и предпочтений владельца и находили лучшие для их обзора места. На фото слева мы видим работы Григория Масленникова, Анастасии Руссы, скульптуру Саши Повзнера, настольную лампу Вадима Кибардина и красный журнальный столик Гоши Острецова. Набор имен — будто на выставке в музее. И предметы из этой квартиры действительно там побывали: они выставлялись осенью и зимой прошлого года в ММОМА. На кадре внизу — консоль бренда Alcarol, а над ней — скульптуры Дианы Мачулиной.

Фото: Сергей Ананьев.

Фото: Сергей Ананьев.

Художественное наследство

Автор проекта: Екатерина Чистова

Эта квартира досталась заказчикам Екатерины от их бабушки, которая была поэтессой и хозяйкой арт-галереи, поэтому они хотели вписать в новый интерьер ее наследие. “Картины — главные герои в этом пространстве, поэтому стены, стеллаж, стол, шторы белого оттенка. Здесь исторически была шпалерная развеска, чтобы показать максимальное количество работ. Таким образом бабушка демонстрировала гостям собранную коллекцию, а также показывала картины потенциальным покупателям, которые в те годы часто посещали квартиру”, — объясняет Чистова.

Фото: Евгений Кулибаба.

Точка отсчета

Автор проекта: Ираклий Зария

“Большинство моих проектов, и этот тоже, изначально строятся на конкретных произведениях искусства, которые покупаются заранее. Арт-объект, если у него есть харизма, сам диктует и подсказывает цветовую гамму и фактуру помещения, где будет расположен. Бывают исключения, когда идеальный предмет находится в процессе и интегрируется в интерьер, но это может повлечь изменение в самом проекте”, — объясняет Ираклий. Работы он покупает в разных местах и странах: в галереях, на ярмарках, блошиных рынках в Европе и США. На фото гостиной мы видим графику Алексея Кудряшова, а на журнальном столике — скульптуру White Shell III Сёко Койкэ и итальянскую винтажную вазу Антонио Лампекко. В столовой — деревянные панно 1980-х неизвестного автора, бронзовый подсвечник и вазу Осанны Висконти.

Интерьер с обложки: дом по проекту Ираклия Зария в Лондоне

Фото: Монтсе Гаррига Грау.

Фото: Монтсе Гаррига Грау.

Развитие вкуса

Автор проекта: Анна Зиньковская

“Искусство наполняет интерьер смыслом, задает тему для разговора, — считает Анна. — Попадая в пространство, вы стараетесь составить впечатление о нем, а формируют его люди и предметы, которые их окружают”. В спальне у хозяев этой квартиры стоит скульптура Людмилы Караевой “Движение вверх”, а в гостиной — “Торс”. На консоли — “Зимний пейзаж” Михаила Шемякина, “Этюд с лодками” Геннадия Харитонова и графика, купленная на блошином рынке в Париже. Места для арт-объектов дизайнер и заказчики искали методом примерки. “Какая-то живопись и графика все еще осталась на полу, и мне это даже нравится, — признается Зиньковская. — С момента съемки этот интерьер претерпел изменения. Нет, мы не перекрашивали стены, а приобрели несколько новых работ. Очень интересно наблюдать за тем, как вместе с развитием личности трансформируется, оживает и наполняется пространство вокруг”.

Фото: Сергей Ананьев.

Фото: Сергей Ананьев.

Фото: архив пресс-службы

ТегиКак оформитьДизайнИнтерьер

Принципы искусства — Понимание принципов дизайна в искусстве

Задумывались ли вы когда-нибудь, из чего состоят строительные блоки картины? Если вы посмотрите на шедевр эпохи Возрождения, такой как Мона Лиза (ок. 1503 г.) или произведение импрессионистов на пленэре Клода Моне, вы столкнетесь с визуальной композицией сцены или человека, которая на самом деле является комбинацией художественных элементов и принципов. В этой статье мы объясним, что это за элементы искусства и принципы дизайна.

Содержание

• 1 Основы: каковы принципы искусства?
• 2 Принципы обзора искусства
  • 2,1 Баланс
  • 2,2 Контраст и акцент
  • 2,3 Движение и ритм
  • 2,4
  • 2,5 Unity and Harmony
  • 2.6 Phile
  • 3 Семь элементов искусства
    • 3.1 Цвет
    • 3.2 Стоимость
    • 3,3 Линия
    • 3.4 Форма
    • 3.5 Форма
    • 3.6 Пространство
    • 3,7 Текстура
  • 4 Собирая все это вместе
  • 5 часто задаваемые вопросы
    • 5.1. Каковы.
    • 5.2 В чем разница между элементами искусства и принципами дизайна?
    • 5.3 Каковы семь принципов искусства?

   

   

  Основы: каковы принципы искусства?

  Согласно онлайн-словарю Merriam-Webster слово «принцип» означает: «всеобъемлющий и основной закон, доктрину или допущение», включая «правило или кодекс поведения». Следовательно, принцип относится к фундаментальным аспектам или правилам чего-либо.

  В изобразительном искусстве это относится к его основам или правилам, что приводит нас к вопросу, каковы основы изобразительного искусства или каковы принципы искусства? Набор правил, которым следуют художники и которые формируют композицию? Часто это также критерии, используемые для анализа произведений искусства.

  «Большая волна у Канагавы » (между 1830 и 1832 гг.) Кацусика Хокусай, находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, США; Кацусика Хокусай, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Важно отметить, прежде чем мы исследуем эти художественные принципы, что их не следует путать с элементами искусства , которые описываются как «визуальные инструменты», составляющие произведение искусства. Они также становятся критериями, по которым анализируются произведения искусства. Мы также рассмотрим их более подробно ниже.

  Кроме того, вы можете встретить различные источники искусства, которые используют эти два термина (элементы и принципы) взаимозаменяемо.

  Поэтому помните об этом, когда будете читать и исследовать искусство, и помнить об их различиях и функциях в изобразительном искусстве. Мы будем стремиться предоставить различия между ними, а также намеренно применять взаимозаменяемые термины.

   

   

  Принципы искусства Обзор

  Принцип искусства	Характеристики	Пример искусства
  Баланс в искусстве	Balance может быть симметричным, или Asymetrical.	Тайная вечеря (ок. 1495-1498) Леонардо да Винчи
  Контраст и акцент в искусстве	0008, чтобы добавить акцента, это также можно сделать с помощью светлых/темных эффектов.	Призвание святого Матфея (с 1599 по 1600) Караваджо
  Движение и ритм в искусстве	Движение создает действие или динамические эффекты, направляя взгляд зрителя 90 . Ритм создается повторяющимися элементами, и это создает движение.	Великая волна (1830-1832) автора Кацусика Хокусай The Scream (1893) на Edvard Munch
  Единство и разнообразие в искусстве	Единство относится к полноте композиции и всех элементов, работающих вместе, чтобы создать. . Разнообразие создает постоянный интерес к композиции, это использование различных художественных элементов, таких как цвет, линия или текстура.	Стога сена (1891) by Клод Моне
  Гармония в искусстве	Гармония подобна единству, но может также означать противоположность разнообразия.	Воскресенье в Ла-Гранд-Жатт (1884) by Georges Seurat
  Узор и Повторение в искусстве	Художественные элементы размещаются в узорах для создания эффекта узоров.	Голконда (1953) Рене Магритт
  Пропорция и масштаб в искусстве	Как части объекта соотносятся друг с другом по размеру. Размер субъекта/объекта по сравнению с остальными объектами в композиции.	Vitruvian (1490) от Леонардо да Винчи Кристина «Мир» (1948), Эндрю Уайет

  Мы теперь знаем, что у нас сейчас понимают, что у нас сейчас почти как цвета на вашей палитре. Вопрос «Каковы принципы проектирования?» имеет прямое отношение к элементам искусства, и по мере того, как мы будем рассматривать принципы дизайна в искусстве, мы увидим, как они определяют общий результат произведения искусства. Их почти можно было увидеть в ваших кистях, так сказать; каждая кисть будет уникальной, выполняя определенную функцию для объединения композиции.

  Существует несколько принципов дизайна в искусстве, некоторые источники определяют их как 10, в то время как другие считают их шестью или семью. Некоторые также могут быть сгруппированы вместе, поскольку концепции схожи, но следует отметить, что их не смущает близкое сходство некоторых.

  Ниже мы опишем восемь художественных принципов, некоторые из которых сгруппированы вместе, и дадим краткое объяснение каждого из них. Это, а именно, баланс, контраст/акцент, движение, ритм, разнообразие, единство/гармония, паттерн/повторение, пропорция и масштаб.

   

  Сбалансированность

  Сбалансированность касается композиционного «веса визуальных элементов», применяются ли они таким образом, чтобы обеспечить эффект равномерного распределения. Баланс может быть симметричным, асимметричным и радиальным.

  Симметричный означает, что обе стороны одинаковы или «зеркально отражают» друг друга. Асимметричный относится к обеим сторонам, имеющим разные предметы или объекты, но, тем не менее, существует сбалансированный эффект. Радиальный баланс означает, что визуальные элементы «равномерно» расположены вокруг центральной «точки» в композиции.

  «Тайная вечеря» (1495–1498) Леонардо да Винчи, находится в Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия;  Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

   

  Контраст и акцент

  Контраст относится к размещению различных элементов в композиции, например, цвета, пространства, формы и т. д. Стратегически используя контраст, он передаст ощущение акцента или иным образом заявит; он подчеркнет определенную зону в композиции. См. также « Notan » для примера контраста.

  Акцент относится к «фокусу» в композиции.

  Призвание святого Матфея (1599 – 1600) Караваджо, находится в часовне Контарелли в Риме, Италия; Караваджо , общественное достояние, через Wikimedia Commons

   

  Движение и ритм

  Движение — это наведение взгляда на фокус или центральный объект, или просто на всю композицию. Это достигается за счет расположения и применения различных элементов таким образом, что создается ощущение динамизма.

  Некоторые художественные элементы, создающие движение, могут представлять собой размещение различных линий.

  «Крик» (1893 г.) Эдварда Мунка, хранится в Национальном музее искусства, архитектуры и дизайна в Осло, Норвегия; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Эти линии обычно диагональные или изогнутые, которые добавляют цвет, пространство, форму и различные другие элементы. Ритм в основном создается за счет повторяющихся элементов или их размещения в шаблонных аранжировках.

  Это в конечном итоге создает ощущение движения в композиции.

   

  Разнообразие

  Разнообразие в основном состоит из различных элементов композиции, что придает ей уникальность. Это обеспечивает постоянный контраст, или некоторые источники описывают «хаос», который привлекает зрителя и поддерживает уровень интереса и благоговения перед композицией; он вызывает эмоции и выражение.

  Важно отметить, что разнообразие также должно использоваться сбалансированным образом, чтобы его не было слишком много, чтобы не отвлекать внимание от красоты или повествования композиции, или слишком мало, чтобы создавалось ощущение скуки или путаницы в значении.

  Стеки пшеницы (конец лета) (между 1891 и 1897 годами) Клода Моне, находится в Художественном институте Чикаго в Чикаго, США; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

   

  Единство и гармония

  Хотя этот принцип может показаться Балансом, в его последствиях есть небольшая разница. Оба термина, единство и гармония, можно рассматривать как одинаково, так и по-разному, что может привести к путанице.

  Если мы посмотрим на их сходство, оба могут относиться к тому, как все визуальные элементы в композиции работают вместе, так сказать. Другими словами, все ли визуальные элементы дополняют друг друга? Имеются ли неупорядоченные визуальные элементы?

  Воскресный полдень на острове Ла-Гранд-Жатт (между 1884 и 1886 гг.) работы Жоржа Сёра, находится в Художественном институте Чикаго в Чикаго, США; Жорж Сёра, общественное достояние, Wikimedia Commons

  Что может отличать эти термины, так это то, что Гармония относится к тому, как элементы искусства используются в сочетании, что может быть через повторение или ритм, в конечном счете, это противоположно Разнообразию и идее хаоса, это дает ощущение «спокойствия». «или «поток».

  Единство также может быть описано как относящееся ко всей композиционной согласованности, независимо от того, используете ли вы принципы разнообразия и гармонии.

   

  Узор и повторение

  Узоры — это художественные элементы, расположенные в повторяющихся сочетаниях или последовательностях, будь то линии, цвета, формы или другие элементы. Это повторение в композиции может создавать различные эффекты, например, идею движения, текстуры, единства или баланса.

   

  Пропорция

  Пропорция относится к тому, как части объекта в композиции соотносятся друг с другом из-за их размера или формы, например, глаз фигуры может быть пропорционален остальной части его или ее лица, это также может быть слишком маленьким или слишком большим.

  Это либо создаст акцент, либо различные визуальные эффекты.

  Витрувианский человек (ок. 1492 г.) Леонардо да Винчи, находится в Галерее Академии в Венеции, Италия; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

   

  Масштаб

  В принципах дизайна в искусстве важно не путать масштаб с пропорцией. Масштаб относится к размеру объекта в композиции по сравнению со всеми другими объектами. Например, фигура, стоящая рядом со зданием, которая будет соответствовать масштабу, если точно изображена с точки зрения того, как она будет выглядеть в реальной жизни, или, как утверждают некоторые источники искусства, «обычно размер произведения искусства относительно тела зрителя».

  .

  

  Цвет имеет три характеристики: оттенок, значение и интенсивность.

  На цветовом круге есть первичные, вторичные и третичные цвета .

  Композиция VII (1913) Василия Кандинского Форма Форма трехмерная с объемом, который включает высоту, глубину и ширину.

  Он включает в себя такие формы, как кубы, сферы и конусы.

  Формы могут быть органическими или геометрическими.

  Давид (с 1501 по 1504) Микеланджело

  Галатея сфер (1952) Сальвадор Дали

  Линия, горизонталь и диагональ 901.

  Линии могут быть толстыми, тонкими, изогнутыми, прямыми или узорчатыми, чтобы подчеркнуть форму.

  The Starry Night (1889) от Vincent Van Gogh

  с красным, желтым и синим (1929) от Piet Mondrian

  Значение Значение — свет. цвет.

  Также называется «яркостью».

  Меланхолия I (1514) Альбрехт Дюрер Форма Форма двумерная и имеет ширину и длину.

  Включает в себя круги, квадраты, прямоугольники или пирамиды.

  Формы могут быть органическими или геометрическими.

  Три музыканта (1921), Pablo Picasso

  Черный квадрат (1915) от Kazimir Malevich

  Пространство Пространство между или вокруг объекта.

  Пространство может быть положительным или отрицательным, открытым или закрытым.

  Космос также изображает перспективу и глубину.

  The Hunters in the Snow (1565) от Pieter Brueghel The Elder

  Стул (Канны) (1961) от Pablo Picasso

  Texture Реферы текстовой обработки на «СМИ произведение искусства.

  Текстуру можно либо почувствовать в реальной жизни, либо изобразить посредством ее иллюзии с помощью краски или других средств.

  Кающаяся Магдалина (с 1453 по 1455) по Донателло

  Портрет Арнольфини (1434) Яна ван Эйка

   

  Начнем с семи элементов искусства. Как мы объяснили выше, это «визуальные инструменты», используемые для создания картины. Думайте о них как о цветах на вашей палитре, поскольку каждый из них предлагает уникальное качество, которое, так сказать, придает вашей композиции форму.

  Существует семь элементов искусства, а именно цвет, форма, линия, значение, форма, пространство и текстура. Это важно понимать при просмотре картины или создании картины. Мы рассмотрим каждый из них более подробно ниже.

   

  Цвет

  Цвет является важным элементом изобразительного искусства , поскольку он создает значительные эффекты не только визуально, но и психологически. Существует наука о цвете, и многие великие художники прославляли присущую цвету магию, достаточно вспомнить Василия Кандинского или Пита Мондриана и многих других.

  Цвет предлагает широкий спектр, поэтому давайте сначала начнем с того, как он работает со светом, потому что это обеспечит некоторый контекст, когда мы в следующий раз рассмотрим произведение искусства. Цвет достигает наших глаз в виде отраженного света, который «отскакивает» от окружающих нас предметов.

  Существует три основных аспекта или элемента, связанных с цветом, а именно оттенок, значение и интенсивность (это также иногда называют насыщенностью или цветностью). Оттенок относится к цвету цвета, так сказать, например, оттенок синий, зеленый или фиолетовый.

  Композиция VII  (1913) Василия Кандинского, находится в Третьяковской галерее в Москве, Россия;  Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Значение относится к «легкости» цвета; его светлость подобна белому или его темнота подобна черному, а все остальные цвета между ними. Если к цвету добавляется белый, он становится известен как «оттенок», и его значение становится светлее, и наоборот, если к цвету добавляется черный, он становится «оттенком», а значение становится темнее.

  Интенсивность определяет, насколько ярким или тусклым выглядит цвет. Это также часто можно спутать со значением, но различающим фактором между ними является то, что интенсивность, иначе называемая насыщенностью, относится к яркости цвета. Однако, если значение цвета светлее, интенсивность цвета также уменьшится, и наоборот.

  Цветовой круг — еще один важный аспект, включающий первичные, вторичные и третичные цвета. Основные цвета состоят из красного, синего и желтого, а вторичные цвета состоят из фиолетового, оранжевого и зеленого.

  Цветовой этюд: квадраты с концентрическими кругами (1913) Василия Кандинского, находится в Государственной галерее в Мюнхене, Германия; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Цвета между первичными и вторичными цветами называются «промежуточными» цветами, а именно: желто-зеленый, желто-оранжевый, красно-оранжевый, красно-фиолетовый/фиолетовый , сине-зеленый и сине-фиолетовый/фиолетовый. Здесь важно отметить, что эти промежуточные цвета также иногда называют третичными цветами.

  Однако несколько онлайн-источников утверждают, что третичные цвета на самом деле являются комбинацией двух вторичных цветов, а не промежуточных цветов, которые представляют собой комбинацию первичных и вторичных цветов, очевидных на цветовом круге.

   

  Значение

  Значение — еще один элемент ar t, тесно связанный с цветом. Как мы упоминали выше, значение относится к светлоте и темноте любого цвета. Другим термином, который относится к ценности, также является «светимость». Для лучшего понимания того, как на самом деле работает значение, вы можете просмотреть изображение в оттенках серого, в котором будут более светлые и более темные области.

  Указывает на более светлые и более темные области цвета. Другой используемый здесь термин — «контраст», который относится к разнице между более светлыми и более темными областями.

  Melencolia I (1514) Альбрехта Дюрера, находится в Миннеаполисском институте искусств в Миннеаполисе, США; Альбрехт Дюрер, общественное достояние, через Wikimedia Commons точки. Существуют различные типы линий, а именно вертикальные, горизонтальные и диагональные.

  Линии также могут быть толстыми, тонкими, изогнутыми, прямыми, короткими, длинными или узорчатыми, что создает различные эффекты в композиции.

  Композиция II в красных, синих и желтых тонах (1930) Пита Мондриана, находится в Kunsthaus Zürich в Цюрихе, Швейцария;  Пит Мондриан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Например, с помощью линии можно создать движение, глубину, затенение, перспективу, а также подчеркнуть форму или «контур». Это видно, если мы посмотрим на примеры художников, которые применяли толстые темные контуры к фигурам из 9-го века. 0003 Экспрессионизм .

  Некоторые известные художники, которые использовали толстые линии, — Эдвард Мунк и Винсент Ван Гог.

   

  Форма

  Форма как элемент искусства относится к трехмерности объекта, обычно описывается как имеющий объем, который включает ширину, высоту и глубину. Он также представлен другими элементами, такими как цветовые вариации и линии для обозначения контура или очертания.

  Кроме того, в изобразительном искусстве мы обычно смотрим на двухмерную поверхность, поэтому форма создает «иллюзию» трехмерности.

  Давид (1501–1504) Микеланджело, находится в Галерее Академии во Флоренции, Италия; Микеланджело, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

  Существуют различные типы форм, а именно органические и геометрические формы. Органические формы могут происходить из природы и быть более случайными и асимметричными; геометрические формы описываются как «математические», а именно: цилиндр, куб, конус или пирамида и сфера.

   

  Форма

  Форма тесно связана с формой, но главное отличие состоит в том, что форма относится к двухмерности. Его часто описывают как «плоский», имеющий только длину и ширину, и он не имеет такого же объема, как форма. Точно так же формы могут быть сгруппированы по категориям, геометрическим или органическим.

  Форма дает контур объекта, который в основном состоит из линий.

  Черный квадрат (1915) Казимира Малевича, находится в Третьяковской галерее в Москве, Россия; Казимир Малевич , общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Существуют различные типы фигур, а именно круг, квадрат, треугольник, прямоугольник, овал и другие. Забавный факт об этих формах заключается в том, что когда они превращаются в формы, например, круг становится сферой, треугольник становится конусом, квадрат становится кубом и так далее.

  Еще одна художественная техника, передающая формы, — использование положительного и отрицательного пространства.

   

  Пространство

  Пространство часто описывается как «расстояние» «внутри», «вокруг» или «между» композиционным пространством, которым может быть холст, скульптурное пространство или любая другая форма искусство. Существуют также разные типы пространства, а именно положительное, отрицательное, открытое и закрытое пространство.

  Позитивное пространство — это сам объект или субъект в художественном произведении, например, если нарисованы ножницы, позитивное пространство будет парой ножниц. Негативное пространство — это пространство вокруг субъекта, в этом случае пара ножниц и область в петлях ножниц будут составлять негативное пространство.

  «Снежные охотники» (1565) Питера Брейгеля Старшего, хранится в Художественно-историческом музее в Вене, Австрия; Питер Брейгель Старший, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Это как открытые и закрытые пространства, где объект находится в замкнутом пространстве, а открытое пространство вокруг него. Пространство также передается, когда композиция разделена на части, особенно когда вы анализируете картину и описываете предмет с точки зрения его пространственного расположения, которое может быть либо на переднем плане, либо на среднем плане, либо на заднем плане, вверху, внизу, слева, или вправо.

  Кроме того, пространство передается в искусстве посредством вариаций глубины, иначе называемых перспективой, и пропорций, иначе называемых размером.

   

  Текстура

  Текстура связана с ощущением, и обычно существует два основных способа ее передачи в изобразительном искусстве, а именно в реальной жизни или в трехмерном пространстве, например, в скульптурах или «тактильном» ощущение краски на холсте, например, с помощью техники «импасто», когда краска физически текстурируется на холсте.

  Другой способ показать текстуру — через внушение или «иллюзию» текстуры в двухмерном пространстве.

  Портрет Арнольфини (1434) работы Яна ван Эйка, хранится в Национальной галерее в Лондоне, Соединенное Королевство; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Это делается с использованием различных техник с помощью краски, карандаша или ручки на холсте или листе бумаги. Оба относятся к тому, что описывается как «качество поверхности» произведения искусства. Текстура придает характер художественной форме и создает психологический эффект для нас, зрителей, когда мы взаимодействуем с ней.

   

   

  Все вместе

  В статье выше мы исследуем семь принципов искусства, которые, как мы уже отмечали, также называются элементами искусства. Однако важно помнить о разнице между элементами искусства и, так сказать, принципами дизайна.

   

  Элементы искусства можно рассматривать как цвета на палитре, а принципы дизайна можно рассматривать как различные кисти. Применяя каждый цвет или художественный элемент определенной кистью или художественным принципом, вы создаете композиционное целое.

   

  Читайте также нашу веб-статью «Принципы искусства».

   

   

  Часто задаваемые вопросы

   

  Каковы принципы проектирования?

  Существует несколько принципов дизайна в искусстве, которые можно применять для создания определенных визуальных эффектов и ощущений. Это баланс, контраст/акцент, движение, рисунок/повторение, пропорция, ритм, масштаб, единство/гармония и разнообразие.

   

  В чем разница между элементами искусства и принципами дизайна?

  Элементы искусства и принципы дизайна различаются, но иногда термины взаимозаменяемы. Элементы искусства описываются как визуальные инструменты для художественных композиций, а принципы дизайна в искусстве касаются того, как эти элементы используются.

   

  Каковы семь принципов искусства?

  Обычно есть семь элементов искусства. Они были описаны по-разному; некоторые источники называют их строительными блоками для художественных композиций, в то время как другие источники описывают их как визуальные инструменты, используемые для создания композиций. К ним относятся следующие: цвет, форма, линия, текстура, форма, пространство и значение.

   

  Принципы дизайна с покраской

  Логотипы, веб-сайты и многое другое…

  Логотипы, веб-сайты, обложки книг и многое другое…

  Получить дизайн

  Как дизайнер вы используете художественные элементы и принципы для создания красивых и эффектных дизайнов. Из этой серии вы узнаете больше об этих принципах дизайна и о том, как вы можете использовать их, чтобы сделать свои проекты еще лучше!

  Это вторая часть серии из трех частей:

  • Назад к основам I: Элементы дизайна с гравюрой
  • Назад к основам III: композиция дизайна с фотографией

  Живопись и принципы дизайна

  Живопись – одна из самых оригинальных форм художественного выражения. Возвращаясь к доисторическим временам с пещерами Ласко (одними из первых зарегистрированных человеческих картин), живопись практикуется во всех культурах по всему миру уже сотни лет.

  Для простоты покажем 19выражения го и 20-го века, чтобы показать, как вы можете заставить элементы и принципы дизайна работать.

  Принципы проектирования:

  • Баланс
  • Пропорции и масштаб
  • Контраст
  • Повторение и узор
  • Единство и гармония

  Balance

  Balance является одним из наиболее интуитивно понятных и сложных принципов проектирования. Это то, как художник создает ощущение равновесия в дизайне, благодаря тому, как расположены объекты в дизайне. Существует три основных типа баланса:

  • Симметричный/формальный баланс — это когда элементы расположены таким образом, что две половины дизайна (вертикальные или горизонтальные) являются зеркалами друг друга — обе стороны имеют одинаковый вес. Он создан вокруг центральной линии, которая делит дизайн на две разные половины.
  • Асимметричный/неформальный баланс — это когда элементы расположены так, что существует неравномерное распределение веса
  • Радиальный баланс — это когда элементы расположены равномерно вокруг центральной точки
  • (вверху слева) Работа Руссо демонстрирует симметричный баланс. Дерево разделяет картину на две отдельные половины, а затем использует флаги как в воздухе, так и в руках танцоров, чтобы создать горизонтальную симметрию.
  • (Внизу слева) Натюрморт Сезанна демонстрирует асимметричный баланс. Использование ярко-белого полотенца в правом нижнем углу полностью доминирует в работе, но все же уравновешивается параллельной пустотой глубокого черного фона.
  • (справа) Радиальная симметрия, или симметрия, исходящая из определенной точки, проявляется в расположении улиц и трамваев в работах Киршнера. Почти все образы кажутся стянутыми в одну центральную точку — перекресток улиц.

  Пропорции и масштаб

  Сопоставление элементов разного размера или пропорций в произведении искусства помогает создать ощущение масштаба . Масштаб можно использовать для нескольких эффектов — будь то демонстрация ощущения пространства и глубины или помощь в создании доминирующего фокуса.

  «Мехико – Национальный дворец» Диего Риверы

  Эта фреска, написанная Риверой, ясно демонстрирует ощущение пространства и глубины за счет изменения масштаба объектов. Фигуры на переднем плане больше, а здания и горы на заднем плане меньше. Это создает иллюзию того, что люди находятся высоко и близко к зрителю, в то время как остальная часть пейзажа находится далеко вдали.

  Контраст

  Огромная часть создания глубины изображения и интереса к произведению заключается в использовании нескольких контрастных элемента – или разные элементы, расположенные рядом. Это часто делается с помощью цвета, формы, размера или текстуры.

  «Сборщики фруктов, собирающие урожай под манговым деревом», Фернандо Аморсоло в 193 9

  Цвет — основной инструмент, который Аморсоло использует для создания контраста и глубины в своем произведении. В качестве сюжета он использует свет – так все фигуры оттенены более темными тонами, за исключением яркой центральной пары и молодого сборщика фруктов, выделенных светлыми тонами.

  Повторение и узор

  Использование одного и того же или подобного элемента, повторяющееся снова и снова, может придать произведению ощущение движения или структуры. Если элемент достаточно похож и повторяется достаточно часто, он может создать шаблон.

  «Черное и фиолетовое» Василия Кандинского в 1923 году

  Кандинский использует как повторение, так и узор. Его использование повторяющихся геометрических фигур, таких как треугольники, круги, квадраты и даже простые линии, заставляет глаз пользователя постоянно перемещаться по картине. Он также создает периодические образцы узоров, такие как квадраты с линиями в правом верхнем углу — это помогает добавить картине глубины.

  Единство и гармония

  Сочетание схожих элементов создает эстетически приятный общий эффект. В то время как многие элементы дизайна отличаются, доминирующее единство , созданное сходством цвета, узора, текстуры или других элементов, делает картину или дизайн гармоничным .

  «Три девушки» Амриты Шер-Гил в 1935 году

  Шер-Гил создает гармонию «Три девушки», используя тон и текстуру. Темный тон, использованный для изображения трех женщин, а также грубая ткань их одежды объединяет их друг с другом и с шероховатостью стены позади них. Общий эффект едва уловим — усиление мрачного чувства женщин с опущенными глазами.

  Преобразование в графический дизайн

  Дизайнер Bearbrick реализует все эти принципы в своем веб-дизайне для Bright Austin Interiors.

   

  Bearbrick использует пропорции и масштаб для создания асимметричного баланса. Элементы разного размера и формы располагаются на странице не так, чтобы отражать друг друга, а чтобы уравновешивать друг друга. Он создает контраста в сопоставлении ярких цветных элементов на белом фоне.

  Повторение используется для позиционирования кругов. Это заставляет глаз зрителя перемещаться между элементами, чтобы передать информацию, которую клиент хочет, чтобы зритель увидел. В то же время узор используется в качестве тонкой детали в дизайне этого круга (в цветочном узоре кнопки «о нас», а также в повторяющихся линиях, окружающих другие круглые элементы), чтобы вызвать интерес — так, чтобы дизайн может быть простым, но не скучным.